Выпуск № 1 (19) 2018

СОДЕРЖАНИЕ >>>

Аннотации и ключевые слова

Шиндин Борис Александрович

Русская музыкальная культура ХVIII столетия как объект исследования

Статья посвящена историческим аспектам изучения отечественной музыки ХVIII столетия. В силу ряда обстоятельств этот пласт культуры, практически не исследованный в ХIХ в., стал объектом внимания музыковедов только в ХХ в. В немногочисленных работах первой половины столетия только наметились подходы к системному описанию нарождающейся культуры нового времени. Эти подходы в полной мере были реализованы во второй половине столетия в трудах Т. Н. Ливановой, Ю. В. Келдыша, Б. В. Доброхотова, С. С. Скребкова, М. Г. Рыцаревой, Т. Ф. Владышевской, Е. М. Левашёва и др. В 1972 г. началась публикация «Памятников русского музыкального искусства»: изданы партитуры опер В. А. Пашкевича, Д. С. Бортнянского, М. М. Соколовского, Е. И. Фомина, русская вокальная лирика ХVIII в., в том числе сборник Г. Н. Теплова «Между делом безделье». Описанию культуры ХVIII в. посвящены второй и третий тома издаваемой в 1980-е гг. «Истории русской музыки».

Изучение музыкальных проблем ХVIII столетия происходило в контуре трехуровневой системе: открытии новых и уточнении уже известных источников, их введении в научный обиход путем публикация музыкальных памятников и посредством изысканий исследователей. Идеальное сочетание перечисленных факторов привело к блестящим результатам. Ни ранее, ни позднее отечественная музыкальная культура ХVIII в. не получила столь целостного и проблемного освещения. Важно отметить, что исследования музыковедов культурных традиций ХVIII в. явились естественной частью общего для гуманитарной науки процесса.

Ключевые слова: музыкальная культура ХVIII в., смена парадигмы, Барокко, Возрождение, литературоведение, пространственные искусства, музыковедение, Памятники музыкального искусства.

Shindin Boris Alexandrovich

Russian musical culture of XVIII century as an object of study

The article is devoted to historical aspects of the study of Russian music of XVIII century. In certain circumstances, this layer of culture has not been studied yet in the XIX century became the object of attention of musicologists only in the XX century. In the few works of the first half of the century there has been only an approach to a systematic description of the emerging culture of the new time. These approaches are fully implemented in the second half of the century in the writings of T. N. Livanova, Yu. V. Keldysh, B. V. Dobrokhotov, S. S. Scrеbkov, M. G. Rytsareva, T. F. Vladyshevsky, E. M. Levashova, etc. In 1972 began publication of Monuments of Russian musical art: published musical scores of the operas V. A. Pashkevich, D. S. Bortniansky, M. M. Sokolowski, E. I. Fomin, Russian vocal lyrics of the XVIII century, including the collection of G. N. Teplova «Casually doing nothing». Description of culture of the XVIII century dedicated to the second and third volumes published in 80-ies «The history of Russian music».

A study of musical issues of the XVIII century occurred in the circuit a three-tier system: the opening of new and the refinement of already known sources, their introduction into scientific practice by the publication of musical monuments by survey researchers. The perfect combination of these factors led to brilliant results. Neither earlier nor later musical culture of the XVIII century had such a holistic and problematic lighting. It is important to note that the research of musicologists and cultural traditions of the XVIII century was a natural part common to the Humanities in the process.

Keywords: musical culture of the XVIII century, changing paradigms, Baroque, Renaissance, literature, space art, musicology, Monuments of musical art.

Шумилина Ольга Анатольевна

Мифы о Максиме Березовском причины появления и пути преодоления

Статья приурочена к 240-й годовщине со дня смерти Максима Березовского – одного из немногих документально подтвержденных фактов биографии композитора. Рассматриваются и опровергаются неправдивые сведения о жизни и творчестве Березовского, глубоко укоренившиеся в историографии и принимаемые всеми за подлинные биографические сведения. Исследование основано на изучении прижизненных документальных материалов, что дало возможность для опровержения ошибочных сведений и реконструкции настоящих событий творческой биографии Березовского. Указаны причины, по которым эти события в дальнейшем подверглись свободной интерпретации, что и послужило отправной точкой к появлению мифов. Опровергаются: 1) служба Березовского в Придворной певческой капелле; 2) отсутствие у Березовского работы и средств к существованию в период, последовавший после возвращения из Италии в 1773 г.; 3) самоубийство из-за неустроенности, невостребованности, отсутствия достойной работы и денег; 4) создание концерта «Не отвержи мене во время старости» при тяжелых жизненных обстоятельствах, незадолго до самоубийства; 5) стереотипное мнение о том, что все свои концерты Березовский писал в манере концерта «Не отвержи…» и что всем известный нотный текст этого концерта является подлинным.

Ключевые слова: Максим Березовский, события биографии, прижизненные документы, миф, мифотворчество.

Shumilina Olga Anatolievna

Myths about Maxim Berezovsky reasons of  mergence and ways to overcome

The article is devoted to the 240th anniversary of Maxiym Berezovsky’s death – one of few documented facts of composer’s biography. We consider and refuse false information about life and creation of Berezovsky, deeply rooted in historiography and taken by all of us for genuine biographical information. The research is based on learning of intravital documental materials, which gave opportunity for refutation erroneous information and reconstruction of real events of Berezovsky’s creative biography. The reasons why these events have been subjected further to free interpretation, which was the beginning point for the emergence of myths. Refuted: 1) Berezovsky’s church service in court singing chapel; 2) lack of work and facilities for existence in the period, following after coming back from Italy in 1773; 3) suicide because of unsettled state, absence of demand, lack of decent work and money; 4) creation of a concert «Ne otverzhi mene vo vremya starosti» in hard life circumstances shortly before suicide; 5) stereotyped opinion about that all his concets Berezovsky has written in a manner of concert «Ne otverzhi» and a well-known musical text of this concert is genuine.

Keywords: Maksym Berezovsky, biographical events, intravital documents, myth, myth-making.

Серегина Наталья Семеновна

Перевод либретто оратории Г. Ф. Генделя  Alexander’s Feast» (HWV 75 «Пир Александра») И. С. Федосеева

Ода Джона Драйдена «Alexander’s Feast or The Power of Music» («Пиршество Александра, или Сила музыки») (1697) – одно из самых известных стихотворений английского поэта. В 1736 г. Г. Ф. Гендель создал на текст его оды ораторию. В России перевод оды Драйдена впервые осуществлен А. Х. Востоковым (1804), затем А. Ф. Мерзляковым (1806). Третий перевод того же первоисточника сделан В. А. Жуковским в июне 1812 г. В 1977 г. появился перевод Э. Шустера для антологии «Библиотека всемирной литературы» (т. 41). Оратория Генделя была исполнена 18.06.2009 г. в Санкт-Петербурге. В аннотации к концерту был опубликован перевод либретто оратории Ф. Г. Генделя И. С. Федосеева. В статье дан краткий анализ этих переводов и приведен последний как возникший в русле генделевской традиции. Перевод оды Драйдена, выполненный Иваном Сергеевичем Федосеевым, должен занять в ряду исторически этапных переводов на русский язык этого произведения достойное место как поэтическое сочинение, выразившее взгляд музыканта высокого класса.

Ключевые слова: Г. Ф. Гендель, «Alexander’s Feast» (HWV 75), А. Востоков, А. Мерзляков, В. Жуковский, И. Федосеев.

 

Seregina Natalya Semenovna

Translation of the libretto of the G. F. Handel’s oratorio  Alexander’s Feast» (HWV 75 «Feast of Alexander»)  by I. S. Fedoseev

Ode by John Dryden «Alexander’s Feast or The Power of Music» («Alexander’s Feast, or the Power of music») (1697) is one of the most famous poems by the English poet. In 1736 G. F. Handel created the oratorio on the text of this ode. Russian translation of the ode by Dryden was first performed by A. H. Vostokov (1804), then by A. F. Merzlyakov (1806). A third translation of the same original made by V. A. Zhukovsky in June of 1812. In 1977 came the translation by E. Schuster for the anthology «Library of world literature» (Vol. 41). Oratorio by Handel was performed 18.06.2009 in Saint-Petersburg. In the annotation to the concert was published translation of the libretto of the oratorio by G. F. Handel by I. S. Fedoseev. The article gives a brief analysis of these transfers and cited the latter as arising in line with the Handel tradition. Translation of the ode by Dryden, performed by Ivan Sergeevich Fedoseev, should occupy in the series of historically successive translations into the Russian language this work its worthy place as a poetic essay, who expressed the opinion of a musician of high class.

Keywords: G. F. Handel, «Alexander’s Feast» (HWV 75), A. Vostokov, A. Merzlyakov, V. Zhukovsky, I. Fedoseev.

Подоляк Мария Сергеевна

К вопросу музыкальной реконструкции «Комедии притчи о блудном сыне» Симеона Полоцкого: кант «О, горе мне, грешнику сущу» как часть спектакля

В данной статье представлен сюжет к реконструкции спектакля по школьной пьесе Симеона Полоцкого «Комедия притчи о блудном сыне» на материале канта «О, горе мне, грешнику сущу». Затрагивается тема связи первой школьной комедии Симеона Полоцкого, приуготовительной к Великому посту «Недели о блудном сыне» и канта «О, горе мне, грешнику сущу», принадлежавшему, по преданию, перу современника Симеона Полоцкого, Димитрию Ростовскому. Три разновеликих произведения имеют текстологические и тематические пересечения, в случае с театральной комедией и «Неделей о блудном сыне» обнаруживаются и хронологические параллели. В ходе подготовки исследования были обнаружены три ранее не опубликованные редакции канта XVIII и XIX вв. На основе пяти редакций канта «О, горе мне, грешнику сущу» из песенных сборников конца XVII–XIX вв. были выявлены особенности мелодики, структуры текста и рифмовки канта, обозначена линия трансформации мелодики, развивавшейся в течение трех веков. По мнению автора, обращение к канту «О, горе мне, грешнику сущу» оправдано, однако вопрос о том, какая именно редакция канта больше подойдет для реконструкции «Комедии притчи о блудном сыне», остается открытым.

Ключевые слова: Симеон Полоцкий, Дмитрий Ростовский, комедия, блудный сын, реконструкция спектакля, канты.

Podolyak Mariya Sergeevna

To the question of musical reconstruction of “The Comedy of the parable of the Prodigal son” by Simeon Polotsky: Kant, “Oh, Woe is me, a sinner” as part of the performance

This article is about the reconstruction of the play based on the school play of Simeon of Polotsky “The Comedy of the Parable of the Prodigal Son” and the kant “Oh, Woe is me, a sinner”. The connection of the first school comedy of Simeon Polotsky, liturgical service of the “Week about the Prodigal Son” and the “Oh, Woe is me, a sinner” kant is reviewed. Three pieces of work with different volume have textual and thematical overlaps. During the investigations three previously unpublished editions of the kants of the 18th and 19th centuries were discovered. On the basis of five editions of “Oh, Woe is me, a sinner” kant from the song collections of the end of the XVII–XIX centuries the features of melody, text structure and kant rhyme were revealed. Melody transformation line through three centuries is designated.

Keywords: Simeon Polotsky, Dmitry Rostovsky, theatrical play, Prodigal Son, reconstruction of the play, kant.

Царёва Евгения Сергеевна

Становление академического инструментального исполнительства в Енисейской губернии и традиции музыкального европейского Барокко

В статье на основе исторических источников освещаются пути и формы проникновения в инструментально-исполнительскую сферу Красноярья музыкального языка Барокко, составляющего важнейшую ветвь общеевропейского академического искусства. Если распространение элементов новых традиций в духовной и отчасти бытовой песенной среде в Красноярье не было отделено «столетними дистанциями» от аналогичных процессов в метрополии России и хронологически началось во время расцвета стиля Барокко в отечественном искусстве, то местное инструментальное исполнительство значительно отставало и долгое время оставалось в фольклорной стихии. Первое знакомство с инструментальными традициями Барокко на красноярской земле состоялось еще в XVIII столетии посредством иностранных ссыльных и военнопленных, однако, для их укоренения в местной культурной почве потребовалось несколько веков. Становление академического исполнительского искусства в Красноярье получает мощный стимул с учреждением Енисейской губернии в 1822 г., интенсивным развитием городов и изменением их социальной структуры в пользу увеличения числа образованного населения, заинтересованного в потреблении общеевропейских художественных ценностей. Тем не менее, сочинения эпохи Барокко в репертуаре местных инструменталистов еще долгое время составляют «пропущенную фазу». Первое целенаправленное обращение красноярских музыкантов к наследию западноевропейского барокко приходится на начало советского периода в истории Енисейской губернии (1920–1921 гг.) и, одновременно, на первую крупную кульминацию всего предшествующего развития академических традиций в музыкальной культуре региона.

Ключевые слова: региональная музыкальная культура, академические традиции, инструментальное исполнительство, Барокко, Енисейская губерния, Красноярск.

Tsareva Evgenya Sergeevna

Formation of academic instrumental performance in the Yenisei guberniya and the tradition of musical European Baroque

The article on the basis of historical sources highlights the ways and forms of penetration into the instrumental and performing sphere of Krasnoyarsk of the baroque musical language, which constitutes the most important branch of the general European academic art. If the spread of elements of new traditions in the spiritual and partly domestic song environment in Krasnoyarsk was not separated by «centuries-old distances» from similar processes in the metropolis of Russia and chronologically began during the heyday of the Baroque style in the domestic art, the local instrumental performance was far behind and for a long time remained in the folk element. The first acquaintance with the instrumental traditions of baroque in Krasnoyarsk land took place in the XVIII century through foreign exiles, however, to take root in the local performing sphere, it took centuries. The development of academic performing arts in Krasnoyarsk is a powerful incentive with the formation of the Yenisei guberniya in 1822, the intensive development of cities and changes in their social structure in favor of increasing the number of educated people interested in consuming European artistic values. Nevertheless, the works of the Baroque era in the repertoire of local instrumentalists for a long time constitute a «missed phase». The first purposeful appeal of Krasnoyarsk musicians to the heritage of Western European Baroque dates back to the beginning of the Soviet period in the history of the Yenisei guberniya (1920–1921) and, simultaneously, to the first major culmination phase of all previous development of academic traditions in the regional musical culture.

Keywords: regional musical culture, academic traditions, instrumental performance, Baroque, Yenisei guberniya, Krasnoyarsk.

Стемпняк Збигнев

Богословский и риторический контекст слов  и музыки в сольных концертах Барокко (на примере избранных композиций для низкого баса Иоганна Валентина Медера)

В настоящей статье автор, певец обладающий низким басом, подвергает анализу два произведения, написанные для баса соло и инструментального ансамбля: Jubilate Deo omnis terra и Gott, hilf mir denn das Wasser geht mir bis an die Seele, Иоганна Валентина Медера.

Главной целью было провести теологическую эгзегезу библейских словесных текстов (Псалмы 69 и 100), затем проанализировать корреляцию риторических фигур, применяемых в музыке, со словесным содержанием концертa, так как драматургия словесного текста выражается в музыкальном пласту произведения.

Сознательная интерпретация музыкального произведения, по мнению автора и других исследователей, должна опираться на глубокое понимание литературного текста, а в случае религиозного текста также его теологической экзегезы. Это знание должно вести к способности заметить отражение драматургии слова в музыкальном слое композиции. Исполнитель музыки Барокко, готовя произведения давних мастеров, должен ознакомиться также с риторическими фигурами, подчеркивающими драматургию словесного текста.

Подробный анализ избранных произведений Медера показал, что в музыкальной риторике Барокко применяются разные методы выражения эмоций, экспресии, отчерчивания значения слов. Музыкой пишутся образы, которые несут определенные слова. Очень важное риторическое значение имеют соответственно примененная пауза, повторение короткой фразы, музыкального отрывка или данного словa, а впоследствии количество повторений, употребление определенной тональности и смена тональности данного произведения. На риторику и символический смысл указывает также определенный метр и его смены.

И. В. Медер – композитор, певец, органист, кантор, был всесторонне образованным теологом. Используя в музыке риторические фигуры, образованные в эпохе Барокко, мастерски показал теологическую истину в библейских текстах Книги Псалмов.

Ключевые слова: музыка, древняя музыка, бас, Барокко, Библия, Книга Псалмов, теология, экзегеза.

Stpniak Zbigniew

Theological and rhetorical context of words and music in solo concerts of Baroque (on the example of selected songs for low bass by Johann Valentin Meder’s)

In this article the Author, as a singer performing Baroque music composed for the low male voice like his own (basso-profondo) like his own, has analized two pieces of music written for a bass solo and for an instrumental band: Jubilate Deo omnis terra и Gott, hilf mir denn das Wasser geht mir bis an die Seele by Johann Valentin Meder.

The main aim of the paper was to present a theological exegesis of the texts of Psalm 69 and 100 that are used in the musical works in question. The Author also attempts to analyze the correlations between musical “rhetorical” figures and the textual layer of the concerts under study.

A conscious interpretation of a musical work of art must be based on a profound understanding of the lyrics — a literary text; with religious texts it is also crucial to know its theological exegesis. This should result in the ability to recognize how verbal dramaturgy is reflected in the musical layer of the piece. Moreover, a performer of Baroque music needs to be familiar with rhetorical figures that elevate the dramaturgy in question.

A detailed analysis of Meder’s works has revealed that the musical rhetoric of the Baroque style employed different ways of conveying emotions, expression, as well as of shaping word meanings. Music was used to draw pictures that contained particular words.  The most important rhetorical figures include appropriate pausing, repetition of a short phrase, a part of music or a certain word. The number of repetitions is also of crucial importance. Rhetorical meaning is expressed by a particular key or key shift of the whole piece. Moreover, the rhetoric and symbolic meaning can be signalled by a given metre and its changes.

J. V. Meder – a composer, a singer, an organist and a cantor was a broadly educated theologian who in a masterly way depicted theological depth of psalms in the music that he composed.

Keywords: music, ancient music, bass, Baroque, the Bible, theology, ekzegeza.

Зайцева Лилия Александровна

Династия Куперенов. Фигуры и факты

Статья рассказывает о династии французских музыкантов XVII–XVIII столетий Куперенов. Собрав информацию из разных иностранных источников, в частности, английских и французских, автор впервые воссоздает полную картину возникновения династии Куперенов, начиная с ее основателя и до последнего представителя. На сегодняшний день отечественная музыковедческая литература не обладает полной и подробной информацией по заявленной теме. Статья основана на авторских переводах, в которых преследовалась попытка дополнить имеющиеся в отечественном музыкознании сведения об одной из крупнейших династий. Автором предложен метод хронологизации событий, который позволяет поэтапно проследить судьбы музыкантов рода Куперенов. В статье затрагиваются вопросы о происхождении фамилии французского семейства, географическое местоположение, сфера деятельности, творчество, окружение и быт музыкантов. Кроме того, автором используются любопытные сведения из жизни французского королевского двора под управлением Людовика XIV и уникальный цитатный материал современников эпохи. Автор находит интересные параллели между двумя великими династиями Куперенов и Бахов, которые существовали в один и тот же промежуток времени. Династия Куперенов, несомненно, является открытием новой страницы в отечественном музыковедении, что позволяет существенно расширить рамки рассматриваемой исторической эпохи.

Ключевые слова: Куперен, династия, Сен-Жерве, орган.

Zaitseva Lilia Alexandrovna

The Couperin Dynasty. Figures and facts

The article tells about the dynasty of French musicians of the XVII–XVIII centuries. Having collected the existing information from various foreign sources, in particular English and French, the author recreates for the first time a complete picture of the emergence of the Cuperen dynasty, beginning with its founder and up to the last representative of this kind. To date, Russian musicology literature does not have complete and detailed information on the stated topic. The article is based on author’s translations, in which an attempt was made to supplement information on one of the largest dynasties in the domestic musicology. The author proposes a method of chronological events, which allows us to trace the fate of musicians of the Cuperen family in stages. The article touches upon the origin of the family name, geographical location, sphere of activity, creativity, environment and life of musicians. In addition, the author uses curious information from the life of the French royal court run by Louis XIV and the unique quotation material contemporaries of the era. The author finds interesting parallels between the two great dynasties of the Cuperens and Bach, which existed at the same time interval. The Cuperens dynasty is undoubtedly the opening of a new page in Russian musicology, which makes it possible to broaden the scope of the historical epoch in question.

Keywords: Cuperen, dynasty, Saint-Gervais, organ.

Смирнова Татьяна Вячеславовна

Сорочинская Татьяна Сергеевна

Итальянская соната в середине XVII в. (на материале инструментального собрания Бьяджо Марини, op. 22)

Актуальность обращения к заявленной теме обусловлена необходимостью конкретизировать сложившиеся представления о ведущем жанре инструментальной музыки Барокко – итальянской сонате – на раннем этапе его развития. Материалом исследования послужила коллекция инструментальной ансамблевой музыки одного из лидирующих музыкантов первой половины XVII в. Бьяджо Марини “Per ogni sorte di stromento musicale diversi generi di sonate, da chiesa, e da camera, a due, tre & a quattro <…> Opera 22”. Объектом исследования стали вошедшие в собрание 25 композиций   балетти, сарабанды, куранты, синфонии, сонаты и пассакалья, предметом исследования – их жанровые и композиционно-стилистические особенности. Обращение к этапному в истории жанра сонаты инструментальному собранию Марини, согласно общепринятой в музыковедческих кругах позиции, позволило не только составить панораму распространенных в музыкальной практике середины XVII в. инструментальных жанров и форм, нередко скрывающихся под общим названием «соната», но также уточнить часто используемые в современном музыкознании наименования «sonate da chiesa» и «sonate da camera» в отношении явлений инструментализма изучаемого периода.

Ключевые слова: соната, итальянская инструментальная музыка XVII века, Барокко, Бьяджо Марини.

Smirnova Tatyana Vyacheslavovna

Sorochinskaya Tatyana Sergeevna

Italian sonata in the middle of the XVII century  (based on the material of the instrumental collection of Biagio Marini, op. 22)

Relevance of approaching the stated subject allowed to concretize the traditional view on the principal genre of baroque instrumental music about of the Italian sonata at the early stage of its development. The research material was a collection of instrumental ensemble music “Per ogni sorte di stromento musicale diversi generi di sonate, da chiesa, e da camera, a due, tre & a quattro <…> Opera 22” by Biagio Marini, one of the leading musicians of the first half of the XVII century. We have researched genre and composition-stylistic features for 25 compositions   balletti, zarabande, correnti, sinfonie, sonate and passacalio included in the considered collection. According to the common opinion in musicology circles, Marini’s instrumental collection is considerable in the history of the sonata genre. Study of this work resulted not only in creating a panorama of instrumental genres and forms spread of musical practice of the middle XVII century (commonly named with general term “sonata”), but also in clarifying the terms “sonate da chiesa” and “sonate da camera” frequently used in modern musicology in relation to the phenomenon of instrumentalism of the studied period.

Keywords: Sonata, Italian instrumental music of the XVII century, Baroque, Biagio Marini.

Кауссе Ольга Гильермовна

«100 духовных концертов» Л. Виаданы: Ренессанс или Барокко

Статья посвящена популярному жанру Нового времени – концерту, возникшему на стыке двух эпох: Ренессанса и Барокко. Исследование базируется, прежде всего, на опусах Л. Виадана, а также на произведениях его современников (О. Векки, Дж. Габриели, Т. Л. де Виктории, Я. Свелинка), поскольку огромную роль в его развитии сыграл этот итальянский композитор «переломно-переходного» периода.

В статье предпринята попытка анализа жанра сквозь призму эпохи и стиля, а также осуществлен подробный разбор нескольких концертов из знаменитого сборника Л. Виаданы «Сто духовных концертов». Он опирается на методологию как отечественных, так и зарубежных ученых (специалистов в области ренессансной и барочной музыки). При этом учитываются две точки зрения (аутентичная и современная) и сочетаются два подхода (исторический и аналитический). Предметами исследования стали концерты Виаданы из трех разных книг, для различных исполнительских составов и с разными литургическими источниками.

В статье рассматриваются определенные аспекты данного явления. Дается краткое описание характерных признаков жанра в начале XVII столетия, а также представлены некоторые итоги изучения концертов Л. Виаданы.

Ключевые слова: Л. Виадана, концерт, Барокко, Ренессанс, форма, стиль.

Causse Olga Gillermanovna

“100 spiritual concerts” by L. Viadana: Renaissance or Baroque

The article is devoted to the popular genre of the New age – concert, appeared at the junction of two eras: the Renaissance and the Baroque. The study is based primarily on works by L. Viadana, as well as on the works of his contemporaries (O. Vecchi, G. Gabrielli, T. L. de Victoria, J. Sweelinck). Since a huge role in his development was played by this Italian composer turning point-transitional” period of.

In article attempt of the analysis of the genre through the prism of the era and style. And also carried out a detailed analysis of several concerts L. Viadana’s famous collection “Cento concerti ecclesiastici”. It is based on the methodology of both domestic and foreign scientists (experts in the field of Renaissance and Baroque music). This takes into account two points of view (an authentic and contemporary) and combines the two approaches (historical and analytical). Subjects of the study were concerts by Viadana of three different books, for various performing ensembles and with different liturgical sources.

The article discusses certain aspects of this phenomenon. A brief description of characteristic features the genre in the early seventeenth century. And also presented some results of studying  concerts of L. Viadana.

Keywords: L.Viadana, concert, Renaissance, Baroque, form, style.

Кириенко Ирина Вячеславовна

Лысенко Светлана Юрьевна

Программная музыка французских клавесинистов: к вопросу о методах анализа музыкальных произведений Барокко

В данной статье затрагивается актуальная проблема изучения программных инструментальных произведений эпохи Барокко в аспекте взаимодействия музыки с другими видами искусств. В связи с определенными трудностями анализа программной музыки эпохи Барокко авторами статьи предпринята попытка привлечения комплексной методологии. Актуальным для раскодирования музыкального содержания сочинений Барокко, по мнению авторов, является обращение к семантическому анализу музыкальных произведений, который открывает новые возможности для рассмотрения универсальных общехудожественных приемов изображения и выражения, накопленных эпохой Барокко в процессе активного взаимодействия искусств. Вместе с тем авторы предлагают использовать элементы метода синестетического анализа, который основывается на способности художественного мышления к межчувственным ассоциациям и позволяет выявить такие характеристики музыкального образа, которые находятся на пересечении различных чувственных модальностей. Благодаря такому системному свойству, как синестетичность, художественное мышление обладает объемностью, целостностью, «подключая» к звуковым компонентам музыкального образа визуальные, пластические, тактильные, гравитационные характеристики и интегрируя на глубинном уровне восприятия общие языковые элементы различных видов искусства – жест, цвет, точку, звук, контур и др.

На примере программного сочинения Ф. Куперена «Привлекательная» авторами предложено использование комплексной методологии в изучении программных сочинений музыки прошлых эпох. Высказывается предположение о том, что анализ музыкальных произведений в данном аспекте помогает более полно и объемно раскрыть смысл музыкального текста.

Ключевые слова: программная музыка Барокко, взаимодействие искусств, семантический анализ, синестетический анализ.

Kirienko Irina Vyacheslavovna

Lysenko Svetlana Yurievna

Descriptive music of the French clavecinists: to the question of the methods of analyzing the musical works of the Baroque

This article addresses the actual problem of studying instrumental works of the Baroque era in the aspect of interaction of music with other kinds of music arts. In connection with certain difficulties in analyzing descriptive music of the Baroque era, the authors of the article attempted to attract an integrated methodology. According to the authors, the appeal to the semantic analysis of musical works, which opens new possibilities for the consideration of universal artistic methods of image and expression, accumulated by the Baroque era in the process of active interaction of the arts, is contemporary for decoding the musical content of Baroque works. At the same time, the authors suggest using the elements of the method of synaesthetic analysis, which is based on the ability of artistic thinking to interconscious associations and allows revealing such characteristics of the musical image that are at the intersection of various sensual modalities. Thanks to this systemic attribute, as synesthetic, artistic thinking has a volume, integrity, connecting the visual, plastic, tactile, and gravitational characteristics to the sound components of the musical image and integrating at the deep level of perception the common language elements of various art forms – gesture, color, period, sound, contour, etc.

Using F. Couperin’s descriptive composition “Attractive” (L’engageante) as an example of the authors proposed the use of integrated methodology in studying descriptive compositions of music from past eras. It is suggested that the analysis of musical works in this aspect helps to reveal the meaning of the musical text fully and vividly.

Keywords: descriptive music of the Baroque era, interaction of arts, semantic analysis, synaesthetic analysis.

Карман Елена Витальевна

Версовые антемы Орландо Гиббонса

Статья посвящена жанру антема версового типа в творчестве Орландо Гиббонса. Прослеживается его развитие на рубеже XVI–XVII столетий в соответствии с общеевропейской тенденцией к усилению концертных качеств музыкальных композиций. Результатом анализа взаимодействия вербальной основы и архитектоники произведений, фактурных закономерностей, интонационно-тематического соотношения разделов стало выделение особенностей версового антема Гиббонса как репрезентанта стилистики раннего Барокко. Композитор использует сложившуюся модель жанра, обновляя ее изнутри. В группе антемов традиционного плана выявлены равномасштабные сольно-хоровые разделы, повторение в хоровых эпизодах вербального текста и интонационно-мелодического материала версового высказывания в новом фактурном изложении. Вслед за Бердом развивается тенденция к значительному масштабному преобладанию сольных участков, обогащенных чертами речитативного и ариозного пения с умеренным использованием виртуозных оборотов, и сокращению хоровых. Обращение к репризным (рефренным) композициям свидетельствует о претворении закономерностей песенного формообразования. Возросшее до восьми количество солистов позволяет отражать смысл словесного текста, используя разные комбинации голосов, зачастую с логикой последовательного прибавления солирующих партий; наряду с подвижным хоровым составом с включением приемов внутренней ансамблировки, вводится контрастный материал в смежные версовые / хоровые разделы.

Ключевые слова: англиканская музыка, версовый антем, Орландо Гиббонс, Барокко, композиция.

Karman Elena Vitalievna

Versal anthems by Orlando Gibbons

The article is devoted to the genre of the anthem of the vernacular type in the creation of Orlando Gibbons. Its development can be traced at the turn of the 16th – 17th centuries in accordance with the European tendency to strengthen the concert qualities of musical compositions. The analysis of the interaction of the verbal basis and the architectonics of works, textural regularities, intonation-thematic correlation of the sections resulted in the identification of the features of the anthem of Gibbons as a representative of early Baroque stylistics. The composer uses the existing model of the genre, updating it from within. In the group of anthems of the traditional plan, the equal-scale solo-choral sections are revealed, the choral episodes of the verbal text and the intonational-melodic material of the verse utterance are repeated in a new textual exposition. Following Byrd, the tendency to a large-scale predominance of solo sites enriched with features of recitative and arious singing with a moderate use of virtuosic turns is being implemented, and a reduction in choral ones. Appeal to the recurrent (refrain) compositions indicates the implementation of patterns of song formation. The increased number of soloists to eight allows you to reflect the meaning of the verbal text using different combinations of voices, often with the logic of successive addition of solo parts; along with the mobile choral composition with the inclusion of internal ensemble techniques, contrast material is introduced into adjacent versal / choral sections. In the above features, the principles of the concert style are clearly manifested.

Keywords: Anglican music, verse anthem, Orlando Gibbons, Baroque, composition.

Кошелева Мария Александровна

«Любовь, приобретенная кровью и злодейством, или Нерон» Г. Ф. Генделя: об особенностях сюжетосложения

На фоне общего ренессанса барочной музыки, который начался в конце XX столетия, творчество Г. Ф. Генделя занимает одно из главных мест. Большинство его оперных сочинений высоко оценены музыкальными критиками и не случайно на сегодняшний день Гендель является одним из самых исполняемых композиторов далекой эпохи.

В данной статье предпринята попытка привлечь внимание к раннему оперному творению Г. Ф. Генделя, написанному в начале творческого пути для гамбургского театра «Gansemarkt». К сожалению, партитура полностью утрачена, но имеется либретто, благодаря которому, мы можем ознакомиться с поэтическим текстом и получить некоторые представления об этой опере. Помимо сведений об истории создания произведения, в рамках статьи главным образом выявляются особенности его сюжетосложения. Известно, что данное либретто послужило причиной весьма неоднозначной оценки оперы исследователями. И одним из факторов негативного настроя критиков стала его драматургия.

В либретто обнаруживается две сюжетно-драматургические линии, со свойственными им сюжетными мотивами: историко-политическая и любовная. Любопытно, что драматургической логикой и завершенностью обладает лишь первая. Вторая, являясь ведущей, стала «слабым звеном» в сюжетосложении. Статья раскрывает все эти особенности, выявляя достоинства и недостатки данного либретто.

Ключевые слова: Гамбургский музыкальный театр, опера Барокко, Гендель, Нерон, сюжетосложение, либреттология.

Kosheleva Maria Alexandrovna

“The love gained through blood and murder, or Nero” by G. F. Handel: to the problem of plot formation

Against of a global renaissance of baroque music, which began in the late XX century, the work of G. F. Handel is one of the main places. Most of his operatic works are highly appreciated by musical critics and not by chance, currently, Handel is one of the most accomplished composers of a long-held era.

In this article, an attempt is made to draw attention to the early opera creation of G.F. Handel, written at the beginning of the creative path for the Hamburg theater “Gansemarkt”. Unfortunately, the score is completely lost, but there is a libretto, thanks to which, we can get acquainted with the poetic text and get some ideas about this opera. In addition to information about the history of the creation of the work, the article mainly reveals the features of its plot formation. It is known that this libretto caused a very ambiguous evaluation of the opera by the researchers. And one of the factors of the negative attitude of critics was his drama.

The libretto reveals two plot-dramaturgic lines, with their characteristic plot motives: history-political and love. It is curious that only the first plays the role of dramaturgic logic and completeness. The second, being the leading, has become a «weak link» in the plot. The article reveals all these features, revealing the merits and demerits of this libretto.

Keywords: Hamburg Musical Theater, opera baroque, Handel, Nero, plot formation, librettology.

Бочкова Татьяна Рудольфовна

Органная соната эпохи Барокко: к истории появления жанра

В статье рассматриваются первые образцы клавирной сонаты конца XVII – первой половины XVIII в., непосредственно предназначавшиеся или подразумевавшие исполнение на органе. Здесь речь идет о вариативности выбора клавишного инструментария, определяемого «трендом» эпохи и подчеркиваемое названием сборников, «оттолкнувшихся» от одного из первых собраний подобно рода, который вышел в Париже в 1531 г. Это изданные П. Аттеньяном «Tabulatures pour le jeu des Orgues, Espinettes et Manicordions» («Табулатуры для игры на органах, спинетах и клавикордах»).

Эта традиция, распространенная во всех европейских странах, наиболее устойчиво проявила себя в Италии и закрепилась здесь очень прочно, поэтому особое внимание в статье уделяется именно итальянским образцам. В частности, своеобразному трактату-хрестоматии Адриано Банкьери «L’Organo suonarino» и собранию Джулио Чезаре Аррести «Sonate da organo di varii autori», которое считается одной из первых коллекций сонат (понимаемых как одночастные полифонические пьесы и представляющих собой популярные жанры эпохи – канцоны различного типа, ричеркары, каприччио) с однозначным указанием их исполнения на органе.

На примере этих собраний анализируются варианты интерпретации жанра в его изначальной мобильности, связанные с трактовкой понятия «соната» в барочной композиторской практике.

Ключевые слова: Барокко, органная соната, жанр, Дж. Ч. Аррести, А. Банкьери.

Bochkova Tatyana Rudolfovna

Organ sonata of baroque era: to the history of the genre appearance

In the article the first samples of the clavier sonata of the end of the XVII – first half of the XVIII century, directly pre-appointed or implying execution on the organ, are considered. Here we are talking about the variability of the choice of keyboard instruments, determined by the “trend” of the era and underlined by the name of collections that “pushed” from one of the first meetings like the kind that was published in Paris in 1531. This is published by P. Attaignant “Tabulatures pour le jeu des Orgues, Espinettes et Manicordions” (“Tabulatures for the playing of Organs, Espinettes and Manicordions”).

This tradition, prevalent in all European countries, has proved itself the most steadily in Italy and is firmly entrenched here, so special attention is paid in this article to Italian models. In particular, the original treatise-textbook Adriano Bankieri “L’Organo suonarino” and the collection of Giulio Cesare Arresti “Sonate da organi di varii autori”, which is considered one of the first collections of sonatas (understood as one-part polyphonic pieces and representing the popular genres of the era – canzons of various types, ricercar, capriccio) with a clear indication of their performance on the organ.

The examples of these collections analyze the options for interpreting the genre in its original mobility, related to the interpretation of the concept of “sonata” in baroque compositional practice.

Keywords: baroque, organ sonata, genre, G. C. Arresti, A. Banchieri.

Опалей Елена Николаевна

Барочные традиции в духовном творчестве  И. Ф. Стравинского: на примере второй части «Симфонии псалмов»

В центре внимания данной статьи – барочные традиции второй части «Симфонии псалмов» И. Ф. Стравинского. В этом сочинении композитор соединяет традиционные черты полифонического письма и стиля великого немецкого композитора И. С. Баха, а также концентрирует новые идеи, которые проявились в его последующих духовных сочинениях, связанных с религиозной тематикой. В многогранном духовном творчестве Стравинского этот опус занимает особое место: «Симфония псалмов» является «своеобразным конспектом по мировой истории духовной музыки». Центральная часть цикла представляет обращение автора к страницам баховского письма. В качестве жанрового прообраза второй части композитором выбрана полифоническая форма – фуга на две темы: инструментальную и вокальную. В статье рассматриваются причины обращения композитора к полифоническим традициям строгого стиля, в том числе его особое отношение к творческому стилю Баха, а также интерес к полифонии как науке и как структуре. Стравинский использовал широкий круг приемов классической полифонии, а также целый ряд различных структурных единиц, которые позволили создать уникальное произведение на основе барочной жанрово-стилистической модели.

Ключевые слова: И. Ф. Стравинский, «Симфония псалмов», вторая часть, фуга на две темы, полифония.

Opaley Elena Nikolaevna

Baroque tradition in the spiritual work of I. F. Stravinsky: for example, second part of the “Symphony of Psalms”

The focus of this article – the Baroque tradition of the second part of ”Symphony of Psalms”  by Igor Stravinsky. In this work, the composer connects traditional features polyphonic writing and the style of the great German composer I. S. Bach, but also concentrates new ideas that appeared in his subsequent spiritual writings related to religious themes. In the multi-faceted spiritual works of Stravinsky, this piece occupies a special place: “Symphony of Psalms”  is “a kind of summary on the history of the world sacred music” . The Central part of the cycle is the conversion of the author to the pages of Bach’s writing. As a genre type of the second part of the selected composer polyphonic form of the Fugue into two themes: instrumental and vocal. The article discusses the reasons of the composer to polyphonic traditions of the strict style, including its special relationship to the creative style of Bach, as well as interest in polyphony as a science and as structure. Stravinsky in his work used a wide range of classical polyphony, as well as a number of different structural units, which helped to create a unique piece based on the Baroque genre and stylistic models.

Keywords: Stravinsky, ”Symphony of Psalms”, the second part, Fugue on two themes, polyphonic.

Миклухо Елена Олеговна

Современный английский композитор Джон Тавенер о музыке Возрождения и Барокко

Современный английский композитор Джон Тавенер (1944–2013) является потомком известного композитора и органиста эпохи Возрождения Джона Тавернера (1490–1545). Творчество Тавенера, произведения которого были отмечены И. Ф. Стравинским и высоко оценены Бенджамином Бриттеном, – замечательное явление современной музыки. Основной идеей Джона Тавенера был духовный поиск и возвращение к живым традициям в музыке, которые, по его мнению, утратил Запад. В своей музыке композитор обращается к традициям различных религий, культур, исторических эпох. Пройдя сложный путь духовных исканий, Джон Тавенер принял православие в Русской православной церкви в Лондоне. Период творчества композитора, длиною более 20 лет (с конца 70-x до конца 90-х гг. XX в.), связан преимущественно с обращением к православным традициям, древнерусской, русской, греческой, византийской культурам.

В статье рассматривается осмысление Тавенером музыки Возрождения и Барокко и обращение к традициям этих эпох в творчестве композитора. Рассказано о влиянии двух значительных композиторов эпохи Барокко – Баха и Генделя – на творческий путь Джона Тавенера, об использовании в произведениях Тавенера «материала Баха» и о создании хоралов по принципу Баха. Также затронута тема русского Предвозрождения в искусстве и осмысления его аспектов Тавенером; о влиянии на композитора иконы Андрея Рублёва «Троица»; о высказывании Тавенера о диссонантном многоголосии эпохи русского Средневековья, поздний период которого имеет некоторые черты Возрождения в музыкальной культуре.

Ключевые слова: Возрождение, Ренессанс, русское Предвозрождение, строчное и демественное многоголосие, Барокко, Гендель, Бах, Джон Тавенер.

Miklukho Elena Olegovna

The modern English composer John Tavener about the music of the Renaissance and Baroque

The modern English composer John Tavener (1944–2013) is a descendant of the famous composer and organist of the Renaissance John Taverner (1490–1545). Creativity of Tavener, whose works were noted by Igor Stravinsky and highly appreciated by Benjamin Britten, is a remarkable phenomenon of modern music. The main idea of John Tavener was a spiritual search and a return to the living traditions in music, which, in his opinion, lost the West. In his music, the composer turns to the traditions of various religions, cultures, historical epochs. Having passed the difficult path of spiritual quest, John Tavener adopted Orthodoxy in the Russian Orthodox Church in London. The period of creativity of the composer, more than 20 years (from the end 70’s to the end of the 90-ies of the XX century), is associated mainly with the appeal to Orthodox traditions, Old Russian, Russian, Greek, Byzantine cultures.

The article examines the understanding of the music of the Renaissance and Baroque by Tavener and the appeal to the traditions of these epochs in the composer’s work. It is told about the influence of two significant composers of the Baroque period – Bach and Handel – on the creative path of John Tavener. About the use in the works of Tavener “material of Bach” and about the creation of chorals according to the principle of Bach. Also touched upon is the theme of Russian pre-Renaissance in art and the comprehension of its aspects by Tavener; about the influence on the composer of the icon of Andrei Rublev Trinity; about Tavener’s statement about the dissonant polyphony of the epoch of the Russian Middle Ages, the late period of which has some features of the Renaissance in the musical culture.

Keywords: Renaissance, Russian pre-Renaissance, early Russian polyphony, Baroque, Handel, Bach, John Tavener.

Гаврилова Людмила Владимировна

Постановка оперы «Золотое яблоко» Антонио Чести – Людовико Бурначини в Вене в контексте традиций барочного театра

В статье привлекается внимание к одному из самых грандиозных по своим масштабам музыкально-театральных событий XVII в. – постановке оперы А. Чести в Hoftheater auf der Cortina. В ней вносятся дополнения историко-фактологического характера в имеющуюся в русскоязычных источниках информацию. Отмечается значительная роль итальянских традиций в формировании барочной театрально-постановочной культуры в Вене. Особо акцентируется проблема влияния традиций барочного декорационного оформления придворных спектаклей на сюжетосложение оперного либретто. В качестве доказательной базы привлекаются гравюры, созданные М. Кусселем на основе постановки оперы А. Чести «Золотое яблоко» в декорациях Людовико Бурначини. Анализ либретто Ф. Сбарра подтверждает предположение, что трактовка известного греческого мифа о яблоке раздора органично встраивается в систему трехуровневого иерархического членения  сценического пространства (верхний, средний и нижний уровни), его канонических образов, сложившихся в эпоху Барокко. Это проявляется и в образной структуре оперы, и в ее композиционных особенностях. Автор статьи приходит к выводу, что в установлении типизированных сюжетных и ситуационных схем в конце XVII столетия немаловажную роль сыграло и декорационное оформление.

Ключевые слова: А. Чести, опера, барокко, Л. Бурначини, cценическое оформление.

Gavrilova Liydmila Vladimirovna

The traditions of the baroque theater in the presentation of the opera Pomo d’Oro by Antonio Chesti Ludovico Burnacini in Vienna

The goal of this article is to study the theatre presentation of A. Chesti’s opera in Hoftheater auf der Cortina. It was one of the biggest musical and theatrical events of the 17th century. Author gives more historical information and new facts about this opera. The role of Italian traditions is very important in the creating of the baroque theatrical and staging culture in Vienna. At the centre of problem is the influence of the traditions on the baroque decoration of court performances on the opera libretto. The author use the engravings created by M. Kussel, which based on the decorations by Ludovico Burnachini from A. Chesti’s opera “Pomo d’Oro”. The object of analysis is the libretto by F. Sbarro. The interpretation of the well-known Greek myth about “the apple of discord” integrates into the system of three-level hierarchical division of the stage space (upper, middle and lower levels). It was canonical images that developed during the Baroque era. The figurative structure and composition of the opera are confirming this thesis. The main result of research include the conclusions on the important role stage decoration in the establishment of types story and patterns of situation by the end of the 17-th century.

Keywords: A. Chesti, opera, baroque, L. Burnachini, stage design.

Гончаренко Светлана Сергеевна

Композиционные модели в необарочных циклах первой четверти ХХ в.

Статья посвящена изучению в необарочных циклах западноевропейской музыки функций и структуры простых жанров. С конца 1910-х – начала 1920-х гг. вновь приобретает актуальность сложившаяся в эпоху Барокко «надвременная» драматургическая модель: «мир в картинах движения». Многочастная циклическая форма строится на контрастном сопоставлении старинных и новых танцев, а также частей нетанцевального характера. Автор использует компаративный метод и выявляет инварианты «текстов-доноров» и их преобразования в «текстах-реципиентах» (выражения А. Денисова).

В сюите «Могила Куперена» (1917) М. Равеля, первой сцены из оперы А. Берга «Воццек» (1921), Сюите А. Шенберга, ор. 25 (1923), макроцикле сольных скрипичных сонат (1923) Э. Изаи выявляются общие принципы свободного выбора из исторического каталога простых жанров. Константными остаются функциональная определенность Прелюдии как инициальной части, продолженной чередой танцев (от двух до четырех), лирического центра («Арии» у Берга, «Интермеццо» у Шенберга) и финала («Токката» Равеля, «Жига» Шенберга).

Новаторство проявляется в объединении формообразующих принципов разных эпох, в стилевом синтезе черт Барокко и экспрессионизма А. Берга и А. Шенберга, Барокко, постромантизма и импрессионизма Э. Изаи, неоклассицизма и импрессионизма М. Равеля.

Ключевые слова: Барокко, необарокко, композиционная модель, сюита, соната, простые жанры.

Goncharenko Svetlana Sergeevna

Compositional model in neo-Baroque cycles
the first quarter of the XX century

The article is devoted to the study functions and structures of simple genres in neo-Baroque Western music cycles. From late 1910’s–early 1920-ies becomes relevant again “super temporary” dramaturgic model “world in motion pictures”, established in the Baroque era. Multi-movement cyclic form is built on the contrast between the old and new dances, as well as parts of the non-dancing character. The author uses the comparative method and identifies invariants “text-donor” and converting them to “texts-recipients” (the expressions by A. Denisova).

In the Suite “The Tomb of Couperin” (1917) by M. Ravel, the first scene of the Opera Wozzeck by A. Berg (1921), Suite op. 25 by A. Schoenberg (1923), the macrocycle solo violin sonatas (1923) by Eugene Ysaye identifies the General principles of free choice of the historical catalogue of simple genres. Constant remain functional definitions of Foreplay as the initial parts, continued series of dances (from two to four), lyric center (“Aria” by Berg, “Intermezzo” by Schoenberg) and the final (“Toccata” by Ravel, “Gigue” by Schoenberg).

Innovation is manifested in the unification of the forming principles of different eras, stylistic synthesis of Baroque and expressionism traits by A. Berg and A. Schoenberg, Baroque, postromanticism and impressionism by E. Ysaye, neo-classicism and impressionism by M. Ravel.

Keywords: Baroque, neo-Baroque, compositional model, suite, sonata, simple genres.

Фиденко Юлия Леонидовна

Парафразирование барочного гимна «O Heiland, reiЯ die Himmel auf» в современной российской мессе

В статье рассматривается песнопение эпохи Барокко, использующееся в современной культовой практике католических приходов России. Значительное переосмысление культового репертуара обусловлено реформами Второго Ватиканского собора (1962–1965), позволившими использовать в службе национальный язык и разнообразный музыкальный материал. В Мессу включается множество обработок гимнов разных эпох, в первую очередь, Возрождения и Барокко.

Актуальность статьи обусловлена отсутствием исследований о русскоязычной гимнографии XX–XXI вв. Автор отмечает, что современное литургическое бытование католических песнопений может быть рассмотрено через ракурс проблемы парафразирования. Под парафразами понимаются новые текстовые и музыкальные варианты – авторские обработки гимнов.

Анализ русскоязычных версий анонимного песнопения XVII в. на стихи Фридриха фон Шпее «O Heiland, reiЯ die Himmel auf» демонстрирует лексическое многообразие современного католического репертуара. Русский перевод гимна «Господь, открой небес врата» (Е. Перегудова) на немецкую мелодию исполняется в российских приходах и с другими стихами («В долине слез»). Текстовые парафразы имеют разные авторские мелодические версии (А. Куличенко и С. Мовчана).

Автор полагает, что вариативность современного католического репертуара связана с ситуацией новой литургической коммуникации после реформ Второго Ватиканского собора.

Ключевые слова: парафраза, церковная музыка, литургический гимн, месса, Второй Ватиканский собор, католичество.

Fidenko Yulia Leonidovna

Paraphrasing the Baroque Hymn “O Heiland, reiЯ die Himmel auf” in the modern Russian Mass

The article presents chant of the Baroque period, which is used in modern religious practices of Catholic parishes of Russia. Significant modification of religious repertoire caused by reforms of The Second Vatican Council (1962–1965), which allowed using the national language and various music during a worship. A lot of hymn arrangements of different epochs, especially of Renaissance and Baroque includes in Mass.

Actuality of the article is due to absence of Russian hymnography research of XX–XXI centuries. The author notes, that modern liturgical life of catholic chants can be analyzed as a paraphrase problem. Paraphrase is new textual and musical versions – author’s hymn arrangements.

Analysis of russian versions chant of XVII century “O Savior, rend the heavens wide” (words of Friedrich von Spee) demonstrates lexical multiplicity of modern catholic repertoire. Russian interpretation of German hymn is used in parishes of Russia with different texts. Words paraphrases have various melody versions of Russian composers (A. Kulichenko, S. Movchan).

The author concludes, that the variability of the contemporary Catholic repertoire is related to the situation of new liturgical communication after the Second Vatican Council reforms.

Keywords: paraphrase; church music; liturgical hymn; Mass; Second Vatican Council; Catholicism.

Лавелина Жанна Алийевна

Канон И. Пахельбеля в массовой музыке XX–XXI вв.

В статье обсуждается феномен цитирования в музыкальном искусстве на примере барочного произведения – Канона D-dur немецкого композитора Иоганна Пахельбеля. Его богатое музыкальное наследие, оказавшее заметное влияние на творчество И. С. Баха, в полной мере еще предстоит исследовать российским музыковедам. Канон D-dur относится к группе художественных творений, которым удалось в отрыве от своего исторического контекста завоевать известность. Этот факт, с одной стороны, приумножает вечную ценность классической музыки, с другой – Канон совершенно не получил признания в свое время, и, только благодаря изменчивости моды, стал невероятно популярным, показав, что и классическая музыка также подвержена ее влиянию.

Композиционный метод цитирования чужого материала равно характерен как для академической, так и для массовой музыкальной культуры. Бриколажный тип мышления последней привносит специфику внеличного типа творчества в современную массовую музыку. При этом в большей степени важна коммуникативная функция в интертекстуальных отношениях между объектами искусства, способствующая плодотворному диалогу различных культур.

Ключевые слова: Иоганн Пахельбель, канон, цитирование, массовая музыка, интертекстуальность, академическая музыка.

Lavelina Zhanna Alijevna

Pachelbel’s Canon in the mass music of the XX–XXI centuries

The article discusses the citation phenomenon in the musical arts through the example of the Baroque composition D-dur Canon written by the German composer Johann Pachelbel. His rich musical legacy which has greatly influenced I.S. Bach music is to be fully studied by Russian musicians in the future.  D-dur Canon belongs to the group of artistic creations that succeeded to become well-known in isolation from their historical context. On the one hand, this fact increases the eternal value of classical music. On the other hand, the Canon was not recognized at all in due time, and it became incredibly popular only thanks to fashion variability, showing that the classic music is also a subject of its influence.

As academic, as mass musical culture both use the compositional citing method. The briconic type of thinking in mass musical culture introduces impersonal creativity type specifics into modern mass music. At the same time, communicative function in intertextual relations between art objects is more important, because it promotes a productive intercultural dialogue.

Keywords: Johann Pachelbel, canon, citing, mass music, intertextuality, academic music.

Пыльнева Лада Леонидовна

Преломление барочных принципов в творчестве композиторов Сибири

В статье приводится информация о формах обращения к музыкальным явлениям Барокко в творчестве композиторов Сибири. Выявлены несколько направлений: 1) использование методов полифонического развития, характерных для Барокко, в различных разделах современной музыкальной формы; 2) прочтение полифонических жанров и форм, типичных для эпохи Барокко в условиях современного композиторского письма; 3) применение цитат барочных тем в качестве знаков эпохи или носителей конкретного содержания; 4) использование принципов построения монограмм. Приведены показательные опыты А. Ф. Мурова, С. Г. Тосина в интерпретации барочных жанров в условиях современных техник композиции, проанализированы фуги Э. Н. Маркаича, созданные в джазовой манере. Обнаружено направление работы композиторов в сибирских республиках: создание полифонических опусов на материале национального музыкального языка.

Следование тенденциям современной культуры, совмещение разностилевых элементов в сочинениях выглядят вполне в духе времени. Формы, жанры и темы Барокко органично вступают в диалог с аналогичными явлениями других эпох, реализуются на базе современного тематизма, тематизма фольклорного происхождения, построенного на традиционных звукорядах. Имитационное и фугированное развитие апробировано на базе пентатоники, на малообъемных ладах, а также иных различных звукорядах. Примером может служить опус Ц. И. Ирдынеева «Бурят-Монгольские духовные песнопения», в котором использованы темы на звукорядной основе «c – es – f – g», на аналогичном по интервальному составу тетрахорде «d – f – g – a», и на трихорде «c – es – f».

Ключевые слова: творчество композиторов Сибири, музыкальные жанры Барокко, полифонические формы, цитаты в музыке.

Pylneva Lada Leonidovna

Refraction of Baroque principles in the works of Siberian composers

The article provides information on forms of treatment to the musical phenomena of the Baroque in the works of composers of Siberia. Revealed several trends: 1) the use of the methods of polyphonic development, characteristic of the Baroque, in various sections of modern musical forms; 2) interpretation of polyphonic genres and forms typical of the Baroque in modern composers’  letters; 3) the use of quotes to those of the Baroque as signs of the era or the specific media content; 4) the use of principles of monograms. Given demonstration experiments of А. F. Murov, S. G. Tosini in the interpretation of Baroque genres in modern techniques of composition. The article provides the analysis of a Fugue of E. N. Marcaich created in the jazz idiom. Discovered the direction of the composers’ works in the Siberian republics: the creation of polyphonic pieces of music on the material of the national musical language.

Following the trends of contemporary culture, combining elements of different genres in the works seems to be quite in the spirit of the time. Forms, genres and themes of the Baroque organically enter into dialogue with the similar events from other epochs, are implemented based on modern themes, the themes of folk origin, built on the traditional scale. Imitation and Fugue-like development is approved on the basis of the pentatonic scale, small frets, and other various scales. An example is opus, “Buryat-Mongolian chants” Tz. I. Irdyneev, which designed theme for zvukorjada the basis of “c – es – f – g”, the same interval composition tetrachord “d – f – g – a”, and trigone “c – es – f”.

Keywords: creativity of composers of Siberia, musical genres of baroque, polyphonic forms, quotes in music.

Бурханов Аркадий Геннадьевич

Бандола – неизвестный старинный музыкальный инструмент

Отсутствие достоверных сведений об этом инструменте в литературе по исторической органологии на русском языке и разрозненные противоречивые сведения зарубежных авторов послужили причиной написания этой статьи.

Целью статьи является формирование цельного образа музыкального инструмента прошлого на основании обобщения и уточнения сведений из исторических источников и их современных интерпретаций.

Исследователь этой темы Моника Холл констатировала, что упоминания о бандоле не встречаются нигде кроме вариантов трактата, изданных в XVIII в. на каталанском или валенсийском языках с предполагаемой, но недоказанной атрибуцией текстов перу каталонского просветителя рубежа XVI–XVII вв. Хуана Карлоса Амата и изданий авторов, позаимствовавших оттуда части текста. Одним из авторов, использовавших недословные, но очевидные заимствования, был соотечественник Амата Пабло Мингет-и-Йрол (ок. 1715–1801). О популярности этих авторов говорят многократные переиздания их текстов в последующие эпохи.

При сопоставлении текста Амата с единственным изображением и плагиаторским описанием бандолы из трактата Мингета выяснилось, что бандола имела шесть сдвоенных струн, настроенных подобно многострунным инструментам эпохи Возрождения.

Исторический парадокс заключается в том, что учебные пособия по практическому освоению этого типологически «ренессансного» инструмента издавались с середины XVIII до конца XIX в. Бандола описывается в этих трудах не как исторический анахронизм, а как «совершенный» и «более широко распространенный» инструмент, чем разновидности родственных инструментов с меньшим количеством струн.

Таким образом настоящая статья является уточняющим штрихом к картине музыкальной жизни прошлого.

Ключевые слова: музыкальные инструменты Испании, бандола, типле, испанская гитара, Пабло Мингет-и-Йрол, Хуан Карлос Амат.

Burkhanov Arkadiy Gennadievich

Bandola is the unknown ancient musical instrument

Lack of authentic data on this instrument in literature on historical organology in Russian and separate contradictory data of foreign authors have caused writing of this article.

The purpose of article is formation of an integral image of a musical instrument of the past on the basis of generalization and specification of data from historical sources and their modern interpretations.

The researcher of this subject Monica Hall noted that mentions of the Vandola don’t meet except the versions of the treatise published in the 18th century in the Catalan or Valencian languages with alleged, but unproven attribution of texts to a feather of the Catalan educator of a boundary of the 16–17th centuries Juan Carlos Amat and editions of the authors who have borrowed from there parts of the text anywhere. The compatriot of Amat Pablo Minget y Yrol (apprx. 1715–1801) was one of the authors using not literal, but obvious loans. Tell repeated reprintings of their texts during the subsequent eras about popularity of these authors.

By comparison of the Amat’s text with the only image and the plagiatory description of a Vandola from the treatise of Minget it has become clear that the Vandola had six courses which are tuned like many-stringed instruments of Renaissance.

The historical paradox is that manuals on practical development of this typologically “Renaissance” instrument were published from the middle of 18th until the end of the 19th century. Bandola is described in these works not as a historical anachronism but as “perfect” and “more widespread” musical instrument, than kinds of related tools with smaller quantity of strings.

Thus the present article is the specifying stroke to a picture of musical life of the past.

Keywords: Spanish musical instruments, Vandola, Tiple, Guitarra Espaсola, Pablo Minguet y Yrol, Juan Carlos Amat.