Выпуск № 4 (22) 2018

СОДЕРЖАНИЕ >>>

Аннотации и ключевые слова

Вершинин Александр Александрович

«Симфонические танцы» Сергея Рахманинова: авторская интерпретация как стилевой ориентир для исполнителей

Статья обращается к последнему сочинению Сергея Васильевича Рахманинова, одному из самых загадочных его творений – «Симфоническим танцам». Благодаря удивительному открытию последнего года – аудиозаписи, на которой автор исполняет свой опус (на рояле) – в настоящий момент музыканты получили возможность познакомиться с запечатленным композиторским замыслом. Исполнение Сергея Васильевича помогает уяснить не только темповые и динамические особенности (в том числе агогические), но, прежде всего, характер той или иной темы, ее интонационную логику, фразировку. Изучение этого аудиодокумента необходимо дирижерам и оркестрантам (при подготовке исполнения «Симфонических танцев»), а также полезно, конечно, и пианистам-исполнителям. Запись была осуществлена Юджином Орманди в 1940 г., когда композитор пригласил дирижера на виллу в Лонг-Айленд для работы над новым сочинением. Орманди привез портативный звукозаписывающий аппарат. Композитор играет, в некоторых моментах поет, запись иногда обрывается (в связи с окончанием и заменой магнитной ленты), слышны голоса (когда Сергей Васильевич что-то поясняет коллеге). К сожалению, автор не оставил точной расшифровки программы каждой из частей. В связи с этим стоит обратиться к истории создания и содержательной стороне сочинения, рассмотреть центральные темы-образы.

Ключевые слова: Рахманинов, Симфонические танцы, фортепиано, интерпретация, исполнитель, стиль.

Vershinin Aleksandr Aleksandrovich

“Symphonic Dances” by Sergei Rachmaninov: author’s interpretation as a style guide for performers

The article refers to the last work of Sergei Vasilyevich Rachmaninov, one of his most mysterious creations – “Symphonic Dances”. Thanks to the surprising discovery of the last year – the audio recordings on which the author performs his opus (on the piano) – at the moment, the musicians have the opportunity to get acquainted with the imprinted composer’s plan. The performance of Sergei Vasilievich helps to clarify not only the tempo and dynamic features (including agogic ones), but, above all, the nature of a particular topic, its intonational logic, and phrasing. The study of this audio document is necessary and useful for conductors and orchestra players (when preparing the performance of “Symphonic Dances”), as well as, of course, pianists-performers. The recording was made by Eugene Ormandy in 1940, when the composer invited the conductor to a villa in Long Island to work on a new composition. Ormandy brought a portable recording device. The composer plays, in some moments sings, the recording sometimes ends (due to the end and replacement of the magnetic tape), voices are heard (when Sergey Vasilyevich explains something to a colleague). Unfortunately, the author did not explain the exact decoding of the program of each of the parts. In this regard, it is worth referring to the creation history and the content side of the essay, to consider the central themes-images.

Keywords: Rachmaninov, Symphonic Dances, piano, interpretation, performer, style.

Карпычев Михаил Георгиевич

Речь на фортепиано

Статья посвящена связи словесной речи и игры на фортепиано. Многие характеристики речи и музыки (язык, текст, предложение, интонация…) совпадают. Интонирование нужно понимать как речь на рояле. Единичная музыкально-фортепианная интонация эквивалентна слову. Она выражается в музыке в трех формах: два звука, один звук, пауза. Классическая форма – два звука (интервал). Один звук становится интонацией, если он обособлен в музыкальной ткани, пауза – если она длительна. Во-первых, если фортепианная игра есть речь, то она должна быть внятной, членораздельной. Во-вторых, она должна быть связной. Легато нужно прежде всего понимать как ментальную категорию, объединяющую сознанием пианиста ряд интонаций. Логика сцепления интонаций – надежная предпосылка связной игры. Логическое мышление – гарант связного интонирования – является атрибутом фактора системности. В-третьих, она должна быть осмысленной. Категория осмысленности близка связности. Но существуют и специфические особенности: поиск, нахождение и осознание в фортепианном «потоке» предсказуемых последовательных закономерностей (хроматическая ячейка, органный пункт, секвенции…). Они помогают укрупнять дыхание исполнителя. Важнейшее значение в аспекте осмысленности имеют функционирующие и в наше время музыкально-риторические фигуры Барокко, имеющие, как исключение из общего правила, константное значение, не зависящее от музыкального контекста. Аналогии могут быть продолжены – декламационное, повествовательное, эпическое, лирическое, драматическое, монологическое, диалогическое, полилогическое музыкально-фортепианное интонирование. Еще одна параллель между речью и фортепианной игрой – фактор артикуляции (расчлененность или связность). На фортепиано она выражается в штриховой культуре. Автор предлагает новое обозначение одного из видов  прикосновения – non staccato. Словесная и музыкальная (фортепианная) интонация – две «ветви» одного «ствола»: музыкальная интонация, несущая эмоцию, отделилась от речевой, несущей понятийно-эмоциональный смысл. В этом родстве – истоки обращения друг к другу литературы и музыки, самого существования программной музыки.

Ключевые слова: речь, слово, фортепиано, интонация, связь.

Karpychev Mikhail Georgievich

Speech and piano

The article is devoted to the connections between speech and piano playing. Many characteristics are equal (language, sentence, intonation…). Intonation is “word” in music (piano art). It has three forms: two sounds, one sound, pause. Classic form – two sounds (interval). A sound becomes an intonation, when it is separated in music “stream”. Pause – if it is long. If piano playing is a speech, it must be, first, distinct. Second – it must be coherent. Legato is a mental category, uniting some intonations by performer’s consciousness. Logic of intonations’ connection is a safe guarantee of the coherent playing. Logic mentality is the feature of system organization. Third – it must be sensible. Sensibility is close to coherentness. But there are some special peculiarities: to find and to understand successive legalities (chromatic sounds, organ point, sequences…). They help to make music “breath” longer. Besides, music-speakable figures of Barocco, which have constant meaning without dependence upon music context (ordinary intonations depend), are very important. Further, we may speak also about intonations of recitation, narration, epos, lyric, drama, monologue, dialogue… One more parallel – articulation phenomenon, expressed by piano touches. The author offers his own new name of one of them – non staccato. Speech and music (piano) intonations are two branches of a tree: a music intonation, expressing emotion, separated from speech intonation, expressing notional emotional sense. This relationship is a reason of the correlation between two arts and the basement of program-music existence.

Keywords: speech, word, piano, intonation, connection.

Овчинников Станислав Александрович

М. Л. Ростропович как интерпретатор сюит для виолончели соло И. С. Баха

Статья посвящена вопросам исполнительской интерпретации виолончельных сюит И. С. Баха Мстиславом Ростроповичем. Трактовка шести сюит для виолончели соло как единого по замыслу и напряженности цикла, от бесхитростно-созерцательной Первой сюиты к полной глубоко философского симфонизма Шестой является новаторской и выражает масштаб личности Ростроповича. Стремление к симфонизации сюит Баха, ощущение цикла как грандиозной шестичастной симфонии определяют приоритет непрерывного изложения музыкального содержания, единого процесса развития образа над показом особенностей сюитной формы. Восприятие бессмертной музыки Баха в контексте современного мира и глубокое понимание стилистики, принципов развития и интонирования отличает интерпретацию Мстислава Леопольдовича. В статье проводится исполнительский анализ частей сюит с кратким историческим экскурсом о формировании жанра, анализируется метод построения мотивных связей, позволяющих Баху в сочетании различных исторических традиций добиться редкого стилевого единства. В поиске новых темброво-выразительных возможностей Бах опередил на два столетия музыку своero времени, выйдя за рамки современного ему виолончельного исполнительства и отгадав индивидуальность инструмента. Актуальность темы состоит в раскрытии универсальных принципов развития музыки Баха и выработки на их основе собственной интерпретации сюит современными исполнителями.

Ключевые слова: виолончельные сюиты Баха, интерпретация, Мстислав Ростропович, симфонизация виолончельных сюит, неиссякаемый родник вдохновения.

Ovchinnikov Stanislav Aleksandrovich

Mstislav Rostropovich as the interpreter of the Suites for solo cello by J. S. Bach

The article is devoted to the performance interpretation of cello suites by I.S. Bach Mstislav Rostropovich. The interpretation of six suites for cello solo as a single, in terms of intensity and cycle, from the ingeniously-contemplative first suite to the full, deeply philosophical symphonism of the sixth is innovative and expresses the scale of Rostropovich’s personality. The striving for symphony of Bach’s suites, the feeling of a cycle as a grandiose six-part symphony determines the priority of a continuous statement of musical content, a single process of image development over the display of features of a suite form. The perception of the immortal music of Bach in the context of the modern world and a deep understanding of the stylistics, principles of development and intonation distinguishes Mstislav Leopoldovich’s interpretation. The article presents a performance analysis of parts of suites with a brief historical excursion on the formation of the genre, analyzes the method of building motivational links that allow Bach to combine rare historical traditions to achieve a rare stylistic unity. In his search for new timbre and expressive possibilities, Bach was ahead of the music of his own time for two centuries, going beyond the framework of his cello performance and having guessed the individuality of the instrument. The relevance of the topic is to reveal the universal principles of the development of Bach’s music and develop their own interpretation of suites by modern performers based on them.

Keywords: Bach’s cello suites, interpretation, Mstislav Rostropovich, cello suites symphonization, inexhaustible spring of inspiration.

Михно Владимир Александрович

Магомедова Юлия Станиславовна

Переложение виолончельных сюит И. С. Баха для саксофона: методические и исполнительские рекомендации

Актуальность проблемы, поставленной в статье, определяется значительным расширением сольного репертуара для академического саксофона и повышенным вниманием к барочной музыке. Так, многие исполнители-саксофонисты включают в концертные программы и записывают на диски сюиты И. С. Баха для виолончели соло. При этом возникает множество вопросов относительно правомерности переложения сюит для саксофона, его специфики, возможных интерпретаций. В настоящей статье представлен анализ источников и методов работы над переложением. Авторы рекомендуют исполнителям работать с рукописью Анны Магдалены Бах, однако учитывая, что даже в ее копии присутствует рука «редактора», в частности, варьируется артикуляция. Перечислены источники, по которым возможно восстановить уртекст, а также различные версии изданий виолончельных сюит. Выявлено, что отличаются они главным образом в штриховых обозначениях. Формулируются некоторые принципы переложения сюит и конкретные исполнительские решения в области применения выразительных средств. Так, проблема единства и непрерывности мелодии решается при помощи разнообразных техник дыхания и вибрато. В отношении агогики стоит придерживаться принципа так называемого «украденного времени». Орнаментика должна исполняться  в соответствии с нотацией, максимально естественно. Трель же, как «эмоциональное вибрато» или специфический акцент, рекомендуется исполнять с верхней ноты, сглаживая ее окончание. Авторы отмечают, что переложение для баритонового саксофона позволяет избежать трансформации регистра, в отличие от переложений для альтового и сопранового саксофона.

Ключевые слова: И. С. Бах, барочная музыка, переложение, саксофон, сюиты для виолончели соло, методика, исполнение.

Mikhno Vladimir Aleksandrovich

Magomedova Julia Stanislavovna

Transcriptions of cello suites by J. S. Bach for saxophone: methods and performance recommendations

The urgency of the problem touched upon in the article is determined by the significant expansion of the solo repertoire for the academic saxophone and the increased attention to baroque music. Thus, many saxophonist include Bach’s suites for cello solo in concert programs and record it’s on CDs. A lot of questions arise regarding the legitimacy of the transcription of suites for the saxophone, its specifics and interpretations. This article presents an analysis of the sources and methods of work on the transcription. The authors recommend the performers to apply with the manuscript of Anna Magdalene Bach, but taking into account that even her copy has an “editor’s” hand, especially in the articulation. The article lists the sources of restoring urtext, as well as various versions of cello suites. It is revealed that they are mainly differ in the touch symbols. Some principles of suites transposition and certain performing decisions for the use of expressive means application are formulated. So, the problem of unity and continuity of melody is solved with the help of various breathing techniques and vibrato. In agogik one should adhere to the principle of the so-called “stolen time”. Ornamentika should be played natural and in accordance with the notation. Trills are “emotional vibrato” or a specific accent in suites, we recommend to perform it with the top notes, smoothing its end. The authors note that the transcription for a baritone saxophone avoids the transformation of the register, in contrast to the arrangements for the alto and soprano saxophone.

Keywords: J. S. Bach, baroque music, transcription, saxophone, cello suites, methods, performance.

Сокольвяк Наталья Леонидовна

О новациях в отечественных струнных квартетах последней трети XX начала XXI вв.

Настоящая статья посвящена квартетному творчеству отечественных композиторов последней трети XX – начала XXI столетий, которое в силу ряда обстоятельств недостаточно полно представлено в российском музыкознании и исполнительской практике. На примере сочинений для струнного квартета С. Слонимского и С. Губайдулиной, А. Шнитке и А. Эшпая, А. Вустина и В. Екимовкого рассматриваются наиболее яркие черты эволюции жанра смычкового квартета на современном этапе, выявляются некоторые особенности музыкального языка и исполнения квартетной музыки нового времени. Несмотря на самобытность образно-художественного содержания  каждого из опусов, их объединяет стремление авторов к созданию нового оригинального звучания классического струнного ансамбля.

Поиски и эксперименты в области техники письма и инструментальной выразительности, применение неспецифических для струнно-смычковых инструментов приемов игры и способов звукоизвлечения, привлечение в ансамбль дополнительных тембров и вербального компонента повлекли за собой обновление традиционной квартетной фоносферы. В результате подобных композиторских изысканий изменились и исполнительские функции, в орбиту которых вошли не только способность исполнителей к глубокому осмыслению и пониманию авторского замысла, но и их готовность к овладению нетрадиционными для квартетного исполнительства навыками и умениями. Исполнительская мобильность и открытость различным новациям, наряду с грамотным прочтением нотного текста и высоким уровнем технологического аппарата может стать основой для создания ярких и убедительных исполнительских интерпретаций музыки для струнного квартета современных отечественных композиторов, тем самым привлечь к ней пристальное внимание широкой слушательской аудитории.

Ключевые слова: струнный квартет, отечественные композиторы, квартетное исполнительство, исполнитель.

Sokolvyak Natalia Leonidovna

About innovations in domestic string quartets the last third XX the beginning of the XXI

This article is devoted to the quartet creativity of native composers of the last third of XX and early XXI centuries, which, due to a number of circumstances, is not fully represented in Russian musicology and performing practice. For example, works for string quartet by S. Slonimsky and S. Gubaidulina, A. Schnitke and A. Eshpay, A. Vustin and V. Yakimovski discusses the most striking features of the evolution of the string quartet genre at the present stage, identifies some of the features of the musical language and the performance of quartet music of the new time. Despite the originality of the figurative and artistic content of each of the opuses, they are united by the desire of the authors to create a new original sound of the classical string ensemble.

Searches and experiments in the field of writing technique and instrumental expressiveness, the use of non-specific for string-bow instruments of the game techniques and methods of sound extraction, the attraction of additional timbres and verbal component to the ensemble resulted in the renewal of the traditional quartet phonosphere. As a result of such composer’s research, the performing functions have also changed, the orbit of which included not only the performers’ ability to deeply understand and understand the author’s intention, but also their readiness to master non-traditional quartet skills and skills. Since it is performing mobility and openness to various innovations, along with competent reading of the musical text and a high level of technological apparatus can be the basis for creating bright and convincing performing interpretations of music for the string quartet of modern domestic composers to attract close attention of a wide audience of listeners.

Keywords: string quartet, native composers, quartet performance, performer.

Жалеева Рената Раильевна

Музыка в ранних эклогах Хуана дель Энсины

Творчество Хуана дель Энсины демонстрирует тесную связь кастильской поэзии, театра и придворной песенности. Многочисленные образцы лирической поэзии Энсины стали основой его полифонических песен, некоторые из которых он вводит в завершение или в середине своих пасторальных эклог – одних из первых образцов испанского светского театра. Материалом статьи стали четыре таких вильянсико, музыка которых сохранилась в Cancionero Musical de Palacio (3 песни авторства Энсины) и Cancionero Musical de Segovia (1 песня анонимного автора). В статье приводятся сведения о ранних эклогах Энсины, созданных в период его службы при дворе второго герцога Альбы, о сохранившейся в песенных собраниях музыке его «театральных» вильянсико, анализ их поэтической и музыкальной стилистики в контексте его песенного наследия, характеристика их театральной специфики, проявляющейся, главным образом, в поэтическом тексте. Основные результаты анализа «театральных» вильянсико Энсины способствуют выявлению их специфических черт как отличительных, так и свойственных его песенному творчеству в целом. В завершение статьи отмечается высокая значимость введения песни в театральные пьесы.

Ключевые слова: вильянсико, эклога, испанский театр, песенная поэзия.

Zhaleeva Renata Railievna

Music in the early eclogues of Juan del Encina

The work of Juan del Encina shows a close connection between Castilian poetry, theater and court songs. Numerous samples of Encina’s lyrical poetry became the basis of his polyphonic songs, some of which he introduces in the end or in the middle part of his pastoral eclogues, which are one of the first examples of the Spanish secular theater. Four villiancico, whose music was saved in Cancionero Musical de Palacio (3 songs by Encina) and in Cancionero Musical de Segovia (1 song by an anonymous author) became the material of this article. The information about Encina’s early eclogues, created during his service at the court of the second Duke of Alba, about the music of his «theatrical» villancicos preserved in the songbooks, the analysis of their poetic and musical style in the context of his song heritage, the characteristic of their theatrical specifics which is manifested mainly in the poetic texts are given in the article. The main results of the analysis of the Encina’s «theatrical» villancicos help to identify their specific features, both distinctive and inherent to his song creativity in general. The high significance of introducing the songs into the theatrical plays is noted at the end of the article.

Keywords: villancico, eclogue, spanish theater, song poetry.

Аймаканова Анастасия

К вопросу эволюции звуковысотных систем:
Вагнер–Лист–Регер

Процесс преобразования романтического музыкального словаря в сторону кардинального слома звуковысотной координации, состоявшейся в начале XX столетия, вызывает интерес ученых-музыковедов уже не одно поколения. Он охватывает длительный историко-культурный этап, на протяжении которого в качестве ведущих вех можно выделить творчество нескольких композиторов: Ф. Листа, Р. Вагнера, М. Регера. Способы работы с музыкально-выразительным словарем эпохи в наследии упомянутых авторов отличаются индивидуальностью и при этом не лишены преемственности, что проявляется в опоре на общий для их гармонического стиля элемент – функциональное переосмысление полутонового тяготения.

Индивидуальность композиторского подхода раскрывается благодаря различным метроритмическим и фактурным условиям, в которых реализуются модуляционные возможности тяготения. Так, в творчестве Вагнера зачастую наиболее сложные гармонические последования связаны, с одной стороны, с умеренным темпоритмом развертывания, а с другой – с функциональной переориентацией не столько тона, обладающего вводными свойствами, сколько совокупности тонов – аккорда, каждый звук которого рассматривается композитором как элемент отдельной мелодической линии. Особость гармонической работы Листа связана, напротив, с ускорением темпоритма музыкального движения до возможного предела, а отношение Регера к эллиптическим и модуляционным потенциям тяготений вполне можно считать аккумулятивным.

Ключевые слова: эволюция звуковысотных систем, тяготение, тональность, Лист, Вагнер, Регер.

Ajmakanova Anastasia

To the issue of evolution of pitch systems
Wagner–Liszt–Reger

The process of the romantic musical vocabulary transformation towards the cardinal demolition of the pitch coordination, which took place at the beginning of the XX century, attracts interest of scientists-musicologists more than one generation. It covers a long historical and cultural period throughout which creative work of several composers such as: F. Liszt, R. Wagner, M. Reger can be identified as leading milestones. The modes of work with the musical and expressive vocabulary of an era differ in identity in heritage of the authors mentioned above and at the same time they are not deprived of continuity which is shown in a support of the general element for their harmonious style, – functional reconsideration of gray-scale inclination.

The individuality of the composer approach reveals due to various metro-rhythmic and impressive conditions where the modulating opportunities of inclination are implemented. So, the most difficult harmonious progressions are tied up in Wagner’s creation, on the one hand, with moderate tempo-rhythm expansion, while on the other hand, they are bound up with functional reorientation refers not as much of the tone, having introduction properties, but as for combination of tones that is a chord where each sound is considered by the composer as an element of the separate melodic line.

In contrast, the peculiarity of harmonious Liszt’s work refers to tempo-rhythm acceleration of the musical movement to a possible limit, while Reger’s relation to elliptic and modulation potentialities of inclinations can be considered accumulative.

Keywords: evolution of pitch systems, inclination, tonality, Liszt, Wagner, Reger.

Серегина Наталья Семеновна

Куплеты Смердякова из романа Ф. М. Достоевского «Братья Карамазовы» в опере Д. Д. Шостаковича «Нос»

В либретто оперы Д. Д. Шостаковича «Нос» в партии Ивана использованы первые два куплета Смердякова из романа Ф. М. Достоевского «Братья Карамазовы». В статье исследуются истоки образа Ивана в свете семантики и философского образа Смердякова и других персонажей Н. В. Гоголя, как и самого облика Гоголя в восприятии Достоевского. Использование куплетов Смердякова в опере на гоголевскую тему предстает крайне органичным: Гоголь и Достоевский оказываются сближенными в эволюции художественных идей. В романе Достоевского Смердяков излагает свои исторические сентенции, ставшие основными маркерами этого образа. В опере Шостаковича лакей Иван обрисован, как приверженец тех же идей, заостренно выраженных в интонационной сфере брутальности, воплощенной собственно музыкальными средствами. Стилистические истоки куплетов Смердякова находятся в песенных жанрах XVIII–XIX вв., содержащих элементы «романса» Смердякова. Но ни в одном фрагменте они не совпадают с «романсом» текстуально. Комический абсурдизм оперы «Нос» гротескно сгущает фантастический комизм гоголевской повести, выводя наше восприятие на новый уровень оценки ее художественного содержания по сравнению с уровнем фантастического реализма.

Ключевые слова: Д. Д. Шостакович, опера «Нос», Н. В. Гоголь, «Нос», Ф. М. Достоевский, «Братья Карамазовы», Смердяков.

Seregina Natalia Semenovna

Verses by Smerdyakov from the novel by Dostoevsky “Brothers of Karamazov” in the оpera by D. Shostakovich “Nose”

There are the first two verses of Smerdyakov from the novel by F. M. Dostoevsky “Brothers Karamazov” in the libretto of D. Shostakovich’s opera “The Nose”. The article explores the origins of the image of Ivan in the light of the semantics and philosophical image of Smerdyakov, as well as other characters of N. V. Gogol, as well as the image of Gogol in the perception of Dostoevsky. The use of Smerdyakov’s verses in opera on Gogol’s theme appears extremely organic: Gogol and Dostoevsky are brought together in the evolution of artistic ideas, Smerdyakov in Dostoevsky’s novel between these verses expounds his historical maxims, which became the main markers of this image, in Shostakovich’s opera the footman Ivan is depicted as an adherent of the same ideas, pointedly expressed in the intonational sphere of brutality embodied by musical means. The stylistic origins оf Smerdyakov’s couplets are found in song genres of the XVIII–XIX centuries, containing elements of Smerdyakov’s “romance”. But in any fragment they do not coincide with the “romance” textually. The comic absurdity of the оpera “Nose” grotesquely thickens the fantastic comism of Gogol’s story, bringing our perception to a new level of evaluation of its artistic content in comparison with the level of fantastic realism.

Keywords: D. Shostakovich, opera “Nose”, N. V. Gogol, “Nose”, F. M. Dostoevsky, “Brothers Karamazov”, Smerdyakov.

Покровская Надежда Николаевна

Три пьесы для арфы С. С. Прокофьева

Внимание музыковедов редко привлекают произведения малых форм, особенно если они написаны не для фортепиано, а для других инструментов. Чаще всего из их поля зрения выпадают миниатюры для арфы, хотя и среди них могут быть подлинные музыкальные шедевры. Это явление можно объяснить сходством (по формальным признакам) изложения музыкального материала у арфы и фортепиано. Поэтому арфовые произведения нередко причисляют к фортепианным, как это было, например, с арфовыми опусами М. И. Глинки. Нечто подобное произошло с тремя пьесами для арфы С. С. Прокофьева и стало поводом к стремлению узнать историю создания их музыки, имена первых исполнителей и даты премьерных исполнений.

При написании статьи автором использованы сведения из архивов, редких неизвестных изданий, научной и мемуарной литературы, новых публикаций и электронный ресурс. При сопоставлении данных из разных источников установлено, что произведения С. С. Прокофьева Прелюд № 7, ор. 12, «Мимолетность» № 7, ор. 22 и неизвестная безымянная Пьеса были написаны им для арфы и связаны с именем талантливой арфистки Элеоноры Александровны Дамской.

Ее большая роль в жизни композитора подтверждается их 40-летней (с 1913 по 1953 гг.) перепиской и достоверными фактами биографии С. С. Прокофьева, содержащимися в его Дневниках с 1907 по 1933 гг.

Ключевые слова: С. Прокофьев, Э. Дамская, арфа, неизвестная пьеса, неизвестное издание.

Pokrovskaya Nadezhda Nikolaevna

Three pieces for harp by S. S. Prokofiev

The attention of musicologists is rarely attracted by works of small forms, especially if they are written not for piano, but for other instruments. Most often drop out of sight miniatures for harp, although some of them may be true musical masterpieces. This phenomenon can be explained by the similarity (on formal grounds) of the presentation of the musical material in the harp and piano. Therefore, harp works are often considered to be piano works, as it was, for example, with M. I. Glinka’s harp opuses. Something similar happened with three plays for the harp of S. S. Prokofiev and it was an occasion to learn the history of their music, the names of the first performers and the dates of the premiere performances.

When writing the article the author uses information from archives, rare unknown publications, scientific and memoirs literature, new publications and electronic resource. When comparing data from different sources, it is established, that works of S. S. Prokofiev – Prelude № 7, op. 12, “Fleeting” № 7, op. 22 and the unknown nameless Play was written by him for the harp, and is associated with the name of the talented artist Eleanora Alexandrovna Damskaya.

Its great role in the composer’s life is confirmed by their 40-year-old (from 1913 to 1953) correspondence and reliable facts of Prokofiev’s biography contained in his Diaries from 1907 to 1933.

Keywords: S. Prokofiev, E. Damskaya, harp, unknown play, unknown edition.

Бушуева Любовь Ивановна

Музыкально-театральное искусство Чувашии: некоторые аспекты изучения вопроса

В статье представлен краткий обзор исторического развития обширного и вместе с тем малоизученного пласта художественной культуры одной из республик Волго-Уральского региона, связанного с музыкальным оформлением спектаклей в профессиональных драматических театрах Чувашии. Особенности зарождения и становления чувашского театрального искусства рассмотрены комплексно, в контексте театральной и музыкальной культуры.

Охарактеризованы первые спектакли, состоявшиеся на любительской сцене, народные обряды, описанные этнографами, историками, литературоведами, послужившие основой для становления театрального искусства и основные направления развития музыкально-театрального процесса. Особое внимание уделено первым спектаклям, с которых начиналась деятельность профессиональных театров. Упомянуты наиболее известные постановки и создатели музыки, выделены яркие моменты спектаклей, их характерные черты, прослежена история самых значительных для театральных коллективов постановок, неоднократно возобновлявшихся на сцене, подробно проанализировано их музыкальное оформление. Существующие материалы систематизированы в хронологическом порядке по театрам, композиторам и жанрам.

В современном этапе развития выделены показательные тенденции, проанализированы значимые явления последних лет, названы ведущие режиссеры и театральные композиторы, музыкальные оформители и их работы. В статье затронуты актуальные для понимания истории и современного периода развития театрального искусства темы, решение которых способно повлиять как на деятельность каждого театра, так и на театральную музыку Чувашской Республики в целом.

Ключевые слова: драматические театры Чувашии, музыкальное оформление спектаклей, музыкально-театральное искусство, чувашские композиторы.

Bushueva Lubov Ivanovna

Musical and theatrical art of Chuvashia: some aspects of the study

The article presents a brief overview of the historical development of a vast and at the same time little-studied layer of artistic culture of one of the republics of the Volga-Ural region, associated with the musical design of performances in professional drama theaters of Chuvashia. Features of origin and formation of the Chuvash theatrical art are considered in a complex, in the context of theatrical and musical culture.

The first performances held on the Amateur stage, folk rites described by ethnographers, historians, literary critics, which served as the basis for the formation of theatrical art and the main directions of development of the musical and theatrical process are characterized. Special attention is paid to the first performances, from which the activity of professional theaters began. The most famous performances and creators of music are mentioned, highlights of performances, their characteristic features are highlighted, the history of the most significant productions for theater groups, repeatedly renewed on the stage, their musical arrangement is analyzed in detail. The existing materials are systematized in chronological order by theatres, composers and genres.

At the present stage of development, the indicative trends are identified, the significant phenomena of recent years are analyzed, the leading directors and theater composers, music designers and their works are named. The article touches upon the topics relevant to the understanding of the history and the modern period of the development of theatrical art, the solution of which can affect both the activities of each theater and the theatrical music of the Chuvash Republic as a whole.

Keywords: dramatical theaters of Chuvashia, performance’s musical design, musical and theatrical art, chuvash composers.

Иванова Мария Геннадьевна

Духовный стих о Борисе и Глебе в нотированных певческих рукописях поморской тарообрядческой традиции

Духовный стих о Борисе и Глебе был широко распространен в старообрядческой культуре и известен как в устной, так и в письменной традиции. Наиболее изучено устное бытование стиха, который включался собирателями в сборники, составленными во время археографических экспедиций. Опубликованные мелодии стиха отличаются разнообразием, передают локальную традицию. Устойчиво стих о Борисе и Глебе фиксировался в сборниках духовных стихов у старообрядцев беспоповцев. В статье рассматриваются поморские старообрядческие певческие нотированные рукописи из собраний Библиотеки Академии наук и Российской национальной библиотеки, в которых записывался духовный стих о благоверных князьях. Сюжет духовного стиха повествует о мученической смерти князей от руки старшего брата Святополка Окаянного. В тексте своеобразно переплетаются устойчивые топосы, сложившиеся в литературных памятниках, агиографии, гимнографии и былинах. Для объяснения несоответствий в развитии сюжета в духовном стихе и в Сказании о Борисе и Глебе, впервые для изучения композиции текста стиха применяется методология, разработанная В. Я. Проппом для анализа структуры волшебной сказки. Полностью выписанный в сборниках поэтический текст в сопровождении крюковой строки позволяет выявить приемы варьирования мелодии.

Ключевые слова: духовный стих, князья Борис и Глеб, старообрядцы беспоповцы, нотированные рукописи.

Ivanova Maria Gennadievna

Spiritual verse about Boris and Gleb in Old Believers chant manuscripts Pomorskoy tradition with notation

The spiritual verse about Boris and Glebe was widespread in the Old Believers’ culture and is known both in the oral and in the written tradition. The most commonly studied oral traditions existence of the spiritual verse. It was included in collections of the Archaeographic expeditions. The melodies of the verse was published and shown many variant of local traditions. Old Believers – bespopovtsy steadily fixed verse about Boris and Gleb in collections of spiritual verses. The article deals Old Believers manuscripts Pomorskoy tradition with notation kept at the collection The Library of the Russian Academy of Sciences, and The National Library of Russia, in which consist a spiritual verse about the honorable princes. The plot of the spiritual verse is murder of brothers by his own elder brother Svyatopolk the Accursed. The text consist the main toposes from literary monuments, hagiography, hymnography and byliny. To explain inconsistencies in the development of the plot in the spiritual verse and in the “The Tale of Passion and Praise to the Holy Martyrs Boris and Gleb”, for the first time to study the composition of the text of the verse, butt methodology developed by V. Propp for analyzing the structure of the fairy tale. Fully written of poetic text in the collections, accompanied by a hook line allows you to identify methods of changing the formation of melodies.

Keywords: spiritual verses, princes Boris and Gleb, Bespopovtsy Old-Believer, manuscripts with notation.

Светлова Ольга Александрова

Сборник служб старообрядческим святым епископа Иннокентия (Усова)

Статья посвящена уникальному памятнику первой четверти XX в. – сборнику служб старообрядческим святым, составленному известным проповедником и духовным писателем, преосвященным Иннокентием (Иван Григорьевич Усов, 1870–1942) – епископом Нижегородским и Костромским, Кишиневским, Тульчинским, митрополитом Белокриницким. Материалом для анализа послужил список со сборника, выполненный в 1990-е гг., включающий тридцать служб, расположенных по принципу годового богослужебного певческого круга. Автор определяет четыре группы служб в соответствии с эортологическими степенями праздников, каждый из которых включает ряд обязательных композиционно-жанровых элементов: единственную службу с всенощным бдением – святым священномученикам и исповедникам протопопу Аввакуму, иерею Лазарю, диакону Феодору и иноку Епифанию; три полиелеосных цикла – соловецким мученикам, священномученику и исповеднику епископу Павлу Коломенскому, великомученицам Феодосии (Феодоре), сестры ее Евдокии, инокинь Иустины и Марии; восемь шестеричных и восемнадцать четверичных служб. Отмечается, что сборник не нотирован, но музыкальный аспект гимнотворчества заложен в предписании жанрам служб конкретной певческой модели и гласа, что предопределяет интонационно-мелодический профиль песнопений. В статье рассматриваются имеющиеся в сборнике певческие модели, выявляются пятнадцать подобнов для стихир микроциклов, подобны для исполнения седальнов по кафизмах, канона и кондаков, в основе которых лежат тропарные гласовые образцы, а также подобны светильнов. Уделяется внимание акростишному принципу составления песен канона («краегранесие»), характерному для девяти служб сборника. Аналитические наблюдения позволяют в заключении оценить сборник служб епископа Иннокентия как крупнейший гимнографический труд первой четверти XX в. и обозначить перспективы его исследования.

Ключевые слова: старообрядчество, епископ Иннокентий (Усов), службы святым, канонизация, гимнотворчество, подобен.

Svetlova Olga Aleksandrovna

The services collection of the old believers by the holy bishop Innokentii (Usov)

The article is devoted to the unique monument of the first quarter of the XX century – the collection of services of the Old Believer Holy, by the famous preacher and spiritual writer, Bishop Innokenty (Ivan Grigorievich Usov, 1870–1942) – Bishop of Kostroma and Nizhny Novgorod, Kishinev, Tulchin, Metropolitan Belokrinitskij. The material for the analysis was a list from the collection, made in the 1990s, including thirty services, located on the principle of the annual liturgical singing circle. The author defines four groups of services in accordance with the eortologikal degrees of holidays, each of which includes a number of mandatory compositional-genre elements: the only service with all-night vigil – to the Holy martyrs and confessors of the Archpriest Avvakum, priest Lazar, deacon Fedor and the monk Epiphanius; three polyeleos cycle – Solovki martyrs, the Martyr and the Confessor, Bishop Paul of Kolomna, martyrs Theodosia (Theodora), her sister Eudoxia, the nun Maria and Justina; eight six-eighteen and Quaternary services. It is noted that the collection is not tinted, but the musical aspect of hymn creation is incorporated in the prescription of the genres of services of a specific singing model and voice, which predetermines the intonation and melodic profile of chants. In the article available in the collection singing of the model, identifies fifteen podobny for stichera of microcycles, podobny to performance sedalny on kafizmakh, canon and kondaks, which are based on troparn voice samples, and similar svetilny. Attention acrosternum the principle of composing songs of Canon («creganna»), characteristic for the nine services collection. Attention is paid to the acrosternum principle of composing songs of Canon («craegranesie»), characteristic for the nine services collection. Analytical observations allow the conclusion to evaluate the collection services of Bishop Innokenty as the largest hymnographic work of the first quarter of the XX century and to identify the prospects of his research.

Keywords: Old Believers, Bishop Innokenty (Usov), services to saints, canonization, hymnology, podobny.

Лапин Виктор Аркадьевич

Феномен мастера в традиционной культуре

Отталкиваясь от известной в отечественном этноинструментоведении триады «инструмент – исполнитель – музыка», автор предлагает свою формулу, не отвергающую эту триаду, но расширяющую горизонты изучения традиционной инструментальной музыки. Можно попробовать взглянуть на проблему, изменив угол зрения таким образом, чтобы в центре внимания оказался не инструмент и не исполнитель, а музыкант-творец, рассматриваемый в контексте местной/локальной фольклорной традиции. Иначе говоря, мы должны рассматривать музыканта-творца (не «исполнителя»!), который выбирает любимый инструмент и осваивает на нем не только общий обиходный репертуар, но активно развивает доминантную форму (или формы) инструментального или инструментально-вокального музицирования в данной традиции. Такой музыкант и становится лидером традиции. А наша формула-триада будет выглядеть следующим образом: «музыкант – инструмент – традиция».

Она не альтернативна принятой нашими этноинструментоведами: органологический и этнофонический анализы сохраняются в качестве обязательных, но только первых двух стадий всего объема предполагаемого исследования. В продолжение и развитие этой идеи ставится проблема статуса мастера-лидера в традиционной культуре, а в качестве рабочего инструмента вводится понятие «актуальный контекст» (АК).

Выявление набора АК в традиции определяет статус мастера. На примере одного белозерского гармониста автор демонстрирует, как «работает» предложенный аналитический инструмент. Кроме того, набрасывается поле предположительных АК по отношению к фигуре звонаря.

Ключевые слова: триада «музыкант – инструмент – традиция», доминантная инструментальная форма, вокально-инструментальная форма, набор «актуальных контекстов», мастер в традиции.

Lapin Viktor Arkadieich

Phenomenon of master in traditional culture

Starting from the triad known in our ethnoinstrumentology as a “instrument-performer-music”, the author suggests his own formula, which does not reject this triad, but broadens the horizons of studying traditional instrumental music. In other words, we should consider a musician-creator (not a “performer”!) who chooses a favorite instrument and masters not only the common everyday repertoire, but actively develops the dominant form (or forms) of instrumental or instrumental vocal music in this tradition. Such a musician becomes the leader of the tradition. And our triad formula will look like: “musician – instrument – tradition”.

It is not an alternative to that adopted by our ethno-instrumentalists: organologic and ethnophonic analyzes are preserved as mandatory, but only the first two stages of the entire volume of the proposed research. In continuation and development of this idea, the problem of the status of a master leader in traditional culture is posed, and the concept of “actual context” (AC) is introduced as a working tool.

Identifying the AC set in the tradition determines the status of the master. Using the example of a harmonist from Belozersk district, the author demonstrates how the proposed analytical tool “works”. In addition, the alleged AK plots in relation to the bell ringer figure.

Keywords: triad “musician – instrument – tradition”, dominant instrumental form, vocal-instrumental form, set of actual contexts, master in tradition.

Сыченко Галина Борисовна

К проблеме нотирования и анализа музыкально-поэтических текстов с высокой степенью континуальности (на примере шаманского камлания А. К. Кандараковой)

Статья посвящена проблеме нотирования и анализа наиболее раннего вида шаманского интонирования, представленного текстом призывания духов, записанным от А. К. Кандараковой в 1985 г. Автор определяет подобные образцы как тексты с высокой степенью континуальности. В них проявляются все основные признаки раннефольклорного интонирования (Э. Е. Алексеев): диффузность высотного и тембрового параметров (-мелодика), непрерывное глиссандирование (-мелодика) и нестабильность ступеневых шкал, которые улавливаются слухом в непрерывно изменяющемся звуковом потоке (-мелодика). Континуальность звукового пространства компенсируется дискретностью временнуй организации, что делает достаточно простой задачу фиксации композиционно-ритмической структуры текста, однако не облегчает задачу адекватного представления его высотно-тембровой стороны. Цель статьи состоит в выработке адекватной методики анализа звуковысотности, а также принципов нотирования такого рода материала.

При выполнении поставленных задач решающее значение имеет использование компьютерных программ, в частности, Adobe Audition 3.0 и Speech Analyzer 3.0.1. Используя предшествующие разработки, в частности, работы Н. М. Кондратьевой, автор предлагает свой вариант анализа раннефольклорного мелоса. Приоритетное место принадлежит определению статистически выделенных высот, которые могут рассматриваться как высотные центры нетемперированных «зонорядов» (Н. М. Кондратьева).

Для текстов с высокой степенью континуальности выявление таких центров в ряде случаев весьма затруднительно. В статье подробно описывается методика, позволяющая снизить степень континуальности без ущерба для интонационно-содержательной стороны музыкального текста. В результате анализа реальность присутствия шкалообразных структур в текстах с высокой степенью континуальности была достоверно установлена.

Ключевые слова: сибирская музыка, раннефольклорное интонирование, шаманизм, чалканцы, нотация, транскрипция, анализ, компьютерное музыкознание.

Sychenko Galina Borisovna

On the problem of notation and analysis of musical and poetic texts with a high degree of continuality (on the example of shamanistic kamlanie by A. K. Kandarakova)

The article is devoted to the problem of notation and analysis of the earliest form of shamanic intonation, represented by the text of the invocation of the spirits, recorded from A. K. Kandarakova in 1985.The author defines this kind of texts as texts with a high degree of continuity. In these texts the main features of so-called “early folk intonation” (E. Е. Alekseev) are presented: a diffusion of pitch and timbre parameters (-melodic), continuous glissando (-melodic) and instability of the scales, which we perceive in a continuously changing sound stream (-melodic). Continuity of the sound space is compensated by regularity of temporal organization. This makes a fairly simple task of fixing the composite and rhythmic structure of the text, however, does not facilitate the task of an adequate representation of its pitch and timbre parameters. The aim of this article is to develop adequate methods of analysis of the pitch and the principles of notation this kind of material.

The use of computer programs, such as Adobe Audition 3.0 and Speech Analyzer 3.0.1, is crucial in performing these tasks. Using previously developed approaches, in particular, the N. M. Kondratyeva’s works, the author offers her own version of the analysis of early folklore melos. Important role belongs to statistically notable pitches – centers of wide zones. As a result the real existence of scale-like structures in the texts with a high degree of continuity is approved.

Keywords: Siberian music, early folk intonation, shamanism, chalkans, notation, transcription, analysis, computer musicology.

Дубровская Марина Юзефовна

Японская музыкальная культура эпохи Мэйдзи сквозь призму новейших исследований

Интерес русскоязычных авторов – культурологов и искусствоведов – к динамичным процессам преобразований в сфере японской музыкальной культуры эпохи Мэйдзи (1868–1912), явственно активизировавшийся в последние годы, фиксируется и оценивается автором статьи в качестве знакового направления развития современного японоведения в России и на Украине. Кандидатские диссертации Е. Л. Суда (Киев, 2017), А. М. Максимовой (Новосибирск, 2018) и Н. Ф. Клобуковой (Москва, 2018), посвященные различным аспектам массированных западных влияний на национальное музыкальное наследие Японии конца XIX – начала ХХ в., рассматриваются в контексте взаимодействия канонической (традиционной) и динамической (композиторской) систем музыкального образования, творчества и исполнительства. Анализируются вскрытые данными авторами внутренние пружины кардинальных перемен, произошедших во всех структурах музыкальной жизни Японии и придавших этой культуре, при сохранении ее самобытности, совершенно иной облик. Постижение мэйдзийских новаций, успешность, целостный и системный характер которых явились следствием государственной поддержки процессов модернизации, осуществляется учеными с привлечением новой научной информации международного японоведения. При этом, методология и аналитические подходы, используемые названными авторами, демонстрируют опору на советские и российские исследования, в том числе, выполненные в НГК им. М. И. Глинки в 2000-е гг., что актуализирует деятельность новосибирской школы музыкального японоведения.

Ключевые слова: Япония, Мэйдзи, западные влияния, исследования модернизации музыкальной культуры, военные оркестры, православные песнопения, возникновение национального композиторского творчества.

Dubrovskaya Marina Yuzefovna

Japanese music culture of the Meiji era through
the prism of the latest research

The interest of Russian-speaking authors – culturologists and art critics – to the dynamic processes of transformation in the field of Japanese musical culture of the Meiji era (1868–1912) clearly activated in recent years, is recorded and evaluated by the author as a landmark direction of development of modern Japanese studies in Russia and Ukraine. Сandidates thesis E. L. Suda (Kiev, 2017), A. M. Maksimova (Novosibirsk, 2018) and N. F. Klobukova (Moscow, 2018), devoted to various aspects of the massive Western influences on the national musical heritage of Japan of the late XIX – early XX century, are considered in the context of the interaction of the canonical (traditional) and dynamic (composer) systems of music education, creativity and performance. The authors analyze the internal springs of fundamental changes that occurred in all the structures of the musical life of Japan and gave this culture, while maintaining its identity, a completely different appearance. The comprehension of Meiji innovations, the success, holistic and systemic nature of which were the result of state support of modernization processes, is carried out by scientists with the involvement of new scientific information of international Japanese studies. At the same time, the methodology and analytical approaches used by these authors demonstrate the reliance on Soviet and Russian studies, including those carried out in the Glinka Novosibirsk State Conservatoire in the 2000s, which actualizes the activities of the Novosibirsk school of Japanese music.

Keywords: Japan, Meiji, Western influences, studies of the modernization of musical culture, military bands, Orthodox chants, the emergence of national composing.

Вогралик Наталия Александровна

Игра на фортепиано как необходимый компонент музыкального образования

Статья посвящена важной проблеме обучения игре на фортепиано студентов разных специальностей. Уникальные качества фортепиано позволяют исполнить на нем любую музыку. Профессиональное образование музыканта неотделимо от приобщения его к фортепианному исполнительству. Сложная многоплановая фактура фортепианных сочинений требует от исполнителя умения улавливать различные пласты звучания, способствует развитию гармонического и полифонического слуха для музыканта любой специальности. Задачи курса фортепиано заключаются в том, чтобы научить студента как можно лучше играть на фортепиано и расширить его музыкальный кругозор. Программы обучения студентов по курсу фортепиано охватывают большое количество стилей, способствуя более глубокому изучению ими истории музыки. Знания подкрепляются собственной исполнительской практикой. Расширение музыкального кругозора студента в значительной степени зависит от его умения читать с листа, поэтому в программу включено чтение с листа. В программу входит ансамблевая игра – исполнение симфоний в четыре руки, фортепианных ансамблей, аккомпанементов. Курс фортепиано необходим студентам любой музыкальной специальности. Чем лучше студентам теоретико-композиторского факультета дается фортепианная игра, тем глубже они анализируют музыку во всем ее многообразии и сложности. Большое значение имеет игра на фортепиано и для дирижеров. Принципы исполнения полифонического хорового письма сходны с принципами исполнения фортепианного многоголосья. Трудно переоценить значение фортепиано для вокалистов, которые приходят в консерваторию без надлежащей музыкальной подготовки. Музыкальное образование студентов-инструменталистов (струнников, духовиков, «народников») также невозможно себе представить без обучения игре на фортепиано. Это касается навыков общения с многоголосным текстом, профессионального умения разобраться в фортепианной партии концертмейстера. Таким образом, фортепиано – необходимый компонент музыкального образования по всем специальностям.

Ключевые слова: музыкальное образование, общее фортепиано, ансамблевая игра, игровая практика.

Vogralik Nataliya Aleksandrovna

Playing the piano as a necessary component
of musical education

The article is devoted to the problem of teaching piano to the students of different specialties. The unique qualities of the piano allow you to perform any music on it. The professional education of the musician is inseparable from his introduction to piano performance. Complex multi-dimensional texture of the piano works require the performer the ability to grasp different layers of sound, contribute to the development of harmonic and polyphonic hearing for musicians of any specialty. The objectives of the piano course are to teach the student how to play the piano, and to expand the musical horizons of the student. Students’ piano courses cover many styles, contributing to a deeper study of the history of music. Knowledge is reinforced by their own performance practice. The expansion of students’ musical horizons largely depends on their ability to read from a sheet of paper, therefore, the program of the piano course must include reading from a sheet. The program of the piano course also includes ensemble playing – performance of symphonies in four hands, piano ensembles, accompaniments. The piano course is necessary for students of any musical specialty. The better a student of the faculty of theory and composition is given a piano game, the more deeply he analyzes the music in all its diversity and complexity. Playing the piano is also important for the conductors. The principles of performance of polyphonic choral writing are similar to the principles of performance of piano polyphony. It is difficult to overestimate the importance of piano for the vocalists. Vocalists come to the Conservatory often without proper musical training. The musical education of the students-instrumentalists of various specialties (strings, brass, folk) is also impossible to imagine without learning to play the piano. This applies to communication skills with multi-voice text, professional skills to understand the piano part of the concertmaster. Thus, the piano is a necessary instrument of musical education in all specialties.

Keywords: musical education, general piano, ensemble play, game practice.

Коробейников Сергей Савельевич

Мюзикл в учебном театре

Статья посвящена рассмотрению постановок в жанре мюзикла в учебном театре Новосибирского государственного театрального института. Проблема выбора репертуара для воспитания студентов-актеров по-прежнему является достаточно актуальной, и использование новых музыкальных произведений в учебном процессе по разным причинам затруднено. Три рассмотренных спектакля относятся к числу новых сочинений современных авторов и представляют разные типы жанра. Особенности спектаклей раскрываются в комплексном взаимодействии различных компонентов – музыки, текстовой основы, сценографии, пластики и актерской игры, в которой речевое и вокальное начала представлены в различных соотношениях. В мюзикле «Кандид» преобладает речевое начало, а музыка имеет вставной характер, что дало возможность использовать его для работы со студентами не вокального профиля. Два других сочинения более активно опираются на ресурсы музыкальной драматургии и требуют актеров с хорошими вокальными данными, поэтому в них были задействованы студенты-вокалисты. В детском мюзикле «Огурцы и другие пирожные» значимость речевого и музыкального начал примерно равнозначна. «А зори здесь тихие» – пример сочинения, в котором музыкальное развитие имеет сквозной характер и является ведущим элементом сочинения. Направленность на освоение студентами необходимых профессиональных навыков при работе над мюзиклами  была осуществлена с помощью комплексного подхода. Все три спектакля имели долговременный успех у публики.

Ключевые слова: мюзикл, учебный театр, речевое начало, сквозное музыкальное развитие, сценография.

Korobeinikov Sergej Savelievich

Musical in the drama school theatre

The article focuses on the performances in the genre of musical that have been produced in the students’ theatre of Novosibirsk state theatre institute (drama school) for the last several years. The problem of new musical works appropriate for the drama school theatre stays topical, and therefore new titles are normally difficult for presentation by students who are being trained for acting in musicals. The author of the article analyses the three new works by contemporary composers which were produced in the students’ school theatre of Novosibirsk state theatre institute (drama school). The performances were featuring three different genres requiring different types of interplaying of music, text, sets, plasticity and acting. “Candide”, “Cucumbers and other cakes”, and “And the dawns here are quiet” present different proportion and correlation of speech and music in each of the performances. In “Candide” speech of the characters is prevailing over music to make the narrative more distinct – for that reason the performance was suitable for the students who study acting in drama theatre. “Cucumbers and other cakes” as well as “And the dawns here are quiet” both use the resources of musical dramatism and thus these two works could only be performed by the students who are mastering vocals. “Cucumbers and other cakes” gives us the example of the musical for children where musical and narrative parts are brought to balance. “And the dawns here are quiet” is an opus where the musical development goes through the story coherently and dominates it. All the three musicals were methodically and artistically adequate to the tasks of complex development of the students’ acting abilities. The performances enjoyed the long-lasting success with the public and media.

Keywords: musical, drama school theatre, speech of the characters, continuous musical development, set design.

Аунс Маргарита Владимировна

Развитие репертуара для кларнета

Материал представляет собой перевод на русский язык статьи «Развитие репертуара для кларнета» британского исполнителя, преподавателя игры на кларнете, библиотекаря Общества кларнета и саксофона Великобритании Дж. Рис-Девис. Данная статья была опубликована в сборнике статей, посвященных кларнету, вышедшем в Кембриджском университете. Ранее ее работы на русский язык не переводились. Актуальность этой работы заключается в ценной информации об эволюции репертуара для кларнета. В ней раскрываются исторические факты создания произведений в течение нескольких столетий, комплексно рассматривается их жанровое и стилистическое развитие. Дж. Рис-Дэвис берет за основу книгу К. Ф. Уистлинга, изданную еще в XIX в. для подробного описания композиторов, сочинявших для кларнета, открывая тем самым новые имена зарубежных композиторов и малоизвестные произведения для отечественных музыковедов и исполнителей на кларнете. Текст статьи может послужить источником первичной информации для подробного научного рассмотрения зарубежной истории кларнетового исполнительства по разным странам и временным периодам. Автор перевода ставит перед собой важную задачу – сделать доступной систематизированную информацию о развитии репертуара для студентов и профессиональных исполнителей-кларнетистов.

Ключевые слова: кларнет, репертуар, Дж. Рис-Дэвис, исполнительство, композиторское творчество.

Auns Margarita Vladimirovna

The development of the repertoire for clarinet

The material is a translation into Russian of the article “Development of the repertoire for clarinet” by the British performer, clarinet teacher, clarinet librarian of the Society of clarinet and saxophone of great Britain J. Rees-Davis. This article was published in a collection of articles dedicated to the clarinet, published at Cambridge University. Previously, her work for the Russian language is not translated. The relevance of this work lies in the valuable information about the evolution of the repertoire for clarinet. It reveals the historical facts of the creation of works for several centuries, comprehensively examines their genre and stylistic development. J. Rees-Davis takes as a basis the book of K. F. Whistling, published in the XIX century for a detailed description of the composers who wrote for clarinet, opening thereby new names of foreign composers and little-known works for domestic musicologists and performers on a clarinet. The text of the article can serve as a source of primary information for a detailed scientific review of the foreign history of clarinet performance in different countries and time periods. The author of the translation sets an important task – to make available systematic information about the development of the repertoire for students and professional performers-clarinetists.

Keywords: clarinet, repertoire, J. Rees-Davis, performing, composing.

Липаева Дарья Евгеньевна

Феномен мести в японской культуре

В центре статьи – месть как социокультурный феномен, обусловленный правилами и нормами, закрепленными в традиционной культуре японцев. Останавливаясь на ряде примеров, характерных для таких образцов визуальной культуры Страны восходящего солнца, как аниме и жанр игрового кино, автор фокусирует свой научный интерес на проблеме воплощения феномена мести музыкальными средствами выразительности. Осуществив искусствоведческий анализ музыки как неотъемлемой составляющей синтетического художественного текста, каковым являются аниме и кинотекст, автор приходит к следующему выводу. Наиболее часто используемыми инструментами, призванными раскрыть музыкальную специфику мести как социокультурного феномена, оказываются традиционные музыкальные инструменты тайко, хитирики, сякухати и сямисэн. Знаменательным в данном контексте оказывается то, что во многом отвечающие специфике маршевой музыки инструменты, тем не менее, не делают марш основным жанром для композиторов, работающих в аниме и кинематографе, поскольку данный жанр несет на себе знак насилия, связанный с чужеродной культурой. Наряду с синтезатором, обеспечивающим особый колорит звучанию традиционных японских инструментов, тайко, хитирики, сякухати и сямисэн призваны со всей очевидностью продемонстрировать зрительской аудитории ирреальность таких мифологических существ, как юрэй, демон, призрак.

Ключевые слова: месть, юрэй, призрак, тайко, сякухати, сямисэн, женщина-призрак, аниме.

Lipaeva Darya Evgenievna

The phenomenon of revenge in Japanese culture

In the center of the article – revenge as a socio-cultural phenomenon, due to the rules and regulations enshrined in the traditional culture of the Japanese. Focusing on a number of examples characteristic of such samples of the visual culture of the country of the Rising Sun as the anime and the genre of fiction, the author focuses his scientific interest on the problem of translating the phenomenon of revenge with musical means of expression. Having carried out an art history analysis of music as an integral part of a synthetic artistic text, such as anime and film text, the author comes to the following conclusion. The most commonly used instruments designed to uncover the musical specifics of revenge as a sociocultural phenomenon are traditional musical instruments such as Taiko, chitriki, shakuhachi and shamisen. Significant in this context is the fact that the instruments, which largely correspond to the specifics of marching music, nevertheless do not make the march the main genre for composers working in anime and cinema, since it is this genre that bears the sign of violence associated with alien culture. Along with a synthesizer that provides a special flavor to the sound of traditional Japanese instruments, Taiko, chitriki, shakuhachi and shamisen are designed to demonstrate to the audience the unreality of such mythological creatures as yurey, demon, ghost.

Keywords: revenge, yuray, ghost, taiko, shakuhachi, shamisen, ghost woman, anime.

Ефременко Оксана Сергеевна

Идея слома культур в театральных интерпретациях пьесы М. Горького «Дети солнца»
(на материале спектаклей К. С. Станиславского и Т. А. Кулябина)

В статье анализируется творческий потенциал идеи слома культур в театральных интерпретациях. Материалом анализа становятся две постановки пьесы М. Горького «Дети солнца», отражающие умонастроения указанного культурного проявления с разницей в сто лет, а именно: спектакль К. С. Станиславского в Московском художественном театре 1905 г. и постановка Т. А. Кулябина в Новосибирском государственном академическом драматическом театре «Красный факел» 2018 г. Автор указывает на то, что в данной пьесе М. Горький наследует новое чеховское понимание комического с доминантой иронической модальности, которая создает необходимость театрального жанрового поиска. В московском спектакле режиссер предпринимает попытку прочтения пьесы в соответствии с позитивистскими философскими взглядами и приемами реалистического метода, что в отечественной культурной ситуации 1905 г. создает эффект нехудожественного восприятия театрального произведения зрителем. Поиск в спектакле Т. А. Кулябина, поставленного с опорой на опыт культуры ХХ в., освоившего иронический дискурс, предопределен идеей релятивности взгляда на жанр, философское содержание эпохи, способы художественного отображения жизни. Это, по мнению исследователя, сближает позиции драматурга ХХ в. и режиссера XXI столетия.

Ключевые слова: ирония, театральная интерпретация, К. С. Станиславский, Т. А. Кулябин, слом культур, категория времени в культуре.

Efremenko Oxana Sergeevna

The idea of cultural transition in the theatrical interpretations of the play “Children of the sun” by M. Gorky (based on the performances of the
K. S. Stanislavsky and T. A. Kulyabin)

The article analyzes the creative potential of the idea of breaking cultures in theatrical interpretations. The material of analysis are two productions of the play “Children of the sun” by M. Gorky that reflects the mindset of the specified cultural manifestations with a difference in a hundred years, namely: by K. S. Stanislavsky at The Moscow Art Theatre in 1905 and T.А. Kulyabin in Novosibirsk state academic theatre “The Red torch” in 2018. The Author indicates that in this play of M. Gorky inherits Chekhov’s new understanding of the comic with the dominant ironic modality, which creates the need for theatrical genre search. In the Moscow perfarmance, the Director attempts to read the play in accordance with the positivist philosophical views and methods of the realistic method, which in the domestic cultural situation of 1905 creates the effect of non-artistic perception of the theatrical work by the viewer. Search in the play. Kulyabin, based on the experience of culture of the twentieth century, who mastered the ironic discourse, predetermined by the idea of relativity view of the genre, the philosophical content of the era, the ways of artistic representation of life. This, according to the researcher, brings together the position of the playwright of the twentieth century and the Director of the XXI century.

Keywords: irony, theatrical interpretation, K. Stanislavsky, T. A. Kulyabin, break of cultures, category of time in culture.

Александрова Людмила Викторовна

Истоки российского антиковедения в период Х–XVII вв.: к вопросу об истории переводов античных авторов

В статье рассматриваются проблемы зарождения переводческой деятельности в России, особенности взаимодействия с древними источниками, что закономерно обусловлено вопросами культуры, просвещения и образования в период X–ХVII вв. Обращается внимание на первые рукописные переводы, выполненные «протокирилловским» письмом. В связи с принятием христианства и византийским влиянием возрастает интерес к переводным работам, так называемым всемирным хроникам, своего рода энциклопедиям, включающим сведения о религии, философии, истории, географии, астрономии и др., из содержания которых следует, что составители и переводчики черпали сведения из древних источников. Таким путем в русскую литературу смогли попасть и первые достаточно достоверные сведения об античном мире. Отмечается роль переводчиков, которые путем дополнений, вставок, эмоциональных комментариев вносили  творческое начало. В XV–XVI вв. повышается профессионализм русских переводчиков, связанный обучением русских в Византии, а также с приездом на Русь ученых монахов, в частности, Максима Грека. Традицию обращения к греческой литературе как источнику учености поддерживала православная церковь в стремлении оградить Русь от западных влияний. Большую роль сыграл созданный в период правления Ивана Грозного Московский печатный двор. В XVII в. возрастает уровень образования в связи с открытием греческих, греко-латинских школ, ставших прообразом Греко-латинской академии (1687 г.), выпускавшей не только богословов, но и  профессиональных переводчиков. Данная работа является первой частью цикла, посвященного вопросам антиковедения в России, который состоит из трех частей: вторая часть рассматривает проблемы перевода в контексте культуры XVIII–XIX вв., третья часть изучает вопросы зарождения российского музыкального антиковедения в конце XIX – начале XX в.

Ключевые слова: греческий язык, переводческая деятельность, византийское влияние, всемирные хроники, творческое начало русских переводов, греко-латинские школы.

Aleksandrova Lyudmila Viktorovna

The origins of Russian antiquity in the X–XVII centuries: on the history of translations of ancient authors

The article deals with the problems of the origin of translation activity in Russia, features of interaction with ancient sources, which is naturally due to the issues of culture, education and education during the X–XVII centuries. Attention is drawn to the first handwritten translations made «protokirillic» letter. In connection with the adoption of Christianity and Byzantine influence increases interest in translated works, the so-called world Chronicles, a kind of encyclopedia, including information about religion, philosophy, history, geography, astronomy, etc., from the content of which it follows that the drafters and translators drew information from ancient sources. In this way, the first fairly reliable information about the ancient world could get into the Russian literature. The role of translators by additions, insertions, emotional comments contributed creativity. In the XV–XVI centuries, becoming increasingly professional Russian translators associated with teaching Russian in the Byzantine Empire, and with the arrival in Russia of scholars of the monks, in particular, Maximus the Greek. The tradition of turning to Greek literature as a source of learning was supported by the Orthodox Church in her effort to protect Russia from Western influences. The Moscow printing yard created during the reign of Ivan the Terrible played an important role. In the XVII century increases the level of education in connection with the opening of Greek, Greek-Latin schools, which became the prototype of the Greek-Latin Academy (1687), which produced not only theologians, but also professional translators. This work is the first part of the cycle devoted to the issues of antiquities in Russia, which consists of three parts: the second part considers the problems of translation in the context of culture of the XVIII–XIX centuries, the third part studies the issues of the origin of Russian musical antiquity in the late XIX – early XX centuries.

Keywords: Greek, translation, Byzantine influence, world chronicles, creativity of Russian translations, Greek-Latin schools.