Выпуск № 1 (23) 2019

СОДЕРЖАНИЕ >>>

Аннотации и ключевые слова

Гоц Тамара Анатольевна

О роли метроритма в ранних произведениях А. Шенберга (на примере Трех пьес для фортепиано, ор. 11)

В статье рассматриваются особенности функционирования метроритма во взаимосвязи с фоническими качествами музыкального материала на примере Трех пьес для фортепиано, ор. 11 А. Шенберга. Наблюдения над ритмическими характеристиками осуществляются в контексте сложной нестабильной звуковысотной системы – атональности, параметры которой способствуют выдвижению на первый план фонических свойств различных структурных элементов музыкальной ткани.

В процессе изучения Пьес выявлены детально разработанные индивидуальные ритмические рисунки, включающие большое число мелких и непропорционально делимых длительностей, пунктиров, пауз, синкоп. Преобладание коротких длительностей, объединение их в группы в атональном контексте придают движению большую «частотность», внутреннюю скорость. Увеличивается информативность звуковой среды, «количество» и плотность событийных моментов; музыкальное время приобретает качества особой концентрированности, «сжатости».

Одновременно с разверткой дифференцированной ритмической линии возникают тончайшие колебания фонизма, раскрывающие процессуально-динамические возможности звучания на микроуровне. Использование различных видов сложных синкоп, задержаний и ряд других приемов способствуют искажению системы регулярной метрики и выдвижению ярких единичных фонических эффектов в качестве «замещающих» метрический акцент и нередко усиливающих конструктивные точки формы. Неравномерная нерегулярная акцентность обусловливает только фрагментарное обнаружение метрических опор; преобладает движение свободного фактурно-фонического потока в условиях фонической переменности. В связи с модификацией метроритмических процессов, характерных для условий атональности, происходят изменения музыкально-временного параметра. Трактовке метроритма и фонизма в их взаимодействии придается новое особое значение в качестве взаимосвязанных и системообразующих факторов музыкального формообразования.

Ключевые слова: атональность, метроритм, фонизм, фоническая переменность, нерегулярная акцентность.

Gotz Tamara Anatolyevna

About the role of metrorhythm in the early works of A. Schoenberg (on the example of Three Pieces for Piano op. 11)

In the article the features of metrorhythm functioning in interrelation with phonic qualities of a musical material are considered on an example of Three pieces for piano op. 11 A. Schoenberg. Observations over the rhythmic characteristics are carried out in the context of a complex unstable pitch system – atonality, the parameters of which contribute to highlighting of the phonic properties of various structural elements of musical tissue.

In the process of studying the Pieces, detailed individual rhythmic patterns, including a large number of small and disproportionately divisible durations, dotted lines, pauses, and syncopation, were revealed. The predominance of short durations, their unification into groups in an atonal context, contribute to a greater “frequency”, an internal speed of the movement. The informative nature of the sound environment, the “number” and the density of musical moments/events increase; musical time acquires qualities of special concentration, “conciseness”.

Simultaneously with the development of a differentiated rhythmic line, the finest oscillations of phonism arise, revealing the process-dynamic possibilities of sounding at the micro level. The use of various types of complex syncopation, detentions and a number of other techniques contribute to the distortion of the system of regular metrics and the promotion of bright single phonic effects as “substituting” the metric accent and often reinforcing the structural points of the form. Uneven irregular accents deternines only the fragmentary detection of metric supports; the motion of a free textured-phonetic flow predominates under conditions of phonemic variability. In connection with the modification of metrorhythmic processes, specific for the conditions of atonality, there are changes in the musical-temporal parameter. Interpretation of metrorhythm and phonism in their interaction is given a new significance as system-forming factors of musical formation.

Keywords: atonality, metrorhythm, phonism, phonemic variability, irregular accent.

 

Мальцева Анастасия Александровна

Арнольд Шеринг и музыкальная риторика эпохи Барокко

Знаковая для музыковедения XX–XXI вв. статья А. Шеринга «Учение о музыкальных фигурах» (1908), в которой исследователь вновь открывает забытые в эпоху Романтизма четыре теории авторов XVII – первой половины XVIII в. (Иоганна Нуциуса, Христофора Кальденбаха, Маурициуса Фогта и Иоганна Адольфа Шайбе), возникла в контексте различных баховедческих интерпретационных тенденций музыкально-семантической направленности, проявившихся, в частности, в исследованиях Альберта Швейцера (1905) и Андре Пирро (1907). Первоначально в статье «Учение о музыкальных фигурах» А. Шеринг избирает путь реконструкции теоретического знания Барокко о музыкальных фигурах и опоры на понятия фигур, а также их разъяснения, данные теоретиками того времени. В последующие годы он углубляется в разработку теории музыкального символа. Смешение ранних и поздних представлений А. Шеринга о теории фигур и музыкальной семантике отражено в отечественной и зарубежной исследовательской литературе. При этом в своей ранней статье 1908 г. он дает многим поколениям музыковедов существенный импульс к изучению музыкальной риторики. Историческому значению идей А. Шеринга и их дальнейшей жизни в музыкознании и посвящена эта статья о статье.

Ключевые слова: Арнольд Шеринг, музыкальная риторика, Барокко, музыкально-риторические фигуры, музыкальная историография.

Maltseva Anastasiya Aleksandrovna

Arnold Schering and musical rhetoric of the Baroque

Arnold Schering’s article “Teaching on Musical Figures” (1908), a sentinel one for the musicology of the 20th – the 21st centuries, where the scholar again reveals the four theories developed by the authors of the 17th – the first half of the 18th centuries (Johannes Nucius, Christoph Caldenbach, Mauritius Vogt, Johann Adolf Scheibe) and forgotten during the Romantic period, was created within the context of various Bach-interpreting musical-semantic trends, manifested in particular in studies of A. Schweizer (1905) and A. Pirro (1907). Initially Arnold Schering in article ‘Teaching on Musical Figures’ tended towards reconstruction of the theoretical Baroque knowledge of musical figures and proved his ideas by the concept of figures and explanations given by the theorists of that period, however, later he went deeper into the development of the musical symbol theory. Mixed A. Shering’s early and late concepts of the theory of figures and musical semantics were represented in Russian and foreign research essays. Still, in his article dated 1908 he gives a boost to several generations of music scholars towards the research of musical rhetoric. This article dwells on the historical significance of A. Schering’s ideas and their later unfolding in musicology.

Keywords: Arnold Schering, musical rhetoric, Baroque, musical-rhetorical figures, musical historiography.

 

Арнольд Шеринг

Учение о музыкально-риторических фигурах
(перевод с немецкого языка А. А. Мальцевой)

В ранней статье (1908) немецкого музыковеда, профессора Арнольда Шеринга (1877–1941), получившей в зарубежном музыкознании XX–XXI вв. именование точки отсчета в исследовании музыкальной риторики, общественности начала прошлого столетия были открыты забытые в эпоху Романтизма учения о музыкальных фигурах, принадлежащие четырем авторам XVII – первой половины XVIII в.: Иоганну Нуциусу, Христофору Кальденбаху, Маурициусу Фогту и Иоганну Адольфу Шайбе. А. Шеринг подробно останавливается на идее тесного родства музыки и риторики, рассматривает понятие «музыкальная фигура», его связь с представлениями о музыкальных «манерах» и украшениях. При этом он обнаруживает терминологическую и содержательную общность ряда музыкальных фигур с фигурами поэтическими. Делая наблюдение о существовании так называемых сугубо музыкальных фигур (Syncopatio, Transitus, Fuga, Homioteleuton, Hyperbaton), тем не менее, автор приходит к выводу о разнообразии, непохожести перечней фигур в рассмотренных им трактатах. Благодаря идеям А. Шеринга об историчности учения о музыкальных фигурах, необходимости его детального рассмотрения и применения к практике композиции был дан импульс последующим исследованиям, выросшим ныне в самостоятельную научную область, где о А. Шеринге говорится как об основоположнике изучения музыкальной риторики. На русском языке данная статья публикуется впервые.

Ключевые слова: Барокко, музыкальная риторика, музыкально-риторические фигуры, Арнольд Шеринг, Иоганнес Нуциус, Христоф Кальденбах, Маурициус Фогт, Иоганн Адольф Шайбе.

Arnold Schering

The doctrine of musical-rhetorical figures
(translation from German A. A. Maltseva)

In the early article (1908) of professor Arnold Schering (1877–1941), a German music scholar, which was called a reference point in the research of musical rhetoric in the foreign musicology of the 20th – 21st centuries, in the early 20th century the public discovered teachings on musical figures developed by the four authors of the 17th – the first half of the 18th century (Johannes Nucius, Christoph Caldenbach, Mauritius Vogt, Johann Adolf Scheibe) and forgotten during the Romantic period. A. Schering dwells on the idea of close relationships between music and rhetoric, considering the concept of a “musical figure”, its correlation with understanding of musical “manners” and decorations. He also detects terminological and conceptual similarity of some musical figures and poetical figures. While speaking about the existence of the so-called purely musical figures (Syncopatio, Transitus, Fuga, Homioteleuton, Hyperbaton), the author, however, comes to the conclusion on diversity and dissimilarity of the lists of figures in the analyzed essays. A. Schering’s ideas on the historical nature of the teaching on musical figures and the necessity to analyze these ideas and apply them to the composition practice boosted the subsequent research, which later turned to a separate research area, where A. Schering is considered to be an initiator of the musical rhetoric. This is the first publication of this article in the Russian language.

Keywords: Baroque, musical rhetoric, musical-rhetorical figures, Arnold Schering, Johannes Nucius, Christoph Caldenbach, Mauritius Vogt, Johann Adolf Scheibe.

 

Лю Чже

Отзвуки Двадцати четырех прелюдий и фуг Д. Д. Шостаковича в творчестве российских композиторов второй половины ХХ в.

В статье предпринята попытка доказать, что Двадцать четыре прелюдии и фуги, ор. 87  (1950–1951) Д. Д. Шостаковича стали активным творческим импульсом для появления большого числа произведений в жанре полифонического цикла, особенно прелюдий и фуг. Для выявления масштабности этого процесса даются ссылки на десятки полифонических произведений, созданных российскими композиторами: А. С. Карамановым, Р. К. Щедриным, И. М. Ельчевой, В. К. Сорокиным, Г. А. Мушелем, В. А. Полторацким, В. С. Бибиком, А. И. Хачатуряном, К. А. Караевом, Г. М. Чеботарян, А. Г. Флярковским, А. И. Пирумовым, Д. А. Толстым, Ю. Н. Шишаковым, И. В. Рехиным, С. М. Слонимским и другими на протяжении почти пятидесяти лет. Для сравнительного анализа с ор. 87 Д. Д. Шостаковича избираются Двадцать четыре прелюдии и фуги для фортепиано Р. К. Щедрина, Тридцать четыре прелюдии и фуги для фортепиано В. С. Бибика, Двадцать четыре прелюдии и фуги для фортепиано С. М. Слонимского и Двадцать четыре прелюдии и фуги для гитары И. В. Рехина. Установлено, что все композиторы опирались на стилевые константы цикла Шостаковича, отбирая наиболее близкие для их творческого мышления черты. Общим для всех стали переинтонирование жанров эпохи Барокко в целом и «ХТК» И. С. Баха в частности, интертекстуальные переклички с различными аспектами русской музыки, а также привнесение композиционно-выразительных новаций своего времени. Выявлено, что барочные полифонические циклы актуальны для культуры второй половины ХХ – начала XXI в., воплощая трагическую и многовекторную образную панораму эпохи.

Ключевые слова: Д. Д. Шостакович, прелюдия и фуга, полифонический жанр, эпоха Барокко, «Хорошо темперированный клавир» Баха, фактурный рисунок, тематизм, полифония, переинтонирование.

Liu Zhe

Echoes of the 24 Preludes and Fugues by D. D. Shostakovich in the Works of Russian Composers of the Second Half of the ХХ Century

The article attempts to prove that the 24 Preludes and Fugues, оp. 87 by D. D. Shostakovich, created at the turn of 1950–1951, became an active creative impulse for appearance of a large number of works in the genre of the polyphonic cycle, especially preludes and fugues. To identify the scope of this process, references are made to dozens of polyphonic works created by Russian composers: A. S. Karamanov, R. K. Shchedrin, I. M. Elcheva, V. K. So-rokin, G. A. Mushel, V. A. Poltoratsky, V. S. Bibik, A. I. Khachaturyan, K. A. Ka-raev, G. M. Chebotaryan, A. G. Flyarkovsky, A. I. Pirumov, D. A. Tolstoy, Yu. N. Shi-shakov, I. V. Rehin, S. M. Slonimsky and other authors for almost fifty years. For comparative analysis with op. 87 by D. D. Shostakovich are selected Twenty-Four Preludes and Fugues for Piano by R. C. Shchedrin, Thirty-Four Preludes and Fugues for Piano by V. S. Bibik, Twenty-Four Preludes and Fugues for Piano by S. M. Slonimsky and Twenty-Four Preludes and Fugues for guitar by I. V. Rekhin. It was established that all composers relied upon the style constants of the Shostakovich cycle, selecting the features closest to their creative thinking. A common feature of all was the reintroduction of genres of the Baroque era as a whole and Bach’s Well-Tempered Clavier, in particular, intertextual roll calls with various aspects of Russian music, as well as introducing compositional and expressive innovations of its time. It is revealed that the Baroque polyphonic cycles are relevant for culture of the second half of XX century – beginning of XXI century, embodying the tragic and multi-vector figurative panorama of the era.

Keywords: D. D. Shostakovich, Prelude and Fugue, polyphonic genre, Baroque epoch, Bach’s “Well-Tempered Clavier”, textured drawing, thema, polyphony.

 

Покровская Надежда Николаевна

Цикл пьес для арфы «Русская энциклопедия» Юрия Ащепкова

Академические формы творчества в музыкальной составляющей культуры Сибири стали развиваться лишь с начала ХХ в. Приоритетом у профессиональных сибирских композиторов пользовались музыка малых форм для фортепиано или скрипки, вокальная музыка и обработки русских народных песен. Арфа привлекла их внимание уже во второй половине ХХ в., но ее стали использовать только в оркестре (симфоническом или театральном) или как аккомпанирующий инструмент. Произведений виртуозных, крупных форм для арфы соло не было. Они появились только в последние десятилетия на волне большого интереса к музыке средних веков, Ренессанса, Барокко и к аутентичному (историческому) исполнительству. Композиторы-авангардисты также обратились к арфе, открытые струны которой были доступны для любого эксперимента со звуком.

В Сибири первым из композиторов для арфы соло стал писать музыку Юрий Ащепков. В его ранних сочинениях для арфы 1970 – 1980-х гг. уже были слышны интонации, характерные для всего его будущего творчества: увлеченность музыкой XII–XVII вв., терпкая звукопись авангардистов, мелодичность, основанная на интонациях русской песни. С февраля 2018 г. он создает крупное сочинение для арфы соло, в котором проявляются эти лучшие стороны его таланта – цикл «Русская энциклопедия». В нем собраны танцы и песни Средневековья, Возрождения и Барокко стран Западной Европы: Испании, Италии, Франции, Германии, Англии. Примечательно, что в 22 пьесах цикла автор сумел органически соединить типичные национальные интонационные и ритмические особенности танцев каждой страны с русским мелосом, создав подлинно русскую музыку.

Ключевые слова: Сибирь, музыка, арфа, Ю. Е. Ащепков, новый опус.

Pokrovskaya Nadezhda Nikolaevna

Cycle of pieces for harp “Russian encyclopedia” by Yuri Ashchepkov

Academic forms of creativity in the musical component of the culture of Siberia began to develop only since the beginning of the XX century. The priority of professional Siberian composers was the music of small forms for piano or violin, vocal music and arrangements of Russian folk songs. The harp attracted their attention in the second half of the last century, but it began to be used only in the orchestra (symphonic or theatrical) or as an accompanying instrument. It was not works of major virtuoso forms for the harp solo. They appeared only in recent decades on the wave of great interest to the music of the Middle ages, the Renaissance, Baroque and authentic (historical) performance. Avant-garde composers also turned to the harp, the open strings of which were available for any experiment with sound.

In Siberia the first of composers began to write music for harp solo Yuri Ashchepkov. In his early works for the harp of the 70’s – 80’s were already heard intonations characteristic of all his future work: enthusiasm for the music of the XII–XVII centuries, the harsh sound of the avant-garde, the melody, based on the intonations of the Russian songs. Since February 2018, he has been creating a major work for harp solo, which reveals these best aspects of his talent – the cycle «Russian encyclopedia». It contains dances and songs of the Middle ages, Renaissance and Baroque of Western Europe: Spain, Italy, France, Germany, England. It is noteworthy that in 23 plays of the cycle the author managed to organically combine the typical national intonation and rhythmic features of the dances of each country with Russian melos, creating a truly Russian music.

Keywords: Siberia, music, harp, Yu. E. Ashchepkov, new opus.

 

Умнова Ирина Геннадьевна

Творческая деятельность композитора Владимира Пипекина

Статья посвящена 50-летию творческой деятельности Владимира Михайловича Пипекина, председателя Кемеровского регионального отделения Союза композиторов РФ, председателя «Творческого объединения композиторов Кузбасса», профессора Кемеровского государственного института культуры. Выпускник Новосибирской государственной консерватории, концертный исполнитель по профессии и по призванию, преданный жанру песни, Пипекин на протяжении многих лет способствует развитию композиторского творчества и функционированию на рубеже ХХ–ХХI вв. различных форм музыкальной жизни, как необходимых культурных составляющих жизненного пространства индустриальных городов Кемеровской области. Деятельность музыканта освещалась довольно фрагментарно, к тому же довольно однообразно: как композитора-любителя, песни которого поют известные артисты, и как исполняющего собственные вокально-инструментальные сочинения. Но свойственная Пипекину сопряженность исполнительской, сочинительской и педагогической практик не рассматривалась. В этой связи возникла необходимость проанализировать ситуацию некоторой зависимости творческой деятельности Пипекина от культурного и художественно-стилевого аспектов российского социального пространства последних десятилетий ХХ – первых десятилетий ХХI в. Важно соотнести ее с такими предложенными А. Л. Маклыгиным типами творческого поведения, как «исполнитель-композитор», «композитор-исполнитель», а также «„только“ композитор (пишущий для исполнителей)». В статье впервые предпринята попытка выявления особенностей накопленного музыкантом опыта в жанре песни, которые оказали влияние на эволюционирование индивидуальных черт его стиля. Впервые характеризуются основные вехи творческого пути В. М. Пипекина.

Ключевые слова: В. Пипекин, творческая деятельность композитора, композитор-исполнитель, композитор-любитель.

Umnova Irina Gennadievna

Creative activity of the composer Vladimir Pipekin

The article is devoted to 50-anniversary of creative activities of Vladimir Mikhailovich Pipekin, Chairman of the Kemerovo regional branch of the Union of composers of Russian Federation, Chairman of the “Creative Union of composers of Kuzbass”, Professor of the Kemerovo state Institute of culture. A graduate of the Novosibirsk state Conservatory, concert performer by profession and by vocation, devoted to the genre of the song, Pipekin for many years contributes to the development of compositional creativity and functioning at the turn of XX–XXI centuries various forms of musical life as essential components of the living space of the industrial cities of the Kemerovo region. The activity of the musician was covered quite fragmentary, besides quite monotonous: as an Amateur composer, whose songs are performed by famous artists, and as performing his own vocal and instrumental compositions. But peculiar Pipekin conjugacy performing, creator and pedagogical practices was not considered. In this connection there was a necessity to analyze the situation based on some of the creative activities of Pipekin from the cultural and stylistic aspects of the Russian social space of the last decades of the twentieth – first decades of the twenty-first century it is Important to correlate it with those proposed by A. L. Malygina types of creative behavior as “performing composer”, “composer-performer”, “a «only» a composer (writing for artists)”. Also in the article is the first attempt to identify the characteristics of the accumulated experience of the musician in the genre of songs that have influenced the evolution of individual traits of his style. The first deals with the main milestones of the creative ways V. M. Pipekin.

Keywords: V. Pipekin, creative activity of the composer, composer-performer, composer-dabbler.

 

Галицкая Саволина Паисиевна

Дмитрий Дмитриевич Шостакович в Узбекистане

В настоящей статье предлагаются предварительные соображения о выдающейся роли композиторской и – шире – художественно-культурной деятельности Д. Д. Шостаковича в формировании и развитии музыкальной культуры республики, прежде всего культуры композиторской. Он дважды приезжал в Узбекистан, участвовал в самых различных музыкально-культурных мероприятиях. Непосредственное присутствие Дмитрия Дмитриевича, конечно, придавало им особый вес, способствовало значительному усилению творческой активности композиторов и музыковедов республики, а также своеобразной «интенсификации» слушательской аудитории. Бесспорно, художественное творчество композитора оказало самое серьезное воздействие на становление и развитие так называемых молодых национальных композиторских школ (МНКШ) в республиках бывшего Советского Союза, в том числе среднеазиатских. В полной мере относится это и к Узбекистану. В статье представлены и осмыслены конкретные примеры и факты, свидетельствующие о всестороннем влиянии  личности и творчества Д.Д. Шостаковича на развитие академической музыкальной культуры Узбекистана. Предлагаемые соображения фигурируют на более широком фоне, сопряженном со значением творчества гениального композитора в контексте отечественного и мирового музыкального искусства. Думается, они – эти соображения – в дальнейшем могут и должны быть расширены и углублены.

Ключевые слова: фотография Д. Д. Шостаковича, Ташкент, национальные композиторские школы, музыкальная культура Узбекистана, монодийная система.

Galitskaya Savolina Paisievna

Dmitry Dmitrievich Shostakovich in Uzbekistan

The present article offers preliminary considerations on the outstanding role of D. D. Shostakovich’s composer and – more broadly – artistic and cultural activity in the formation and development of the musical culture of that republic, first of all, the culture of the composer. He came to Uzbekistan twice, participated in a variety of musical and cultural events. The direct presence of Dmitry Dmitrievich, of course, gave them a special weight, contributed to a significant increase in the creative activity of composers and musicologists of the republic, as well as a kind of “intensification” of the audience. Undoubtedly, the artistic creativity of the composer had the most serious impact on the formation and development of the so-called young national composer schools (YNCS) in the republics of the former Soviet Union, including Central Asia. This fully applies to Uzbekistan. The article presents and comprehends specific examples and facts that testify to the comprehensive influence of the personality and creativity of D. D. Shostakovich on the development of academic musical culture of Uzbekistan. The proposed considerations appear on a broader background, coupled with the knowledge of the genius composer in the context of domestic and world music. I think it – these considerations – can and should be expanded and deepened in the future.

Keywords: photo of D. D. Shostakovich, Tashkent, national composer schools, musical culture of Uzbekistan, monodic system.

 

Давлатова Ситора Давлатовна

Суфийская тема в сюите «Разговор птиц» Т. Шахиди: поиск смысла жизни и борьба с собой

Статья посвящена исследованию влияния суфизма на творчество таджикского композитора Толиба Шахиди. С этой целью анализируется сюита «Разговор птиц» для трех флейт (созданная по прочтении одноименной поэмы суфийского поэта Cредневековья Фарид-ад-дина Аттара) в аспекте проявлений основных положений суфийской концепции. Идея поэмы направлена на решение основного постулата суфийского учения о единстве бытия вахдат аль-вуджуд. В аллегорической форме описывается суфийское странствие к Богу и состояние человеческой души на этом Пути.

Опираясь на суфийский бинарный принцип зохир – ботин (явное – скрытое), автор выявляет соотношение внешнего (поэтического) и внутреннего (понятийного) в поэме Ф. Аттара, проводя параллель с музыкальной и скрытой символикой в сюите для трех флейт Т. Шахиди. Подобный подход позволил композитору отразить сущность суфийской идеи, воплощенной в поэме Ф. Аттара.

Таким образом, познания композитора в сфере суфийской символики способствовали воссозданию внутреннего (ботин) уровня поэтического произведения. Это отражено в тембровых решениях и числовых пропорциях сюиты, в умении продемонстрировать средствами инструментальной музыки моменты духовного просветления и взлета, в наличии полифонических эпизодов, вызывающих ассоциации с суфийской беседой (сухбат), нацеленной на постижение истины. В результате инструментальная сюита предстает как музыкальное воплощение глубины философской мысли суфиев.

Ключевые слова: суфизм, композиторское творчество, Т. Шахиди, Ф. Аттар, принцип «зохир – ботин».

Davlatova Sitora Davlatovna

Sufi theme in the suite “The Conversation of Birds” by T. Shahidi: the search for the meaning of life and the struggle with oneself

In the following article, we explore the influence of Sufism on the music of Tolib Shakhidi, a Tajik composer. For this purpose, we analyze The Conference of Birds, a suite for three flutes (created on the basis of Farоd ud-Dоn, or Attar of Nishapur’s medieval Sufi poem by the same name), according to how the core concepts of Sufism are reflected in it. The poem deals with the basic Sufi doctrine of wahdat ul wujud, unity of being. It features an allegorical description of a Sufi journey in search of God and the state of a human soul on this path.

Using the binary Sufi principle zohirbotin (the apparent and the hidden), we reveal the relationship between the apparent (poetic) and the hidden (conceptual) in Attar’s poem, drawing the parallel with musical and hidden symbolism in T. Shakhidi’s suite for three flutes. This method allows the composer to reflect the Sufi idea represented by Attar’s poem.

As we see, the composer’s knowledge of Sufi symbolism results in the recreation of the hidden (botin) level of the poem. It is reflected in timbre and numerical proportions of the suite, in the composer’s ability to show the moments of spiritual enlightenment and ascent by the means of instrumental music, the presence of polyphonic episodes reminding one of Sufi conversations (suhbat), the goal of which is the search for truth. As a result, the instrumental suite serves as a musical representation of deep philosophical Sufi ideas.

Keywords: Sufism, composer’s creativity, T. Shahidi, F. Attar, the principle of “zohir – botin”.

 

Лысенко Светлана Юрьевна

Будников Владимир Викторович

«Певучая» манера игры на фортепиано как тембральная иллюзия: синестетический аспект

Статья исследует синестетическую связь певучей манеры игры на фортепиано с тембральными свойствами фактуры. Генезис понятия «певучего» фортепианного звука проясняется через анализ ассоциативного глубинного механизма «идеомоторной интроекции» моторики певческого голоса в двигательный процесс пианиста. «Пение», выраженное в пластике кисти и рук, есть проприоцептивная синестезия (рецепция движения в пространстве). Имитация естественности вокальной фразы апеллирует к внутренним возможностям интероцептивных связей. Они объединяют в одном ощущении сущностные психические силы исполнителя и генерируемый им интонационный процесс. Естественность фразы подчиняется правилам агогики, которые вытекают из исполнительского экзистенциального ощущения дления времени и из умения исполнителя соотносить свой интонационный процесс с музыкальной формой произведения, а также с ладотональными тяготениями.

Ощущение исполнительского времени имеет иррациональный исток, коренящийся в понятии звукотворческой воли. Он глубинно соотносится с протопатическим компонентом тактильно-слуховой интероцептивной синестезии. Пианист, решая задачу «певучего» исполнения, использует штрих legato и особую «безударную» манеру звукоизвлечения, которая обеспечивается максимально мягким ударом рояльного молоточка. Для создания иллюзии «пения» этих выразительных средств недостаточно, поэтому исполнитель интуитивно задействует синестетический механизм, который связывает агогически свободное естественное интонирование с «вокализацией» фразы. Именно так, как полагаем, формируется иллюзия «певучей» манеры игры на фортепиано. «Певучесть», как тембровая иллюзия, является частным примером, демонстрирующим тембральные возможности фортепианной фактуры. Наличие подобной иллюзии доказывает синестетическую связь на протопатическом уровне между художественным образом и исполнительским процессом.

Ключевые слова: тембральная иллюзия «певучести», синестетический механизм исполнения, протопатический компонент, проприоцепция, интероцепция, исполнительская агогика, исполнительское время.

Lysenko Svetlana Yurievna

Budnikov Vladimir Viktorovich

“Melodious” manner of execution on the piano as a tembral illusion: synesthetic aspect

Article investigates sinestetic’s communication of a melodious manner of playing a piano and of tembral properties of the texture. Genesis of a concept of a “melodious” piano sound clears up through the analysis of associative deep communications of the mechanism of “ideomotorny introjection” of motility of a singing voice in motive process of the pianist. The “singing” expressed in plasticity of a brush and hands is a propriotseptive sinesteziya (reception of three-dimensional motion). Imitation of naturalness of a vocal phrase appeals to internal opportunities of interoceptive communications. They unite intrinsic mental forces of the performer and the intonational process generated by it in one feeling. The naturalness of a phrase submits to rules of an agogics which follow from performing existential feeling of decay of time and from ability of the performer to correlate the intonational process to a musical form of the work and the harmonious inclinations put in it. The feeling of performing time has the irrational source rooting in a concept of sound creative will (schöpferischer Klangwille, by Martinsen). It corresponds to a protopatic’s component of a tactile and acoustical interoceptive sinesteziya. The pianist, solving a problem of “melodious” execution, uses a stroke of legato and a special “unaccented” manner of sound extraction which is provided with the softest blow of a royalny hammer. For creation of illusion of “singing” of these means of expression it is not enough therefore the performer intuitively involves the sinestetic’s mechanism which connects an agogics of free natural intoning with “vocalization” of a phrase. Thus illusion of a “melodious” manner of playing a piano is formed. “Melodiousness» as timbre illusion, is the private example showing tembral’s opportunities of the piano texture. Existence of similar illusion proves sinestetic’s communication at the protopatic’s level between an artistic image and performing process.

Keywords: tembral illusion of “melodiousness”, sinestetic mechanism of execution, protopatic’s component, proprioception, interoception, agogics of execution, performing time.

Лысенко Светлана Юрьевна, доктор искусствоведения, доцент, профессор кафедры искусствоведения, музыкально-инструментального и вокального искусства Хабаровского государственного института культуры

 

Горбунова Татьяна Валерьевна

Особенности исполнения сюиты Д. Шостаковича «Шесть стихотворений Марины Цветаевой»

Камерно-вокальное творчество XX столетия выдвинуло перед певцами ряд новых задач, решение которых было сравнительно затруднено усложнением композиторского музыкального языка, общей тенденцией к интеллектуализации художественного пространства и отсутствием ясных в практике современного исполнительства стилевых ориентиров. Одним из известнейших образцов такой интеллектуальности в жанре является сюита для голоса и фортепиано Дмитрия Шостаковича «Шесть стихотворений Марины Цветаевой». Циклическая структура сюиты делает возможным исполнение данного опуса только на самых поздних этапах обучения вокальному мастерству, а также представляет собой определенный профессиональный вызов для уже сформировавшихся певцов. Несмотря на то, что камерно-вокальное творчество Шостаковича уже неоднократно освещалось в различных монографиях и диссертационных исследованиях, практические рекомендации и акценты на тех или иных моментах исполнения, предложенные в статье, по-прежнему остаются актуальными. Особое внимание уделяется специфическим вокальным задачам третьего романса сюиты «Диалог Гамлета с совестью», который является высоко оригинальным образцом претворения процессуальности в музыке. Наиболее яркой характеристикой данного номера представляется сужение объема звучащего материала до монодии, реализованной между партиями солиста и аккомпанемента.

Ключевые слова: камерно-вокальное творчество, Шостакович, вокальное исполнительство, Марина Цветаева.

Gorbunova Tatyana Valerievna

Features of performance of D. Shostakovich’s suite “Six poems by Marina Tsvetaeva”

Chamber-vocal creativity of the XX century put forward before the singers a number of new tasks, the solution of which was relatively difficult due to the complexity of the composer’s musical language, the general trend towards the intellectualization of the artistic space and the lack of clear in the practice of modern performance style guidelines. One of the most famous examples of such intellectuality in the genre is Dmitry Shostakovich’s suite for voice and piano “Six poems by Marina Tsvetaeva”. The cyclical structure of the suite makes it possible to perform this work only at the later stages of vocal training, and also represents a certain professional challenge for already formed singers. Despite the fact that Shostakovich’s chamber-vocal work has been repeatedly covered in various monographs and dissertations, practical recommendations and emphasis on certain aspects of performance proposed in the article remain relevant. Special attention is paid to specific vocal objectives of the third song of the Suite “Dialogue of hamlet with his conscience”, which is a highly original example of the implementation of a procedural music. The most striking characteristic of this issue is the narrowing of the volume of the sounding material to the monody realized between the soloist and the accompaniment.

Keywords: chamber-vocal creativity, Shostakovich, vocal performance, Marina Tsvetaeva.

 

Муединов Дилявер Меметович

Мультифонная техника звукообразования на духовых инструментах: аспекты истории и современные поиски новой тембрики

Нетрадиционные приемы игры на духовых инструментах, их технология и методы обучения в последние десятилетия все чаще обсуждаются не только в исполнительской и композиторской среде, но становятся предметом научных поисков. Не исключением в данном смысле является мультифонная техника, представляющая один из сложных видов инструментального исполнительства. В статье рассматриваются истоки возникновения мультифонных приемов игры на народных духовых инструментах – башкирском курае, тувинском шооре и многоствольной флейте коми-пермяков. Отдельно показаны особенности многоголосного звукообразования в академическом исполнительстве. На примере Концертино для валторны и оркестра К. М. Вебера раскрывается инструментально-вокальный способ аккордового звукоизвлечения и указаны исполнители, использовавшие его в сочинении. Освещается процесс развития нетрадиционной техники аккордовой игры на духовых инструментах в поисках «новой тембрики» музыки ХХ и ХХI вв. Осуществляется анализ современной мультифонной техники игры на трубе Дж. Хасселя и ее влияние на формирование «музыки четвертого мира». Рассмотренные народно-фольклорные истоки многоголосного звукообразования на духовых инструментах позволили раскрыть эволюционный процесс развития мультифонной техники игры на пути от народного к академическому исполнительству.

Ключевые слова: духовые инструменты, нетрадиционные приемы игры, мультифонная техника, тембрика, звукоизвлечение, Дж. Хассель.

Muedinov Dilyaver Memetovych

Multiphones technique of sound production on wind instruments: aspects of history and contemporary search of new timbral patterns

Extended performance techniques on wind instruments, their ways of mastering in last years are widely discussed not only in performer’s and composer’s surroundings, but appear to be an object of scientific studies. In this way multiphones technique is far from being exclusion, being one of the complicated activity in the instrumental performance. In the article various sources of multiphones technique’s appearance on folk wind instruments are depicted – such as Bashkir quray, Tuva shoor, Komi Perm pan flute. The peculiarities of polyphonic sound production in academic performance are separately described. The instrumental vocal way of chord sound production is discovered by the example of Concertino for horn and orchestra C.M. Weber, and by the performers who used it. The evolution of extended chord performance techniques on wind instruments and search for the new timbral patterns in the music of 20th and 21st centuries are reflected. It is analysed the modern multiphones technique of J. Hassell’s performance on trumpet and its influence on creating “the music of the fourth world”. The folk sources of polyphonic sound production on wind instruments that were described, allowed to reveal the evolutionary process of multiphones technique performance development on the way from folk to academic performance.

Keywords: wind instruments, extended performance techniques, multiphones, timbral patterns, sound production, J. Hassell.

 

Белоносова Ирина Владимировна

Светлана Сергеевна Гончаренко – музыкант, педагог, ученый

Статья посвящена известному в регионе музыковеду, доктору искусствоведения, профессору Светлане Сергеевне Гончаренко. Подчеркивается органичная связь творческой биографии С. С. Гончаренко с музыкальной жизнью Сибири, приводятся примеры ее активного участия в жизни профессионального сообщества региона и за его пределами. Раскрывается неразрывная связь основных векторов деятельности С. С. Гончаренко, обогащающих и способствующих непрерывному профессиональному росту не только ее самой, но и тех, кто вступает с ней – научные, творческие, педагогические контакты.

На основе анализа основных фактов биографии, изучения научно-методических работ, впечатлений от личных контактов, высказываний коллег из КГИИ делаются выводы о «слагаемых успеха» С. С. Гончаренко, в которых отражаются основные приоритеты российской музыкальной педагогики в высшем звене музыкального образования. Рассматриваются достижения в сфере педагогической деятельности в Новосибирской государственной консерватории им. М. И. Глинки, где основную часть составляют дисциплины теоретического цикла. Подчеркивается роль и значение исследований С. С. Гончаренко в области изучения западно-европейского музыкального наследия, а также творчества композиторов Сибири.

Ключевые слова: профессиональное музыкальное образование, музыкальное искусство, педагогика, музыкальная наука, композиторы Сибири.

Belonosova Irina Vladimirovna

Svetlana Sergeevna Goncharenko – a musician, a teacher and a scientist

The article is devoted to Svetlana Sergeevna Goncharenko, a regionally recognized music expert, doctor of art history and professor. The article emphasizes organic relations between S. S. Goncharenko’s creative biography and Siberian music culture and gives examples of her active participation in life of the professional community both within and outside of the region. Symbiotic relationship between the main vectors of S. S. Goncharenko’s activity enriching and facilitating uninterrupted professional growth of S. S. Goncharenko herself and people coming in direct scientific, creative and pedagogical contacts with her is underlined.

Conclusions on the factors of success of S. S. Goncharenko are made based on the analysis of main facts of her biography, study of her scientific and methodical works, impressions from personal meetings and opinions of her colleagues from Krasnoyarsk Institute of Arts complying with the principal priorities of the Russian musical pedagogy at the highest level of music education. The article also studies her achievements in the sphere of pedagogical activity at M. I. Glinka Novosibirsk State Conservatoire, which mostly consists of disciplines belonging to a theoretical cycle. Emphasis is made on the role and importance of S. S. Goncharenko’s researches in the sphere of study of the Western European musical heritage and works of the Siberian composers.

Keywords: professional music education, musical art, pedagogy, musical science, Siberian composers.

 

Гаврилова Людмила Владимировна

Ананий Ефимович Шварцбург: судьба музыканта

В статье привлекается внимание к личности А. Е. Шварцбурга – одного из ярких представителей сибирской интеллигенции, чья судьба отразила сложнейшие перипетии истории страны ХХ столетия и ее музыкальной культуры. Будучи студентом второго курса Ленинградской консерватории, талантливым пианистом, он попал в «жернова» сталинских репрессий: был дважды арестован (1938, 1949), 19 лет провел в лагерях и на поселении. Несмотря на трудности этих лет, он активно включился в большую просветительскую деятельность сначала в Магаданском театре, затем в Енисейске. Последние 20 лет (с 1954 г.) жизнь А. Шварцбурга была связана с Красноярском, с краевой филармонией, где он занимал пост художественного руководителя (с 1960 г.). За это время ему удалось создать необходимую атмосферу для активной творческой деятельности красноярских музыкантов-профессионалов, сделать город привлекательным для приезда ведущих коллективов и исполнителей страны, воспитать должный уровень музыкального вкуса красноярской публики. Все это позволило подготовить почву для открытия во второй половине 70-х гг. ХХ в. в Красноярске театра оперы и балета, симфонического оркестра, института искусств, хореографического училища, строительства театральных и концертных залов, что превратило город в одну из музыкальных столиц России.

Ключевые слова: А. Е. Шварцбург, пианист, музыкальная культура Сибири, репрессии, филармония.

Gavrilova Liudmila Vladimirovna

Ananij Efimovich Schwarzburg: fate of the musician

The article focuses on the personality of A. E. Schwarzburg, one of the brightest representatives of the Siberian intelligentsia, whose life reflected the most difficult events in the twentieth century history of our country and its musical culture. As a second-year student of the Leningrad Conservatoire, a talented pianist, he got into the “millstones” of Stalin’s repressions. He was arrested twice (1938, 1949), spent 19 years in camps and in the settlement. Despite the difficulties of these years, he was actively involved in large enlightening, educational activities first at the Magadan Theater, then in Yeniseisk. The last 20 years (since 1954), A. Schwarzburg was connected with Krasnoyarsk, with the Regional Philharmonic, where he served as Artistic Director (since 1960). During this time, he managed to create the necessary atmosphere for creative activities of Krasnoyarsk professional musicians, to make the city attractive for the visits of the leading bands and performers from all over the country, to bring up the level of musical taste of the Krasnoyarsk public. All this resulted in the opening of the Krasnoyarsk State Opera and Ballet Theatre, the Symphony Orchestra, Institute of Arts, Choreographic School, theater and concert halls in the second half of the 70-s of the XX century, which has turned the city into one of the musical capitals of Russia.

Keywords: A. E. Schwarzburg, pianist, musical culture of Siberia, repression, philharmonic.

 

Заозерских Алена Владимировна

Чихачёва Мария Михайловна

Музыка «памяти» в творчестве композиторов Сибири

Рассматривается воплощение феномена мемориальности в творчестве сибирских композиторов. Мемориальность является одной из значимых тематических сфер современной отечественной музыки, отмеченной и исследовательским вниманием. Однако лишь немногие работы освещают тематическую сферу памяти в творчестве сибирских авторов. В данном исследовании представлен хронологический обзор мемориальных сочинений Сибири, охватывающий период с конца 1950-х гг. по настоящее время. Подобный экскурс позволяет выявить устойчивую тенденцию обращения сибирских композиторов к мемориальной музыке. Типологизация позволяет очертить круг жанров, формирующих сферу мемориальной сибирской музыки. Феномен мемориальности в музыке связан с разными типами посвящений, которые отдают дань памяти тем или иным событиям, явлениям, фигурам. В статье систематизированы тематические группы мемориальных посвящений, которые встречаются в сочинениях сибирских авторов. Основные выявленные черты мемориальности в музыке Сибири отражают общероссийские тенденции, что показано в приведенных примерах мемориальных произведений. Специфической чертой в воплощении феномена музыкальной мемориальности в региональных условиях является дань памяти не только значимым фигурам общероссийского (мирового) уровня и историческим событиям, но и сохранение памяти культуры в регионе.

Ключевые слова: мемориальная музыка, современные отечественные композиторы, творчество композиторов Сибири, память в искусстве.

Zaozerskikh Alyona Vladimirovna

Chikhachyova Mariya Mikhailovna

Music of “memory” in the works of Siberian composers

The article discusses the embodiment of the phenomenon of memorialism in the works of Siberian composers. Memorial is one of the significant thematic areas of modern domestic music, including noted and research attention. However, only a few works cover the thematic area of memory in the works of Siberian authors. This study presents a chronological review of memorial writings, covering the period from the late 1950s to the present. Such an excursion makes it possible to reveal a steady trend of the appeal of Siberian authors to memorial music. Typology allows us to outline the range of genres that form the sphere of memorial Siberian music. The phenomenon of memoriality in music is associated with different types of dedications that pay tribute to the memory of certain events, phenomena, figures. The article systematizes the thematic groups of memorial dedications, which are found in the works of Siberian authors. The main revealed features of memoriality in the music of Siberia reflect the all-Russian trends, which are shown in the examples of memorial works. A specific feature in the embodiment of the phenomenon of musical memorialy in regional conditions is a tribute to the memory of not only important figures of the all-Russian (world) level and historical events, but also the preservation of the memory of culture in the region.

Keywords: memorial music, contemporary Russian composers, creativity of Siberian composers, memory in art.

 

Вавилов Станислав Платонович

Ткаленко Ярослав Владимирович

Томский академический симфонический оркестр: начало пути

Рассмотрены первые годы деятельности Томского академического симфонического оркестра, одного из первых симфонических оркестров в Западной Сибири, созданного в 1946 г.

Симфоническое исполнительство в Томске зародилось в последней четверти XIX в., когда появились полупрофессиональные и полулюбительские оркестры, игравшие в театре, на массовых празднествах, в парках отдыха. Оркестры насчитывали в своем составе 30–40 музыкантов и им вполне по силам было исполнение оркестровых произведений: симфоний, увертюр, сюит.

В мае 1946 г. была создана Томская областная филармония, первым крупным коллективом которой  стал симфонический оркестр. В 2016 г. этот коллектив отметил семидесятилетие. За эти годы оркестр заслуженно приобрел авторитет и славу одного из лучших симфонических оркестров Сибири.

Приведены сведения о первых руководителях оркестра. Большой вклад в становление и развитие симфонического оркестра внесли великолепные дирижеры М. И. Маломет, М. И. Ривкин, А. М. Кац. Описаны условия, в которых пришлось работать коллективу оркестра.

Содержатся малоизвестные факты из концертной жизни Томска в конце 1940-х – начале 1950-х гг., приведен репертуар оркестра. Рассказано об участии оркестра в деятельности музыкального общественного Университета культуры, ставшего значительным явлением в жизни города.

Отмечено, что коллектив оркестра преодолел многочисленные трудности послевоенных лет и заслужил право на полнокровную артистическую жизнь.

Ключевые слова: Томск, оркестр, дирижер, симфония, концерт, филармония.

Vavilov Stanislav Platonovich

Tkalenko Yaroslav Vladimirovich

Tomsk state academic symphony orchestra: the beginning of the way

In the early years of the Tomsk academic Symphony Orchestra, one of the first symphonic orchestras in Western Siberia, was created in the year 1946. Symphonic performance in Tomsk began in the last quarter of the 19th century, when there were semi-professional and amateur orchestras that played at the theatre, at mass festivities, in the gardens of rest. Orchestras had a membership of 30–40 musicians and they were quite on forces available orchestral works: symphonies, overtures, suites.

In May 1946, was established Tomsk oblast Philharmonic Hall, which was the team’s first major Symphony Orchestra. In 2016, the team observed the seventieth. Over the years the Orchestra has deservedly gained credibility and fame as one of the best symphony orchestras. The work provides information about the first leaders of the Orchestra. Significant contribution to the formation and development of the Symphony Orchestra made gorgeous conductors M. I. Malomet, M. I. Rivkin, A. M. Katz.

Describes the conditions under which the team had to work with the Orchestra. The work contains little known facts of the concert life of Tomsk in the end of 1940 and early 1950’s, is an orchestra’s repertoire. Learn about participating in the activities of the Orchestra Music University of culture, which has become a significant event in the life of the city.

In the work of the noted that the staff Orchestra overcame numerous difficulties in the postwar years and has earned the right to a full artistic life.

Keywords: Tomsk, Orchestra, conductor, Symphony, concert, Philharmonic Hall.

 

Царёва Евгения Сергеевна

Этапы становления академической музыкальной культуры в Енисейской губернии:
вопросы периодизации

Статья посвящена краеугольной проблеме генезиса академической музыкальной культуры Енисейской губернии – периодизации данного процесса. До настоящего времени не было создано научного труда, специально и комплексно освещающего историю музыкальной культуры Красноярья в годы существования Енисейской губернии (1825–1922) и предлагающего единую периодизацию развития академического искусства на территории этого крупнейшего отечественного региона. Безусловно, становление академических музыкальных традиций на берегах Енисея находилось в общем поле культурного развития России, вместе с тем уже изначально отличалось и своей спецификой. Немаловажно добавить, что эпохальные события в отечественной истории (войны, революции) влекли за собой изменения в музыкальной жизни всей страны, однако, их влияние на ситуацию в метрополии и в Сибири нередко отличалось. Кроме того, они часто выступали не рубежом, а импульсом к дальнейшим явным процессам, следовательно, надо принять во внимание, что рамки (границы) периодов могут носить условный и гибкий характер. Основываясь на архивных источниках, корпусе опубликованных работ и учитывая историко-краеведческие и музыкально-культурологические ракурсы исследования, предлагается вычленить следующие этапы, являющиеся по своей сути эволюционными стадиями, в процессе зарождения и становления академических музыкальных традиций в Енисейской губернии: догубернский (1607–1822); 1822 – 1870-е; 1880-е – 1914; 1914–1925 гг. Каждый из них отличается доминированием конкретного явления или шире тенденции, выступающей «локомотивом» развития внутри этапа, и, одновременно, знаменует собой определенную веху и выход на новый уровень.

Ключевые слова: академические музыкальные традиции, региональная музыкальная культура, периодизация, Красноярск, Енисейская губерния.

Tsareva Evgenya Sergeevna

Stages of the formation of academic musical culture in the Yenisei guberniya: the issues of periodization

The article is devoted to the key problem of the genesis of the academic musical culture of the Yenisei guberniya – the periodization of this process. To date, no scientific work has been created that specifically and comprehensively illuminates the history of musical culture of Krasnoyarsk during the years of the Yenisei guberniya (1825–1922) and offers a single periodization of the development of academic art in the territory of this largest domestic region. Certainly, the formation of academic musical traditions on the banks of the Yenisei was in the general field of the cultural development of Russia, however, it was already initially distinguished by its specificity. It is important to add that epochal events in national history (wars, revolutions) entailed changes in the musical life of the whole country, however, their influence on the situation in the metropolis and in Siberia was often different. In addition, they often acted not as a frontier, but as an impulse for further explicit processes, therefore, one should take into account that the frames (boundaries) of periods can be conditional and flexible. On the basis of archival sources, the corpus of published works and taking into account the historical and local lore and cultural studies, it is proposed to isolate the following stages, which are essentially evolutionary stages, in the process of origin and formation of academic musical traditions in the Yenisei guberniya: pre-Gubernia (1607–1822); 1822–1870s; 1880s–1914; 1914–1925. Each of them is distinguished by the domination of a specific phenomenon or more broadly – a trend, which acts as a “locomotive” of development within the stage, and at the same time marks a certain milestone and a new level.

Keywords: academic musical traditions, regional musical culture, periodization, Krasnoyarsk, Yenisei guberniya.

 

Робустова Людмила Павловна

Профессиональное музыкальное образование: вневременные ценностные смыслы
и задачи современного этапа

Вопросы профессионального музыкального образования не столь часто становятся предметом крупных научных форумов, которые в еще большей степени подчеркивают значимость и актуальность рассматриваемых проблем – культурно-исторических, творческих, музыкально-образовательных, практических, теоретических и др.

В последние годы в Новосибирской консерватории наблюдается повышенный интерес к обсуждению широкого круга музыкально-педагогических вопросов. Одним из таких событий стала Всероссийская конференция «Профессиональное музыкальное образование: история, теория, практика», проходившая в декабре 2018 г. Конференция привлекла внимание большого количества специалистов из Москвы, Санкт-Петербурга, Магнитогорска, Красноярска, Иркутска, Якутска, Барнаула, Кемерово и других мест.

Осуществление социально значимых проектов в Новосибирской консерватории  имеет давние корни и сложившиеся традиции, сильной стороной которых является практическая направленность на реализацию и внедрение в жизнь. В 80-е гг. ХХ в. таких проектов осуществлялось несколько. «Целевая программа совершенствования преемственности подготовки кадров в системе музыкального образования (школа – училище – вуз)» была первым социально значимым проектом, связанным с обучением музыкантов-профессионалов. Другие проекты касались массового музыкального воспитания и образования, являющегося частью художественного, и повышения культурного облика населения различных регионов нашей страны.

В последние годы кафедра музыкального образования и просвещения Новосибирской консерватории интенсивно укрепляет региональное сотрудничество с учреждениями культуры и образования в целях решения многих социально значимых задач. Наиболее крупными событиями, имеющими принципиально важное культурно-историческое значение, стали научно-практические конференции 2017 и 2018 гг. «Взаимодействие учреждений культуры и образования в музыкальном развитии детей». Они свидетельствуют о начале и первых этапах тесного межведомственного сотрудничества. Проводимая консерваторией работа полностью соотносится с государственной программой Российской Федерации «Развитие культуры и туризма» на 2013–2020 годы.

Ключевые слова: профессиональное музыкальное образование, массовое музыкальное образование, интегративные связи, межведомственное и внутриведомственное взаимодействие, профессиональное сообщество, академическое музыкальное искусство, вневременные ценностные смыслы, кафедра музыкального образования и просвещения, Новосибирская консерватория.

Robustova Lyudmila Pavlovna

Vocational musical education: perpetual value meanings and tasks of the modern time

Questions of professional music education do not often become the subject of major scientific forums, which further emphasize the importance and relevance of the problems – cultural, historical, creative, musical, educational, practical, theoretical, etc.

In recent years, the Novosibirsk Conservatoire has seen an increased interest in discussing a wide range of musical and pedagogical issues. One of these events was the all-Russian conference “Professional music education: history, theory, practice”, held in December 2018. It attracted attention of a number of experts from Moscow, St. Petersburg, Magnitogorsk, Krasnoyarsk, Irkutsk, Yakutsk, Barnaul and Kemerovo and so on.

Socially valuable projects of the Novosibirsk Conservatoire have a long history and established traditions whose strong side is their practical orientation to implementation. In 1980s, there were a few such projects. “The target program of developing succession in staff training within the musical educational system (school – college – higher school)” was the first socially valuable project related to the training of professional musicians. Other projects pertained to the mass musical upbringing and education (part of art education) and helped improve the cultural image of the population of various regions of our country.

In the last years, the faculty of the musical education and enlightenment of the Novosibirsk Conservatoire strengthened extensive cooperation with cultural and educational institutions to solve many social tasks. Research and practical conferences “Interaction of institutions of culture and education in children musical development” of 2017 and 2018 became most important events of principal cultural and historical significance. They indicate the beginning and mark and mark the first stages of close interagency cooperation. The conservatoire’s work fully complies with the State Program of the Russian Federation “The Development of Culture and Tourism” for 2013–2020.

Keywords: vocational musical education, mass-culture musical education, integrative connections, interagency and intradepartmental interaction, professional community, academic musical art, perpetual value meanings, faculty of musical education and enlightenment, Novosibirsk Conservatoire.

 

Еременко Галина Анатольевна

Обновление учебного комплекса профессии «музыковед» (о содержании и организации дисциплины «Методология музыкознания»)

Обсуждаются вопросы обновления вузовского музыкального образования на современном этапе. Актуализация содержания учебного материала сочетается с усилением практических аспектов подготовки выпускников. Обращается внимание на важность сохранения в переходный период прочной базы профессиональных знаний. Этому способствует (помимо основных предметов) ряд введенных учебных дисциплин исторического и теоретического профиля. В статье излагаются основные принципы организации нового учебного курса «Методология музыкознания» на основе личного опыта его преподавания. Представлен проект авторской программы по разделу дисциплины. Охарактеризованы установки отбора, систематизации и изложения учебного материала. Показана важность изучения универсальных (историко-культурных и аналитических подходов) в сопоставлении с новыми междисциплинарными методами исследования музыки. Обосновано выделение в самостоятельные разделы курса музыкально-исторических и музыкально-теоретических подходов к музыкальному произведению и их взаимодействие. Дана характеристика основных принципов моделирования методологической процедуры, необходимых при изучении феномена музыкального творчества. Раскрыта связь нового курса с базовым учебным комплексом по специальности «музыковед». Даны предложения по организации деятельности студентов при освоении учебного материала дисциплины.

Ключевые слова: музыкальное образование, история и теория музыки, методология музыкознания, учебная программа, анализ музыки, музыкальное произведение, методологический подход, моделирование.

Eremenko Galina Anatolievna

Updating of the educational complex of the profession “Musicologist” (on the content and organization of the discipline “Methodology of musicology”)

The article discusses the issues of updating University music education at the present stage. Updating the content of educational material is combined with strengthening the practical aspects of training graduates. Attention is drawn to the importance of maintaining a solid base of professional knowledge during the transition period. This contributes (in addition to the main subjects) a number of introduced disciplines of historical and theoretical profile. The article describes the basic principles of the new training course “Methodology of musicology” on the basis of personal experience of its teaching. The project of the author’s program on the section of discipline is presented. Characterized by the installation of selection, systematization and presentation of educational material. The importance of studying universal (historical, cultural and analytical approaches) in comparison with new interdisciplinary methods of music research is shown. The allocation of musical-historical and musical-theoretical approaches to the musical work and their interaction in independent sections of the course is substantiated. The characteristic of the basic principles of modeling of the methodological procedure necessary for the study of the phenomenon of musical creativity is given. The connection of the new course with the basic educational complex in the specialty “musicologist” is revealed. The proposal for the organization of activity of students in mastering of educational material of the discipline.

Keywords: music education, history and theory of music, methodology of musicology, curriculum, music analysis, musical work, methodological approach, modeling.

 

Титова Елена Викторовна

«Развивать практику обучения гармонии!»: формы работ в музыкальной фактуре в современных учебных изданиях

Наука о гармонии в современной теории музыки представляет собой одну из специальных областей знаний, имеющих свои традиции изучения. Значительные изменения в осмыслении гармонии как явления произошли во второй половине ХХ в., что связано с общими процессами эволюции музыкальной системы и перестройкой музыкального мышления. В 1961 г. на страницах журнала «Советская музыка» широко развернулась дискуссия о современной гармонии, инициированная письмом в редакцию «Развивать науку о гармонии» А. Г. Шнитке, в которой участвовали известные ученые, композиторы, исследователи, педагоги.

В 1980-е гг., спустя два десятилетия, музыканты вновь обратились к гармонии, но уже в ином ракурсе – ракурсе методики обучения. По этой проблеме высказывались Т. С. Бершадская, З. А. Визель, Б. В. Можжевелов. Музыковеды сосредоточили свои усилия на вопросе о том, какими должны быть формы обучения гармонии. Многие из практических формы заданий обрели столь широкое хождение именно благодаря усилиям педагогов, объединивших усилия в усовершенствовании методики обучения гармонии.

В статье рассматривается целый ряд вопросов, являющихся актуальными для изучения способов овладения навыками гармонической техники. К ним относится методика трехстрочной гармонизации,  игра упражнений на фортепиано в фактуре. Указаны учебные пособия последних десятилетий отечественных авторов, содержащие различные формы практических заданий в музыкальной фактуре.

Ключевые слова: музыка, теория, фактура, гармония, трехстрочная гармонизация, секвенция.

Titova Elena Victorovna

“To develop the practice of teaching harmony!”: forms of work in the musical texture in the contemporary academic publications

The science of harmony in modern music theory is one of the special areas of knowledge that have their own traditions of study. Significant changes in understanding the study of harmony as a phenomenon occurred in the second half of the 20th century, which is associated with the general processes of the evolution of the musical system and the restructuring of musical thinking. In 1961, the discussion of contemporary harmony was widely spread in the pages of the magazine “Sovetskaya Muzyka” and was opened by A. G. Schnittke’s letter “Develop Harmony Science”, in which famous musicians, composers, researchers and teachers participated.

In the 1980s, two decades later, the musicians again turned to harmony, but from a different angle – the perspective of teaching methods. T. S. Bershadskaya, Z. A. Viesel, B. V. Mozhevelov spoke on this issue. Musicologists have focused their efforts on the question of what should be the forms of learning harmony. Many of the existing practical forms of teaching harmony, used in today’s teaching practice, have found such a wide circulation precisely thanks to the efforts of teachers who have joined their efforts in improving the methods of teaching harmony.

The article discusses a number of issues that are relevant to the study of ways to master the skills of harmonic technology. These include the three-line harmonization technique, playing piano exercises in texture. The textbooks of the last decades of domestic authors are indicated, containing different forms of practical tasks in musical texture.

Keywords: music, theory, texture, harmony, three-line harmonization, sequence.

 

Ельцова Наталья Владимировна

Способы активизации обучения и развития творческого воображения детей на уроках «Слушание музыки»

В данной статье рассматриваются возможные пути оптимизации процесса обучения в курсе «Слушание музыки» в опоре на разработки когнитивной психологии и методику «Теории решений изобретательских задач». Изучение одной из областей психологии – психологии познавательных процессов – или когнитивистики – дает возможность подобрать способы работы с современным музыкальным материалом для включения его в курс. Осознание того, что процессами познания можно осознанно управлять и, самое главное, оптимизировать их – очень важно, так как в век информационных технологий выбор эффективных и действенных способов усвоения нужного материала обеспечивает столь необходимую в наше время «информационную гигиену». Ссылки на лень, непонимание, «дырявую» память учащихся в таком ракурсе организации обучения теперь не правдоподобны, так как непонимание материала детьми и отсутствие навыков самостоятельной работы с ним зачастую результат недейственных «рутинных» методов обучения.

Представленные модели для сознательного решения творческих задач курса «Слушание музыки» помогают соединить в обучении особенности специфики восприятия младшего школьного возраста со сложностью традиционных и новых звуковых решений в творчестве композиторов. Тема статьи актуальна для педагогов, так как музыкально-творческое обучение младших школьников требует применения эффективных приемов овладения знаниями с самостоятельным участием детей в этом процессе.

Ключевые слова: музыкальная педагогика, музыкальная психология, когнитивистика, методика, обучение, воображение.

 

Eltsova Natalia Vladimirovna

Ways to improve learning and develop creative imagination of children in the course “Listening to music”

This article discusses possible ways to optimize the learning process in the course “Listening to music”, based on the development of cognitive psychology and the methodology “Theories of solving inventive problems”. The study of the psychology of cognitive processes helps to choose certain ways of working with modern musical material to include it in the course. The perception of the fact that processes of knowledge are manageable deliberately, and the most important thing is to optimize them, as the choice of effective and efficient means of the mastering needed area of knowledge provides such an essential “informational hygiene” in our modern time, in the age of IT. The excuses towards laziness non-understanding, absent-mindedness of the young students in such an approach to the study implementing are not proved from now on, as non-understanding of the matters by children and the lacks of skills of the independent seatwork with the matters are often the results of the non-efficient “routine” means of teaching.

The shown patterns for the conscious solving of the creative tasks in the course “Listening to music” help put together in teaching the characteristic peculiarities of perception at the primary school ages with the complexity of the traditional and modern sound solutions in the composes’ creative work. This theme of the article might be relevant to schoolmasters as the both musical and creative education of children demands the knowledge’s mastering effective techniques, together with the independent participation of children in this process. The presented models for the conscious solution of creative tasks help to combine in the learning processthe primary school age children’s perception specifics with the complexity of traditional and new sound solutions in the work of composers.

Keywords: musical pedagogy, musical psychology, cognitive science, teaching techniques, training, imagination.