Выпуск № 3 (25) 2019

Аннотации и ключевые слова

О. Бюзинг

Модест Мусоргский, указывающий путь в XX век

Как известно, музыка XX и XXI в. характеризуется плюрализмом. Его многочисленные пути развития в значительной степени связаны с ситуациями потрясений и обновлений, которые происходили в период до 1900 г.

Среди композиторов, которые дали импульс последующим преобразованиям, – Клод Дебюсси, Эрик Сати, Александр Скрябин, Чарльз Айвс, Арнольд Шенберг и Игорь Стравинский, – но самым ранним из них был Модест Мусоргский, чьи новаторские заслуги часто принимаются не более чем как что-то само собой разумеющееся. В своих произведениях Ночь на Лысой горе (1867), Борис Годунов (первая версия – 1869) и Картинки с выставки (1874) Мусоргский на довольно раннем этапе истории музыки совершил последовательные новаторства в искусстве композиции, включая две категории, ведущие в будущее: сосредоточение внимания на отдельно взятой категории звук (например, Ночь [на Лысой горе], Борис [Годунов], Картинки [с выставки]) и отклонения от идей, считавшихся абсолютно неприкосновенными с XV в., таких как отход от использования самостоятельных [мелодических] линий (Realstimmigkeit) путем применения параллельных октав и квинт и / или широкое использование парафонии, как, например, в «Прогулке», «Балете невылупившихся птенцов» и «Гноме» из Картинок с выставки. В этих произведениях Мусоргский породил события, которые затем имели долгую последующую историю.

Ключевые слова: Модест Мусоргский, звук, «Ночь на Лысой горе», «Борис Годунов», «Картинки с выставки», XX и XXI в.

O. Büsing

Modest Musorgskij as a Signpost into the 20th Century

As is generally known, the music of the 20th and 21st centuries is characterized by pluralism. Its manifold threads of development can largely be traced back to situations of upheaval and renewal that arose around and prior to 1900.

Among the composers from whom impulses towards elementary transformations issued forth at this time are Claude Debussy, Erik Satie, Aleksandr Scriabin, Charles Ives, Arnold Schцnberg, and Igor Stravinskij – but the earliest one was Modest Musorgskij, whose trail-blazing work is often accorded no more than a mere side glance. In his works A Night on Bare Mountain (1867), Boris Godunov (first version dating from 1869), and Pictures at an Exhibition (1874), Musorgskij executed, at a very early moment in musical history, elementary turning points in the art of composing which comprise two categories leading into the future: focusing on isolated sounds (for instance Night, Boris, Pictures) and deviations from ideas considered categorically inviolable since the 15th century such as departing from the use of independent lines (Realstimmigkeit) by utilizing parallel octaves and fifths, for instance, and/or broad usage of paraphony, as in «Promenade», «Ballet of Unhatched Chicks» and «The Gnome» from Pictures at an Exhibition. In these works, Musorgskij gave rise to developments which were to have a history of lengthy continuation.

Keywords: Modest Musorgskij, sound, “A Night on Bare Mountain”, “Boris Godunov”, “Pictures at an Exhibition”, the 20th and 21st centuries.

Г. Н. Пешкова

Балет в творческом наследии А. Алябьева

В статье развивается мысль о значении художественных идей А. Алябьева, связанных с его представлениями о выразительных возможностях музыки в балете – ведущем жанре русского музыкального театра первых десятилетий XIX в. Музыкальная партитура «Волшебного барабана или Следствие Волшебной флейты» – единственного, созданного в этом жанре произведения, выделяется среди разнообразных творческих интересов композитора и рассматривается как высокопрофессиональный художественный текст. Самостоятельность образного содержания, особенности музыкальной драматургии, принципы работы с оркестром расширяют традиционные представления о прикладной функции музыки в балете и поднимают его до жанрового уровня инструментального произведения. Включение балета в контекст творчества Алябьева позволило выявить многообразие стимулов, идущих прежде всего от инструментальной линии. В анализе музыкального текста определяющим становится вопрос о преломлении традиций западноевропейской музыки и конкретных стилевых ориентиров, питавших творческое воображение композитора, о прообразах его музыкального языка, а также истоках инструментального мышления и трактовке циклической формы балета. Подчеркивается закономерность реализации в балете классических сонатно-симфонических представлений, характерных для Алябьева как автора камерно-инструментальных ансамблей и симфоний, как и преломление общеклассицистских норм музыкального мышления в ряде композиционных и драматургических принципов. Итогами исследования являются выводы об Алябьеве как уникальном творческом явлении своего времени, о его балетной музыке как качественно новом этапе в становлении одной из важных, наряду с оперой, жанровых линий отечественного музыкального театра XIX в., и об исключительной роли композитора в формировании национальной музыкально-театральной традиции.

Ключевые слова: история русской музыки, А. Алябьев, балет, инструментальные жанры, стилевые истоки.

G. N. Peshkova

Ballet in the creative heritage of A. Alyabyev

The article develops the idea of the meaning of A. Alyabyev’s artistic ideas, associated with his understanding expressive possibilities of music in ballet – that is the leading genre of Russian musical theater of the first decades in the nineteenth century. Musical score of «The Magic Drum or the Consequence of the Magic Flute «– the only one created in this genre, stands out among a variety of creative interests of the composer and is regarded as highly professional artistic text. Independence of figurative content features of musical drama, principles of working with orchestra extend the traditional understanding of ballet music and raise it to the genre level of instrumental works. Inclusion of ballet to the context of Alyabyev’s work allowed to reveal the diversity of creative incentives that go before everything from the instrumental vision of his work. In the analysis of music the text becomes the determining fact of the breaking traditions of Western European music and specific style landmarks, inspiring the creative imagination of the composer, on the prototypes of his musical language, as well as the origins of instrumental thinking and treatment of the cyclical form of ballet. The pattern of the implementation in the ballet of classical sonata-symphonic performances are emphazised, that are characteristic for Alyabiev as the author of chamber-instrumental ensembles and symphonies, as well as the refraction of general classical norms in musical thinking in a number of his compositional and dramatic  principles. The study results in the conclusions about Alyabyev as a unique creative phenomenon of his time, of his ballet music as a truely new stage in becoming one of the important, along with the opera genre lines of national musical theater in the XIX century, and of the composer’s exceptional role in the formation of the national musical and theatrical traditions.

Keywords: history of Russian music, A. Alyabyev, ballet, instrumental genres, style origins.

 

Г. А. Демешко

От «Хорошо темперированного клавира» И. С. Баха к большим полифоническим циклам ХХ в. на примере «Речитативов и фуг» А. Хачатуряна)

XX в. – эпоха повышенного интереса к жанру большого полифонического цикла, родоначальником которого является «Хорошо темперированный клавир» (ХТК) Баха. Три наиболее известные его реконструкции (циклы П. Хиндемита, Д. Шостаковича и Р. Щедрина) дополняют многочисленные жанровые аналоги различных авторов. В статье анализируются причины столь неожиданного и бурного возрождения этого жанрового «тяжеловеса», на примере семи «Речитативов и фуг» А. Хачатуряна рассматривается вариант его современной модификации.

Автор исходит из следующих установок: а) цикл – жанр особой концептуальной емкости; б) цикличность – не только знак множественного объекта, но и определенный способ художественного познания; в) баховская модель ХТК воспроизводит некий Универсум духовной жизни человека в бесконечном проявлении эмоционального (прелюдия) и рационального (фуга) начал; г) его циклообразующей основой является каталогическая упорядоченность частей посредством хроматического равенства тональностей малых циклов.

В статье отмечается известная близость данной модели полицентричности, многополярности современного мира. Однако в ХХ в. она не столько принимается как данность, сколько по-новому «обсуждается» композиторами различных статусов и школ, в том числе национальных. Анализ показал, что в хачатуряновском цикле: 1) смысловая «дуальность» малого цикла преодолевается усилением эмоциональной составляющей (речитатив как авторское Слово, речь от первого лица); 2) на смену хроматической упорядоченности баховского ХТК у Хачатуряна приходит современный вариант диатоники, зафиксированный числом «7» (количество малых циклов, входящих в большой); 3) метафизичность барочного цикла-каталога дополняется диалектикой новых циклических отношений.

Ключевые слова: «Хорошо темперированный клавир», большой полифонический цикл, малый полифонический цикл, принципы циклизации, каталогичность, семантика жанра, жанровые «клише», звуковысотная организация цикла, диатоника.

G. A. Demeshko

From Bach’s the well-tempered clavier to large polyphonic cycles of the 20th century (by the example of recitatives and fugues composed by Aram Khachaturian)

The 20th century was the time of intense interest in large polyphonic cycles which originated from The Well-Tempered Clavier (WTC) composed by Bach. Numerous reconstructions were created by various composers including the three famous reconstructions by Hindemith, Shostakovich, and Shchedrin. The author analyses the reasons of the surprising and rapid renaissance of this “giant” of the genre and uses Khachaturian’s Seven Recitatives and Fugues as its modern version.

The article is based on the following statements: a) cycle is a genre of a peculiar conceptual content; b) cycles refer not only to a compound object, but to a certain way of artistic cognition; c) Bach’s model of WTC recreated a Universe of spiritual life combining infinite planes of emotions (prelude) and reasons (fugue); d) it is based on a catalogue structure of its parts achieved by using chromatically equal keys in small cycles.

The author emphasizes a known likeness of this model to the polycentric and multipolar model of the modern world. In the 20th century, however, it was not taken for granted, but more often “discussed” from new angles by composers of various statuses and schools, including national ones. The analysis shows that Khachaturian’s cycle has the following peculiarities: 1) the ambivalence of meanings in a small cycle is overcome by the rising intensity of the emotional component (recitative as the author’s Word; first-person narrative); 2) Khachaturian changes the chromatic order of Bach’s WTC to a modern version of diatonicism with a fixed number – “7” (the number of small cycles included into a large one); 3) the metaphysic character of a baroque cycle is complemented with dialectics of new cyclic relations.

Keywords: Well-Tempered Clavier, large polyphonic cycle, small polyphonic cycle, cycle formation principles, catalogue structure, semantics of genre, genre “clichйs”, pitch structure in cycle, diatonics.

С. С. Гончаренко

Три сонатные формы in B: Ф. Шопен, С. Рахманинов, С. Прокофьев (этюд о судьбе главной партии)

В статье изучается вопрос о претворении структурно-семантической модели драматической сонаты в послебетховенский период. Объектом изучения являются три фортепианных произведения: Соната Ф. Шопен № 2, ор. 35, Соната С. Рахманинов № 2, ор. 36 и Соната С. Прокофьев № 7, ор. 83. Сонаты имеют общий тональный центр, драматургическая логика «от мрака к свету» воплощена в них путем движении из b-moll в одноименную тональность B-dur в форме сонатного аллегро или в масштабах цикла.

Актуальность исследования связана с проблемой моделирования в европейской музыке классико-романтической традиции XIX – первой половины XX столетия. Его новизна заключается в выборе парадигмы тональной семантики как основы метода композиторского моделирования сонатной формы и ее циклических функций.

Внимание автора статьи концентрируется на форме сонатного аллегро, которая существенно отличается от классических образцов: в ее репризе отсутствует главная партия. Автор статьи именует ее неполной или редуцированной сонатной формой. В первых частях сонатного цикла Ф. Шопена и С. Прокофьева она отражает незавершенность начального этапа драмы. В финале сонаты С. Рахманинова играет решающую роль в утверждении ее итога. Четырехчастная или трехчастная структура цикла приобретает особую динамику и внутреннюю напряженность.

В статье сравнивается тематический материал трех сонат, выявляются внутренние аргументы интонационного развития в экспозиции и разработке, обусловливающие выпадение главной партии в репризе.

Ключевые слова: музыкальная драматургия, композиционное моделирование, структурно-семантическая модель, редуцированная сонатная форма, главная партия.

S. S. Goncharenko

Three Sonata forms in B: F. Chopin, S. Rachmaninoff, S. Prokofiev (etude on the fate of the main party)

The article studies the dramatic Sonata and its structural-semantic model in the post-Beethoven period. The object of study are the three piano works: F. Chopin Sonata No. 2 op. 35 S. Rachmaninov Sonata № 2 op 36 and the Prokofiev Sonata No. 7 op. 83. Sonatas have a common tonality. The composes embody dramaturgy logic «from darkness to light» by tonal moving from b-moll to the same key B-dur in the form of Sonata Allegro or in the scale of the cycle.

The research relevance is the problem of modeling in European music in XIX – the first half of XX century. Its novelty lies in the choice of the paradigm by tonal semantics as the basis of the method of the Sonata form compositional modeling and its cyclic functions.

The author focuses attention on the Sonata-Allegro form, which differs substantially from the classical examples: the main party is absent in the Reprise. The author of the article calls it incomplete or reduced Sonata form. In the first parts of the Sonata cycle by Chopin and Prokofiev it reflects the incompleteness of the initial stage of the drama. In the finale of the Sonata S. Rachmaninoff it plays a decisive role in the approval of its outcome. The four-part or three-part structure of the cycle acquires a special dynamics and internal tension.

The article compares the thematic material of the three sonatas, reveals the internal arguments of intonation-thematic process in the exposition and development, causing the loss of the main part in the Reprise.

Keywords: music dramaturgy, compositional modeling, structural-semantic model, reduced Sonata form, the main party.

М. Ю. Резникова, А. А. Митрофанова

«Четыре песни для голоса и фортепиано», ор. 27 Р. Штрауса в аспекте художественных литературных направлений Германии рубежа XIX–
XX столетий

Статья посвящена рассмотрению Вокального цикла, ор. 27 Р. Штрауса в аспекте литературных направлений Германии, сформировавшихся на рубеже XIX–XX столетий. Взаимодействие художественных течений этого периода определило специфику литературного пространства Германии и отразило социально-политические взгляды общества. Радикальные перемены художественной системы оказали влияние на формирование эстетических идей в поэзии Карла Фридриха Хенкеля, Генриха Гарта и Джона Генри Маккея – авторов литературных текстов ор. 27.

Отмечается сложность образного плана литературной основы цикла, насыщенная конфликтностью идеального и реального. Принципы поэтики отрицания обыденности свидетельствуют о проявлении неоромантизма, декаданса и воплощены в музыкальном оформлении ор. 27 Р. Штрауса благодаря сочетанию художественно-эстетических новшеств с переосмысленным опытом прошлых эпох. В качестве примеров приведен анализ литературных текстов вокального цикла, даны переводы на русский язык оригинальной поэзии.

К основным результатам исследования относятся выводы о претворении композитором в оp. 27 декадентского мироощущения, характерных черт неоромантизма, заложенных в поэзии, используемой в качестве литературной основы цикла, а также о возникновении нового творческого сознания, которое испытало необходимость в поиске новых художественных средств, адекватных духу времени, меняющимся представлениям в условиях крайнего индивидуализма.

Ключевые слова: Рихард Штраус, Карл Фридрих Хенкель, Генрих Гарт, Джон Генри Маккей, немецкая поэзия.

M. Y. Reznikova, A. A. Mitrofanova

«Four songs for voice and piano», op. 27 R. Strauss in the aspect of the artistic, literary destinations Germany of the turn of XIX–XX centuries

The Article is devoted to the consideration of the vocal cycle op. 27 R. Strauss in the aspect of the literary directions of Germany, created at a turn of the XIX–XX centuries. The Interaction of art currents of this period defined specifics of literary space of Germany and reflected socio-political views of the society. Sweeping changes of an art system had an impact on formation of the esthetic ideas in Karl Friedrich Henkel, Heinrich Garth and John Henry Mackay’s poetry – authors of literary texts the op. 27.

The complexity of the figurative plan of a literary basis of a cycle sated with conflictness ideal and real is noted. The principles of poetics of denial of the ordinary demonstrate manifestation of neo-romanticism and a decadence and find the embodiment in musical registration the op. 27 R. Strauss thanks to a combination of artistic and esthetic innovations to the rethought experience of last eras. The analysis of sources of literary texts of a vocal cycle is provided as examples, the translations into Russian of original poetry are given.

Conclusions about realization in op. 27 of decadent attitude implemented by the composer, the characteristic features of neo-romanticism put in the poetry used as a literary basis of a cycle and also about emergence of new creative consciousness which felt the necessity for search of the new art means adequate to a spirit of the age, to the changing representations in the conditions of extreme individualism belong to the main results of a research.

Keywords: Richard Strauss, Karl Friedrich Henkel, Heinrich Garth, John Henry Mackay, German poetry.

Е. Н. Пирязева

Нотация в современной музыке: эволюция способов фиксации

В музыкальном искусстве ХХ в. происходят радикальные перемены. Они приводят к переосмыслению явлений художественно-эстетической культуры, обогащенных взаимодействием разных стилей и жанров, создаваемых на основе новой музыкальной системы. В XXI в. усиливаются тенденции, намеченные в ХХ в., что связано с возрастающим влиянием научно-технического прогресса на все сферы жизни человека. Современная музыка, испытывая на себе значительное воздействие информационных технологий, меняет отношение к концепции музыкально-творческого сознания, пересматривает эстетические, синтаксические и языковые аспекты композиционных принципов, вырабатывая новые механизмы создания и восприятия художественно-образного мира сочинения. Особое значение приобретают представления о звуке и развернутое изучение его структуры. Описанные тенденции определяют изменения, происходящие в музыкальной нотации. Они затрагивают продолжающуюся индивидуализацию нотной записи, возрастания ее графических и семантических ресурсов.

Поиски способов нотации электронной музыки ведутся параллельно с экспериментами, проводимыми в этой области искусства. Письменная фиксация электронных сочинений постоянно трансформируется, находясь в зависимости от непрекращающегося технического прогресса. Помимо сонограмм, спектрограмм разрабатываются компьютерные программы, записывающие электронную музыку. Все большее развитие получают интерактивные композиции, способы записи которых могут быть самыми неожиданными и передаваться с помощью iPad.

Ключевые слова: нотация, электронная музыка, алгоритмическая композиция, современное искусство, музыкальный стиль, композиция.

E. N. Piryazeva

Notation in contemporary music: evolution of ways of fixing

There are radical changes in the musical art of the twentieth century. They lead to a rethinking of the phenomena of artistic and aesthetic culture, enriched by the interaction of different styles and genres created on the basis of the new musical system. The trends of the XXI century are intensifying in the twentieth century. This is due to the increasing influence of scientific and technological progress in all spheres of human life. Contemporary music, experiencing a significant impact of information technology, changes the attitude to the concept of musical and creative consciousness, revises the aesthetic, syntactic and linguistic aspects of the compositional principles, developing new mechanisms for the creation and perception of the artistic and imaginative world of composition. The concepts of sound and a detailed study of its microstructure are acquiring particular importance. The trends described above to determine the changes that occur in music notation. They affect the ongoing individualization of musical notation, increasing its graphic and semantic resources.

The search for ways to notate electronic music is conducted in parallel with the experiments conducted in this field of art. Written fixation of electronic works is constantly transformed, depending on the ongoing technological progress. In addition to sonograms, spectrograms are developed computer programs that record electronic music. Interactive compositions are increasingly being developed, the recording methods of which can be the most unexpected and can be transmitted using the iPad.

Keywords: notation, electronic music, algorithmic composition, contemporary art, musical style, composition.

Ю. В. Антипова

Духовые инструменты в современной массовой музыке: некоторые аспекты изучения

В статье представлен ряд основных стилей массовой музыки – джаз, джаз-рок, различные этно-формации (в том числе балканский стиль), ска-панк, в которых роль духовых инструментов довольно значима и даже первостепенна, что имеет исторические, культурные, социальные предпосылки. Доказано, что дионисийская (демократическая, антигламурная) сущность духовых наиболее убедительно раскрывает себя в военной (армейские духовые оркестры) и развлекательной музыке (уличные, эстрадные ансамбли и брасс-бенды). Особое значение духовые инструменты обретают в отечественной рок-музыке (так называемый «русский рок»), где симбиоз блатной песни, панка, балканского бита порождает особый анархичный настрой. Вместе с тем серьезную смысловую нагрузку духовых демонстрируют музыканты легендарной российской группы «ДДТ», где целый ряд композиций включает богатый спектр звучания (архаичные кличи, священные трубные гласы, скоморошье ерничанье и др.). Активное задействование духовых инструментов, как правило, указывает на «неформатный» – в контексте современного шоу-бизнеса – статус коллектива, который проповедует идеологию сопротивления мировому музыкальному мейнстриму (поп-музыке), маргинальные взгляды (культ антиистеблишмента и нематериальных ценностей), поворот к исконным, корневым постулатам простонародной жизни, живому, одухотворенному звучанию музыки.

Ключевые слова: уличные оркестры, джаз, рок-музыка, балканский стиль, брасс, группа «ДДТ».

Y. V. Antipova

Wind instruments in modern mass music: some aspects of the study

The article presents a number of basic styles of mass music – jazz, jazz-rock, various ethnic formations (including Balkan style), ska-punk, in which the role of wind instruments is quite significant and even paramount, which has historical cultural, social background. It is proved that the Dionysian (democratic, anti-glamorous) essence of wind instruments most convincingly reveals itself in military (army brass bands) and entertainment music (street, pop ensembles and brass bands). Wind instruments are of particular importance in Russian rock music (the so-called “Russian rock”), where the symbiosis of a thieves’ songs, punk, Balkan beat creates a special anarchic attitude. At the same time, the musicians of the legendary Russian group “DDT” demonstrate a serious sense of brass, where a number of compositions include a wide range of sounds (archaic cries, sacred trumpet sounds, buffoon, etc.). The active use of wind instruments, as a rule, points to the “unformatted” – in the context of modern show business – status of a collective that preaches the ideology of resistance to world music mainstream (pop music), marginal views (the cult of anti-establishment and intangible values), a turn to the primordial, root tenets of the common life, to living, inspired sound of music.

Keywords: street orchestras, jazz, rock music, Balkan style, breaststroke, the group «DDT».

С. Н. Лосева

Синестетичность в структуре музыкальной одаренности и ее связь с музыкальным текстом

В статье рассмотрен феномен музыкальной одаренности и ее взаимосвязь с осмыслением музыкального текста в композиторском творчестве. В исследовании музыкальной одаренности выявлена структура, состоящая из четырех основных компонентов – музыкального, интеллектуального, креативного и духовного. Синестетичность представляется установленным свойством музыкального мышления и позиционируется как характерная составляющая музыкальной одаренности (качества творческой композиторской деятельности). Она функционирует как центральная целостная линия межчувственных ассоциаций в музыкальной одаренности, активно интегрируя структурные компоненты музыкальной одаренности.

Для формирования модели взаимосвязи синестетичности в структуре музыкальной одаренности и музыкального текста основой исследования избрана синестетическая проективная модель музыкально-художественного сознания, предложенная Н. Коляденко. В статье синестетичность определяется как психологическое качество в структуре музыкальной одаренности при ее взаимодействии с конкретной областью наиболее продуктивного применения конечного продукта творения композиторов – музыкальным текстом, состоящим из трех уровней – фонического, интонационного и композиционного. Показано, что синестетичность участвует в интеграции психических процессов в структурных компонентах музыкальной одаренности и корреляции музыкальной одаренности с уровнями музыкального текста.

Ключевые слова: синестетичность, музыкальная одаренность, уровни музыкального текста, музыкальность, духовность, креативность, интеллект.

S. N. Loseva

The relationship of synesthetics in the structure of musical talent and musical text

The article discusses the phenomenon of musical endowments and its relationship with the synesthetic understanding of the musical text in the composer’s work. The study of musical talent conducted by the author revealed a structure consisting of four main components – musical, intellectual, creative and spiritual. Synesthetics is an established property of musical thinking and can be recognized as a characteristic component of musical talent as a quality of creative composing activity. It functions as a central holistic line of intersensual associations in musical talent, actively integrating the structural components of musical talent. For the formation of a model of the relationship of synesthetics in the structure of musical talent and musical text, the basis of the study was the chosen “map of consciousness”, first considered in musicology by N. P. Ko-lyadenko. In the article, synaesthetics is defined as the psychological quality in the structure of musical talent in the interaction of a specific area of the most productive application of the final product of the composers’ creation – the musical text. In the complex holistic system of musical text, with various levels of meaning generated by intersecting and exchanging energy, there are three scale-time levels: timbre-phonic, intonational-dramatic, structural-compositional. In the structure of musical talent of composers, musical text serves as one of the components of the model of musical talent, and synesthetics participates in the integration of mental processes in the structural components of musical talent.

Keywords: synaesthetics, musical talent, levels of musical text, musicality, spirituality, creativity, intellect.

Е. О. Предвечнова

К вопросу об исполнительском стиле Н. К. Метнера-пианиста

Статья посвящена фортепианному творчеству Н. К. Метнера в контексте русской музыкальной культуры рубежа XIX–XX вв. На основе трудов Е. Б. Долинской, Д. В. Житомирского, И. З. Зетеля о личности и творчестве композитора, а также работ А. Д. Алексеева, Н. С. Бажанова, Е. Г. Гуренко, посвященных фортепианному исполнительству, раскрываются особенности стиля Н. К. Метнера-пианиста. Аксиологический ракурс исследования выявляется посредством художественно-эстетических взглядов композитора на современное искусство, представленных в диалогах с И. А. Ильиным и С. В. Рахманиновым, книге «Муза и мода». Рассмотрены черты исполнительского стиля Н. К. Метнера – философичность, символичность, графичность, декламационность, обусловленные влиянием русской и немецкой культур. Изучена специфика  исполнительского репертуара Н. К. Метнера, в котором особое место занимает творчество русских (А. Г. Рубинштейн, С. В. Рахманинов) и немецких (Л. Бетховен, Р. Шуман) композиторов, а также собственные произведения. Проводится сравнение исполнительских стилей Н. К. Метнера, С. В. Рахманинова и А. Н. Скрябина. Представлены исполнительские рекомендации Н. К. Метнера, изложенные в книге «Повседневная работа пианиста и композитора».

Ключевые слова: Н. К. Метнер, фортепианное творчество, исполнительский стиль, фортепианное искусство, фортепианный репертуар.

E. O. Predvechnova

To a question about the performing style of N. K. Medtner-pianist

The article is devoted to piano creativity of N. K. Medtner in the context of Russian musical culture of the XIX–XX centuries. On the basis of the works by E. B. Dolinskaya, D. V. Zhytomirsky, I. Z. Zetel about the composer’s personality and creativity, the works of A. D. Alekseev, N. S. Bazhanov, E. G. Gurenko, about piano performance revealed the features of style of N. K. Medtner-pianist. The axiological perspective of the research is revealed through the artistic and aesthetic views of the composer on contemporary art, presented in dialogues with I. A. Ilyin and S. V. Rachmaninoff, the book «Muse and fashion». The features of the performing style N. K. Medtner – philosophical, symbolism, graphic, declamation, due to the influence of Russian and German cultures. Revealed specificity of performing repertoire of N. K. Medtner, in which a special place is the work of russian (A. G. Rubinstein, S. V. Rachmaninov) and german (L. Beethoven, R. Schumann) composers, and his own works. Differences of performing styles of N. K. Medtner, S. V. Rachmaninoff and A. N. Scriabin. Considered performing H. K. Medtner presented in book «The daily work of the pianist and composer».

Keywords: N. K. Medtner, piano creativity, performing style, piano art, piano repertoire.

О. А. Светлова, И. Р. Хананов

Некоторые особенности фортепианного письма Фридерика Шопена (опыт феноменологической характеристики)

В статье предпринята попытка характеристики некоторых особенностей фортепианного письма Фридерика Шопена в рамках феноменологической концепции. Метод характеристики основывается на понятийном аппарате философской школы Эдмунда Гуссерля, определяющем феноменологию как эйдетическую (в противовес опытным) науку и как учение о структурах чистого сознания. Соответственно нотный текст понимается как концентрат интенциональных усилий автора и исполнителя, направленных на музыкальное становление. В российском музыкознании метод был успешно применен ранее М. А. Аркадьевым, и основное феноменологическое разграничение на «звучащую» и «незвучащую» основы музыки имеет в контексте характеристики решающий характер. Наряду с созданием многоуровневого экспрессивно-пульсационного континуума и усилиями воли, направленными на музыкальное время-становление (получающими воплощение в «принципе многопорядковой организации звучащей материи») в статье обозначается иной вид интенции сознания, связанный с двигательным, осязательным аспектом взаимодействия с инструментом (в свою очередь, воплощающимся как «принцип абсолютной кантилены»). Принципиальное отличие мелодических контуров шопеновских построений от сочинений современников и предшественников позволяет говорить о «манере Шопена» и делает возможным употребление, применимо к музыке, гуссерлианского понятия усмотрения сущности. На основе анализа фрагмента Larghetto из фортепианного концерта e-moll, op. 11 авторами делаются выводы о необходимости наличия, при исполнении Шопена, интенции сознания особого уровня, существенно отличной от той, которая требуется для работы исполнителя над произведениями доромантической традиции.

Ключевые слова: Ф. Шопен, феноменологический метод, М. А. Аркадьев, кантилена, фортепианное письмо, хроноартикуляционный процесс, экспрессивно-пульсационный континуум.

O. A. Svetlova, I. R. Khananov

Some features of the piano writing of Frederick Chopin (experience the phenomenological characteristics)

In the present article an attempt is made to characterize some features of Frederic Chopin’s piano writing within the framework of the phenom-nological concept. The method of characterization is based on the conceptual apparatus of the philosophical school of Edmund Husserl, which defines phenomenology as eidetic (as opposed to experimental) science and as the doctrine of the structures of pure consciousness. Accordingly the musical text is understood as a concentrate of intentional efforts of the author and the performer aimed at musical formation. In Russian musicology this method was successfully applied earlier by M. A. Arkadiev, and the main phenomenological distinction between «sounding» and «non-sounding» fundamentals of music has a decisive character in the context of characteristics. Along with the creation of a multi-level expressive-pulsating continuum and the efforts of the will aimed at musical time-formation (embodied in the «principle of multi-order organization of sounding matter»), the article denotes a different kind of intention of consciousness associated with the motor, tactile aspect of interaction with the instrument (in turn, embodied as the «principle of absolute cantilena»). The fundamental difference between the melodic contours of Chopin’s constructions and the works of contemporaries and predecessors allows us to speak about the «Chopin’s manner» and makes possible the use, applicable to music, of the Husserlian concept of the discretion of essence. Based on the analysis of a fragment of Larghetto from the Piano concerto e-moll, op. 11 the authors draw conclusions about the need for the presence, in the performance of Chopin, the intention of consciousness of a special level, significantly different from that required for the work of the artist on the works of the pre-romantic tradition.

Keywords: F. Chopin, the phenomenological method, M. A. Arkadiev, cantilena, piano letter, chrono-articulation process, expressive pulsating continuum.

А. В. Гвоздев

Некоторые психофизиологические факторы скрипичной техники

В статье рассматривается совокупность игровых ощущений музыканта как один из компонентов психофизиологических основ его исполнительского аппарата. Ощущения, о которых идет речь, активно и продуктивно проявляют себя в области интерпретации, оказывая влияние на формирование и воплощение творческого замысла. Не менее значимо их воздействие на технические слагаемые мастерства. В число анализируемых проблем входят: 1) слуховые ощущения, восприятия и представления; 2) исполнительский тонус скрипача; 3) двигательные ощущения, связанные с организацией и функционированием моторной сферы; 4) «звуковые» ощущения или «чувство звука».

Рационально воспитанный исполнительский тонус создает надежные «материальные» предпосылки для успешного решения многообразных профессиональных задач. Двигательные ощущения – это фундамент, на котором зиждется вся скрипичная техника. «Чувство звука» оказывает существенное влияние на художественный результат применяемых инструментальных приемов и навыков. Слуховая сфера музыканта обеспечивает творческо-исполнительскую деятельность как в широком, концептуальном плане, так и в области ее технической реализации. В статье обосновывается тезис о целостном характере взаимодействия указанных игровых ощущений в качестве составных элементов единого механизма.

Ключевые слова: скрипичная техника, слуховые ощущения (восприятия, представления), исполнительский тонус, двигательные и «звуковые» ощущения, ассоциация ощущений.

A. V. Gvozdev

Some psychophysiological factors of the performance technique of a violinist

The article investigates the combination of sensations of a musician as one of the components of the psychophysiological basis of his performance technique. The sensations, considered in the article, are revealed effectively and productively not only in the interpretation area, where they influence the formation and realization of a creative concept. Their influence on technical components of proficiency is just as important. The following problems are analyzed: 1) hearing sensations, perceptions and images; 2) performance tone of a violinist; 3) motorial sensations, related to the organization and functioning of the motor area; 4) «sound» sensations or “sense of sound”.

Rationally schooled performing tone makes sustainable “material” preconditions for successful solving of various professional tasks. Motorial sensations –are the foundation, where the violin technique rests on. The “Sense of sound” makes substantial influence on the artistic result of implied instrumental techniques and skills. The hearing sphere of the musician provides realization of creative and performing activity not only in the wide, conventional layout, but also in the sphere of its technical realization. The article justifies the thesis of a coherent interaction of those performance sensations as the components of an indivisible mechanism.

Keywords: violin technique, hearing sensations (perceptions, images), performance tone, motorial and «sound» sensations, association of sensations.

О. Н. Гудожникова

Творческое сотрудничество композиторов и исполнителей в сонатах для виолончели и фортепиано

В статье рассматривается роль творческого сотрудничества композиторов и исполнителей в эволюции жанра сонаты для виолончели и фортепиано. Акцентируется внимание на том, что появление большого количества многообразных образцов жанра было связано с расцветом и достижениями исполнительского искусства, появлением выдающихся музыкантов своей эпохи, а также сотворческой направленностью их деятельности. Проанализированы формы и характер совместной работы в процессе создания произведений. Творческая работа композиторов и исполнителей включала как прямую инициацию создания сочинений в данном жанре, так и дальнейшую работу над текстом с учетом виолончельной специфики. В статье отмечена особая роль Мстислава Ростроповича в истории не только жанра, но и всего виолончельного искусства в ХХ в. Рассматриваются некоторые моменты его совместной работы с С. Прокофьевым, Д. Кабалевским, Э. Мирзояном в процессе создания виолончельных сонат. Отмечаются особенности произведений, обусловленные влиянием исполнительского стиля М. Ростроповича.

Результаты согласованной работы исполнителей и композиторов проявились в следующих моментах: яркая исполнительская манера выдающихся музыкантов вызвала интерес многих композиторов к творчеству для виолончели, а также оказала влияние на стиль многих сочинений. В то же время, художественные поиски композиторов инициировали раскрытие виртуозных возможностей академического инструментария и дальнейшее развитие жанра сонаты для виолончели и фортепиано в целом.

Ключевые слова: сотворчество композиторов и исполнителей, соната для виолончели и фортепиано, эволюция жанра, М. Ростропович, исполнительский стиль.

O. N. Gudozhnikova

Creative collaboration of composers and performers
in sonatas for violoncello and piano

The presented article examines the role of the creative collaboration of composers and performers in the evolution of the genre of sonata for the cello and piano. The author points out that appearance of the great quantity of diverse samples of the genre was connected with the golden age and achievements of performing art, appearance of the outstanding musicians of their epoch, as well as with co-creative leaning upon their activities. The forms and character of the collaboration in the process of composing works have been analyzed. The composers’ and performers’ creative work comprised both direct initiative of making sonatas in this genre and further work at the text taking into consideration the cello specific features. It is stressed that Mstislav Rostropovich played a particular role not only in the history of the genre but the whole cello art in XX century. The author considers some moments of his collaborated work with S. Prokofiyev, D. Kabalevsky, E. Mirzoyan in the process of creating cello sonatas. It is stated that the peculiarities of the works were influenced by M. Rostropovich’s style.

The results of the co-ordinate work of performers and composers were displayed in the following: the performing manner of the outstanding violoncello players influenced the style of numerous compositions; at the same time the artistic searches of the composers initiated revealing of the virtuous possibilities of the academic instruments performance and further development of the sonata genre for the cello and piano on the whole.

Keywords: collaboration of composers and performers, sonata for the cello and piano, genre evolution, M. Rostropovich, performing style.

Н. Н. Покровская

Постановка рук арфиста как процесс звукоизвлечения

Статья посвящена вопросам методики обучения игре на арфе. Это вызвано не только крайней скудостью методической базы инструмента, в которой насчитывается лишь около 10 работ по методике, изданных на русском языке. В работах Н. Г. Парфёнова (1927), М. П. Мчеделова (1960 и 1973), К. А. Эрдели (1967), М. А. Рубина (1973), В. Г. Дуловой (1975), К. К. Сараджева (2001), Н. Н. Покровской (2012) освещены особенности русской арфовой школы, созданной по методу А.И. Слепушкина в начале ХХ в. Из них только публикации Парфёнова, Рубина и Покровской чисто методические. В трудах других авторов наряду с историей инструмента, общемузыкальными вопросами и мемуарами уделено место и методике.

Автора статьи насторожила противоречивость в трактовке некоторыми ведущими педагогами-арфистами основных положений постановочных принципов русской арфовой школы, впервые в 1927 г. ясно изложенных в публикации ученика великого русского арфиста Н. Г. Парфёнова «Техника игры на арфе. Метод проф. А. И. Слепушкина». Эта противоречивость заметно проступила уже в редакции М. П. Мчеделова, выпущенной им «Школы…» под именем Н. Г. Парфёнова и 1960 и в 1973 гг. Кроме того, ключевые сегменты обучения, связанные с пониманием термина «постановка в широком смысле слова», с движениями в цепочке «плечо – рука – предплечье – локоть – запястье – кисть – палец» в переходные моменты игры, остаются до сих пор не разработанными. Это также вопросы о возникновении напряжения в разных частях игрового аппарата учащихся, предупреждения и исправления постановочных ошибок и др.

В пределах одной статьи проблемы, названные в ней, не решить. Поэтому задачами автора статьи были побудить арфистов-педагогов критически отнестись к некоторым методическим изданиям и привлечь их внимание к самостоятельной методической разработке «болевых» вопросов обучения игре на арфе.

Ключевые слова: арфа, А. И. Слепушкин, русская арфовая школа, методика обучения, методические издания, звукоизвлечение.

N. N. Pokrovskaya

Setting the hands of the harpist as a process of sound production

The article is devoted to the methods of teaching the harp. This is not only due to the extreme scarcity of the methodological base of the tool, which has only about 10 works on the methodology published in Russian. In the works by N. G. Parfenov (1927), M. P. Mchedelov (1960 and 1973), K. A. Erdelyi (1967), M. A. Rubin (1973), V. G. Dulova (1975), K. K. Sarajev (2001), N. N. Pokrovskaya (2012) highlight the features of the Russian harp school, created by the method of A. I. Slepushkin in the early XX century. Of these, only the publications of Parfenov, Rubin and Pokrovskaya are purely methodical. In the works of other authors, along with the history of the instrument, general musical issues and memoirs, a place and methodology is given.

The author was concerned about the inconsistency in the interpretation of the some leading harp teachers of the main provisions of staging principles in the Russian harp school for the first time in 1927 made clear in the publication by disciple of the great Russian harpist N. G. Parfenov «The technique of playing the harp. The method by Prof. I. I. Slepushkin». This contradiction has already appeared in the editorial office of M. P. Mchedelov released his school under the name of N. D. Parfenov in 1960 and in 1973. In addition, the key segments of training related to the understanding of the term «statement in the broad sense of the word», with movements in the chain «shoulder – arm – forearm – elbow – wrist – hand – finger» in the transitional moments of the game, are still not developed. These are also questions about the emergence of tension in different parts of the game apparatus of students, issues of prevention and correction of staged errors, etc.

Within one article, the problem is named it can not be solved. Therefore, the author’s tasks were to encourage harpists-teachers to take a critical view of some methodological publications and draw their attention to the independent methodological development of «painful» issues of learning to play the harp.

Keywords: harp, A. I. Slepushkin, Russian harp school, teaching methods, methodical publications, sound production.

А. М. Максимова

Композиторы-караимы в истории русской музыки конца XIX – первой половины XX в.

Статья посвящена композиторам-караимам XIX–XXI вв. – С. М. Майкапару, А. М. Айвазу, В. Г. Иванову-Капону. На фоне опубликованных биографических материалов их композиторское творчество все еще остается без исследовательского внимания. При этом своей творческой деятельностью авторы сформировали самобытную ветвь русской композиторской школы. В этом видится актуальность статьи – необходимость всестороннего изучения жизни и творчества названных композиторов-караимов. В статье прослеживаются нити преемственности в творчестве обозначенных композиторов на уровне тематики их сочинений – ведущими становятся тема малой Родины и детства. В творчестве Майкапара тема малой Родины не очень выражена, но ярко представлена в сочинениях Айваза. В его сочинениях сильны традиции петербургской композиторской школы с ее исканиями в сфере народной музыки и представлениями о музыке Востока, сложившимися в творчестве композиторов-кучкистов. У Иванова-Капона данная тема воплощается посредством обращения к фольклорным основам музыкальной культуры караимов, что делает его творчество созвучным стилевому движению новой фольклорной волны. Тема детства, ярко выраженная в творчестве Майкапара и Айваза, у Иванова-Капона воплотилась своеобразно – в его деятельности в качестве композитора для детско-юношеского ансамбля «Фидан».

Ключевые слова: караимы, С. М. Майкапар, А. М. Айваз, В. Г. Иванов-Капон, преемственность, тема малой Родины, тема детства.

A. M. Maksimova

Composers-Karaites in the history of Russian music
of the late XIX – first half of XX century

The article is dedicated to Karaite composers of the XIX–XXI centuries – S. M. Maykapar, A. M. Ayvaz, V. G. Ivanov-Kapon. Against the background of published biographical materials, their compositional work is still left without research attention. At the same time, by their creative activity, the named authors formed the original branch of the Russian school of composition. This seems to be the relevance of the article – the need for a comprehensive study of the life and work of these Karaite composers. The article traces the threads of continuity in the works of designated composers at the level of the subject of their compositions – the themes of the Small Homeland and the theme of childhood become the leading ones. In the work of Maykapar the theme of the small Motherland is not very pronounced, but is vividly represented in the works of Ayvaz. In his compositions, the traditions of the Petersburg composer school with its quest in the field of folk music and the ideas about the music of the east that have developed in the works of composers from the Mighty handful are strong. In Ivanov-Kapon, this theme is embodied by referring to the folklore fundamentals of the Karaite musical culture, which makes his work in harmony with the stylistic movement of the new folklore wave. The theme of childhood, clearly expressed in the work of Maykapar and Aivaz, was embodied in Ivanov-Kapon in a peculiar way – in his work as a composer for the children’s and youth ensemble «Fidan».

Keywords: Karaites, S. M. Maikapar, A. M. Aivaz, V. G. Ivanov-Kapon, continuity, the theme of a small homeland, the theme of childhood.

М. Ю. Дубровская

К исследованию провинциальной музыкальной жизни в уездных городах Крымского полуострова
(на примере Ялты и Евпатории)

В статье впервые представлены некоторые результаты сравнительного исследования явлений формирования академической музыкальной жизни и образования в последнюю четверть XIX – начале ХХ вв. в двух провинциальных уездных городах юга Таврической губернии: Ялте и Евпатории. В опоре на подходы российского гуманитарного знания, исследования и публикации крымских авторов и собственные изыскания автора осуществляется выявление разительных отличий базисных для развития академической музыкальной культуры элементов в Ялте и Евпатории. В их числе наличие в Ялте отделения ИРМО и отсутствие такового в Евпатории, различный количественный и этнический состав населения двух городов, приоритетность и соответственно благоустроенность курортной зоны Ялты в сравнении с Евпаторией, количественное и качественное преобладание в Ялте гастролеров – корифеев столичной музыкальной жизни. Однако данные отличия не умаляют достижений музыкальной культуры Евпатории, которая развивалась в иной плоскости (силами представителей коренных народов Крыма). Рассмотрение двух феноменов уездной музыкальной культуры Юга дореволюционной России в исторической перспективе позволило сделать вывод о немалом значении и Ялты, и Евпатории в формировании в Крыму профессионального композиторского творчества не только русского, но и иного национального генезиса в силу доминирования в Евпатории этнических традиций коренных народов Крыма, в частности, караимов и греков.

Ключевые слова: провинциальная музыкальная жизнь Юга Таврической губернии, последняя четверть XIX – начало ХХ вв., уездные города Крыма, Ялта, Евпатория, ИРМО, коренные народы, различия в исходных позициях формирования академической музыкальной культуры.

M. Y. Dubrovskaya

To the study of provincial musical life in the сounty towns of the Crimean Peninsula (by the example of Yalta and Evpatoria)

The article for the first time presents some comparative study results of the phenomena of the academic musical life and education formation in the last quarter of the XIX – early XX centuries in two provincial сounty towns of the South Taurida province: Yalta and Evpatoria. Based on the approaches of Russian humanitarian knowledge, research and publications by Crimean authors and the author’s own research, the author identifies striking differences in the basic elements for the development of academic musical culture in Yalta and Evpatoria. Among them: the presence in Yalta branch of the Imperial Russian music society and the lack of such in Evpatoria, different quantitative and ethnic composition of the population of the two cities, priority and, accordingly, the well-being of the resort area of Yalta in comparison with Evpatoria, quantitative and qualitative prevalence in Yalta of guest performers – luminaries of the capital’s musical life. However, these differences do not detract from the achievements of musical culture of Evpatoria, which developed in a different plane: the development of academic musical culture by representatives of the indigenous peoples of the Crimea. The consideration of two phenomena of the County musical culture of the South of pre-revolutionary Russia in the historical perspective allowed to draw a conclusion about the importance of Yalta and Evpatoria in the formation of professional composer’s creativity in Crimea not only Russian, but also other national genesis owing to domination in Evpatoria of ethnic traditions of indigenous peoples of the Crimea, in particular, Karaites and Greeks.

Keywords: provincial musical life of the South of Taurida province, the last quarter of the XIX – early XX centuries, county towns of Crimea, Yalta, Evpatoria, Imperial Russian musical society, indigenous peoples, differences in the initial positions of the formation of academic musical culture.

Д. В. Казанцева

Гимнографический комплекс святителю Филиппу митрополиту Московскому

В настоящей статье рассматривается гимнографический комплекс, посвященный митрополиту Московскому и всея Руси Филиппу, становление агиографии которому до сих пор оставляет много вопросов. В связи с этим затрагиваются вопросы, связанные с датой канонизации святителя Филиппа, временем сложения жития и составления службы, а также ее певческого воплощения. Исследователями установлено, что певческие списки службы митрополиту Филиппу появляются в середине XVII в. Достаточное количество вариантов музыкального текста службы святителю позволяет осуществить их систематизацию через выяснение точного числа реально существующих певческих редакций и их соотношения между собой. На основании наиболее ранних и репрезентативных списков службы, не переходящих границы XVIII в., были обнаружены две категории гимнографических текстов, среди которых тексты, исполняющиеся на подобен и имеющие самостоятельный напев. Основной материал статьи посвящен выявлению репертуара песнопений службы митрополиту московскому Филиппу. Анализ показал, что комплекс песнопений святителю в выбранных списках представлен в разном объеме. Их сопоставление позволило выделить пять редакций состава службы, отличающихся количеством входящих песнопений – основную, краткую, расширенную, полную, избыточную.

Ключевые слова: митрополит Филипп Московский и всея Руси, знаменный распев, гимнографический комплекс, редакции.

D. V. Kazantseva

Gymnographic complex Saint Philip the Metropolitan of Moscow

This article discusses a hymnographic complex dedicated to Metropolitan of Moscow and All Russia Philip, the establishment of hagiography, which still leaves many questions. In this regard, issues related to the date of canonization of the saint, the time of the addition of his life and compilation of the service, as well as its singing incarnation. To date, researchers have found that the singing lists of the service to Metropolitan Philip appear in the middle of the 17th century. A sufficient number of variants of the musical text of the service to the saint allows for their systematization through finding out the exact number of actually existing singing versions and their correlation among themselves. Based on the earliest and most representative lists of services that did not cross the borders of the 18th century, two categories of hymnographic texts were found, including texts that are performed in a similar manner and have an independent tune. The main material of the article is devoted to identifying the repertoire of chants of the service of Metropolitan Philip of Moscow. The analysis showed that the complex of hymns to the saint in the selected lists is presented in a different volume. Their comparison made it possible to single out five editions of the composition of the service, differing in the number of incoming chants – basic, brief, extended, full, redundant.

Keywords: Metrapolitan of Moscow and All Russia Philip, zmameny chant, gymnographic complex, edition.

С. Г. Тосин

Вопросы современного воспитания и обучения православных звонарей

В советской России традиция колокольного звона во многом была утеряна, но с 1990-х гг. началось ее восстановление. В стране возникли школы звонарей, которых в традиционной культуре не было. Практика обучения в них не подвергалась научному осмыслению. В статье делаются первые шаги в этом направлении.

В исследовании решаются три задачи: 1) воссоздание модели старинного обучения колокольному звону; 2) классификация звонарских школ; 3) освещение основных учебно-методических положений, которые необходимы для современного обучения звонарей.

В старину применялась устная методика обучения звонарей. Опыт передавался от учителя к ученику, индивидуально, на комплексной основе. Ученик овладевал техникой звона, приобщался к православному обряду и сакральным тайнам колокольного искусства. Сейчас занятия проводятся в школах звонарей с группами учащихся. В статье описывается четыре основных типа современных школ звонарей.

Наблюдения автора исследования указывают на целесообразность корректировки современной системы воспитания звонарей. Отмечается необходимость реанимации основ русской традиционной школы обучения и научно-методического подхода к выработке концепции школы.

Ключевые слова: колокол, колокольный звон, звонарь, школа звонарей.

S. G. Tosin

Issues of modern education and training of Orthodox bell-ringers

In Soviet Russia the tradition of bell-ringing was lost in many respects, but from the 1990s its restoration began. In the country there appeared schools of bell-ringers which in traditional culture were not. The practice of teaching in them was not subject to scientific understanding. In the article the first steps in this direction are taken.

In the research three problems are solved: 1) reconstruction of model of ancient training in bell-ringing; 2) classification of bell-ringing schools; 3) coverage of the basic educational and methodical provisions which are necessary for modern training of bell-ringers.

In the old times there was an oral method of training of bell-ringers. Еxperience was passed from teacher to student, individually, on a complex basis. The apprentice mastered the technique of ringing, joined the Orthodox ceremony and sacred secrets of the bell art. Now classes are given at schools of bell-ringers to groups of students. In the article four main types of modern schools of bell-ringers are described.

Observations of the author of the research indicate expediency of correction of the training system of bell-ringers. The need to reanimate the foundations of the Russian traditional school of learning and the scientific and methodical approach to the development of the concept of school is noted.

Keywords: bell, chime, bell-ringer, school of bell-ringers.

К. Н. Федорова

Музыкально-педагогическое знание: герменевтический подход

В статье актуализируется герменевтический подход в контексте педагогики музыкального образования как попытка преодоления обезличивания музыкально-педагогического знания в процессе его интерпретации. Фиксируется внимание на границах применения нормативного подхода, опирающегося на причинно-следственные связи, теорию поведения, подведение очевидных фактов под обобщения. Подчеркивается, что речь не идет об отрицании установки на объективное изучение феномена развития человека в музыкальной педагогически организованной среде, но лишь о более глубоком личностном осмыслении педагогического знания и недопустимой абсолютизации сциентистского подхода. Показана важность необходимости взаимодействия процессов интерпретации как объяснения и интерпретации как понимания. Процесс понимания включает рациональные и интуитивно-чувственные аспекты познания педагогической реальности, позиционируется как личностное творческое освоение объективного музыкально-педагогического знания, выступающее основанием моделирования педагогического процесса в конкретной ситуации с учетом социокультурного контекста. Особую роль с позиций педагогической герменевтики приобретает необходимость преодоления стандартизации музыкально-педагогической деятельности, границ однозначных понятий, в том числе через такие эмоционально-духовные механизмы постижения человека как интуиция, вера, вековая мудрость. Значимыми музыкально-педагогическими качествами становятся методологическая рефлексия, интерпретативность мышления, педагогическая эмпатия.

Ключевые слова: музыкальная педагогика, музыкально-педагогическое знание, музыкально-педагогическая реальность, интерпретация музыкально-педагогического знания.

K. N. Fedorova

Musical and pedagogical knowledge: hermeneutical approach

The article actualizes the hermeneutic approach in the context of pedagogy of music education as an attempt to overcome the depersonalization of musical and pedagogical knowledge in the process of its interpretation. Attention is fixed on the limits of application of the normative approach based on cause-and-effect relations, behavior theory, summing up the obvious facts under generalizations. It is emphasized that we are not talking about the denying the installation of an  objective study of the phenomenon of human development in the musical pedagogically organized environment, but only about a deeper personal understanding of the musical and pedagogical knowledge and unacceptable absolutization of the scientist approach. Shows the importance of the interaction between the processes of interpretation as explanation and interpretation as understanding. The process understanding includes rational and intuitive-sensual aspects of the knowledge of pedagogical reality, is positioned as a personal creative development of objective musical and pedagogical knowledge, serving as the basis for modeling the pedagogical process in a particular situation, taking into account the socio-cultural context. A special role from the standpoint of pedagogical hermeneutics acquires the need to overcome the standardization of musical and pedagogical activity, the boundaries of unambiguous concepts. In particular, through such emotional and spiritual mechanisms of human comprehension as intuition, faith, age-old wisdom. Methodological reflection, interpretative thinking, pedagogical empathy become important musical and pedagogical qualities here.

Keywords: musical pedagogy, musical and pedagogical knowledge, musical and pedagogical reality, interpretation of musical and pedagogical knowledge.

Л. Л. Зенина

Педагогические принципы В. И. Слонима

В статье рассматриваются фортепианно-педагогические принципы одного из выдающихся педагогов Новосибирской государственной консерватории им. М. И. Глинки, исполнителя-пианиста Виссариона Исааковича Слонима (1921–2005). Обучение в его классе позволило автору сделать выводы об основах его педагогики, представляющей стройную систему обучения фортепианному искусству. Биографические сведения включают период начального домашнего обучения у С. С. Ляховицкой, затем – в Группе одаренных детей при ЛОЛГК у О. К. Калантаровой. Учеба в консерватории совпала с периодом Великой Отечественной войны, годы эвакуации прошли в г. Ташкенте, затем – снова Ленинград и работа на кафедре специального фортепиано, исполнительская деятельность, защита кандидатской диссертации. Однако начавшаяся в стране борьба с космополитизмом вынудила его снова переехать в Ташкент, где он стал заведовать фортепианной кафедрой. В 1961 г. по приглашению ректора А. Н. Котляревского он возглавил кафедру специального фортепиано НГК им. М. И. Глинки, где преподавал до 1989 г. Отъезд в Иерусалим, где он проработал в должности профессора консерватории до конца своих дней, оказался существенной потерей для НГК, поскольку именно в Новосибирске широко развернулась его исполнительская деятельность, поездки по Западной и Восточной Сибири с концертами, лекциями и мастер-классами, с оказанием методической помощи педагогам и учащимся музыкальных колледжей. Если охватить всю его исполнительскую деятельность, то не окажется ни одного стиля и жанра, которого В. И. Слоним не коснулся. Его педагогика строилась на следующих принципах: точность передачи авторского текста, искренняя увлеченность и психологическая насыщенность исполнения, всесторонний анализ как важнейший путь к интерпретации, интонационно-речевая выразительность, свобода, звуковая и штриховая культура, техническая отточенность, изучение всего творчества исполняемого автора и исторической эпохи, в которой он жил, а также – постоянное культурное и личностное развитие каждого студента.

Ключевые слова: консерватория, студенты, педагогическая система, преемственность, фортепиано, репертуар.

L. L. Zenina

V. I. Slonim’s pedagogical principles

The article deals with the piano-pedagogical principles of one of the outstanding teachers of the Glinka Novosibirsk State Conservatoire, pianist Vissarion Isaakovich Slonim (1921–2005). Training in his class allowed the author to draw conclusions about the basics of his pedagogy, representing a coherent system of teaching piano art. The biographical information includes the initial period of home schooling with S. S. Lyahovichi, then in the Group of gifted children at the Leningrad order of Lenin state Conservatory with O. K. Kalantarova. Studies at the Conservatory coincided with the period of the great Patriotic war, the years of evacuation took place in Tashkent, then – again Leningrad and work at the Department of special piano, performing activities, defending his thesis. However, the struggle against cosmopolitanism that began in the country forced him to move back to Tashkent, where he became head of the piano Department. In 1961 at the invitation of the rector A. N. Kotlyarevsky he headed the Department of special piano at the Glinka Novosibirsk State Conservatoire, works until 1989. Leaving for Jerusalem, where he worked as a Professor of the Conservatory until the end of his days, it turned out to be a significant loss for Glinka Novosibirsk State Conservatoire since his performing activities were widely developed here, he traveled to Western and Eastern Siberia with concerts, lectures and master classes, providing methodological assistance to teachers and students of music colleges. If to cover the whole of his performing activity, then there will be a single of style and genre, which V. I. Slonim has not touched. His pedagogy was based on the following principles: accuracy of transmission of the author’s text, sincere enthusiasm and psychological richness of performance, comprehensive analysis as the most important way to interpretation, intonation and speech expressiveness, freedom, sound and stroke culture, technical refinement, the study of all creativity of the performed author and the historical era in which he lived, as well as the constant cultural and personal development of each student.

Keywords: сonservatory, students, pedagogical system, continuity, piano, repertoire.

Л. В. Александрова

Образовательная и переводческая деятельность в России в конце XVI–XVII вв.: у истоков отечественного антиковедения

Проблемы развития образования и связанные с ними вопросы переводческой деятельности в России в конце XVI–XVII вв., послужившие основой возникновения науки антиковедения, рассматриваются в контексте становления и укрепления Русского централизованного государства – Московии. Киевская Русь подвергалась римско-католическому влиянию. Во второй половине XVI в. центрами противостояния «окатоличиванию» населения становятся Братства Православные и при них – Братские школы, называвшиеся Греко-славянскими, открытые во Львове, Киеве и других городах. Новый определяющий этап связан с деятельностью Петра Могилы, преобразовавшего Киево-братскую школу в Киево-братскую коллегию (1632 г.), которая фактически стала высшим учебным заведением (с 1701 г. Киево-Могилянская академия). Вместе со становлением и укреплением государственных институтов в Московской Руси возникла потребность в повышении уровня образованности русского общества. Для этих целей в Москве была создана Славяно-греко-латинская академия, открытие которой состоялось в связи с прибытием в Москву в 1685 г. братьев Лихудов. Несмотря на то что они были носителями европейского образования, философско-религиозное направление их деятельности базировалось на православно-греческой традиции.

Переводная литература в XVI–XVII вв. была представлена переводами богословских трактатов, святоотеческой литературы, богослужебных книг. В XVI–XVII вв. возросшие культурные связи с Западной Европой привели к появлению переводных книг западного происхождения. Труды римских классиков, средневековых и современных немцев, французов, англичан и других печатались в голландских изданиях и попадали в Россию в польских переводах. Были изданы лучшие западноевропейские труды, появившиеся в конце XVI–XVII вв.: по истории, географии, астрономии, по военной и политической истории, экономике, литературные произведения – античные и западноевропейские. Итак, период второй половины ХVI–XVII вв., связан с расширением и совершенствованием переводческой деятельности, основанной на знании древних и западноевропейских языков.

Ключевые слова: Братские школы, Киево-Могилянская коллегия, Славяно-греко-латинская Академия, братья Лихуды, античные источники, переводы, Ф. М. Ртищев, ртищевское братство.

L. V. Aleksandrova

Educational and translation activities in Russia
at the end of XVI–XVII centuries: at the origins of Russian antiquities

The problems of education development and related issues of translation activity in Russia at the end of XVI–XVII centuries, served as the basis for the emergence of the science of antiquity, are considered in the context of the formation and strengthening of the Russian centralized state – Muscovy. Kievan Rus was subjected to Roman Catholic influence. In the second half of the XVI century centers of opposition to «Catholicism» of the population are Orthodox Brotherhood and their Fraternal school, called Greco-Slavic, open in Lviv, Kiev and other cities. A new and defining phase is associated with the activities of Petro Mohyla, the transformation of the Kyiv brotherhood school in Kiev-Bratsk College (1632), which actually became the highest educational institution (with 1701 the Kyiv-Mohyla Academy). Together with the formation and strengthening of state institutions in Moscow Russia, there was a need to increase the level of education of Russian society. For these purposes the Slavic-Greek-Latin Academy was established in Moscow, the opening of which took place in connection with the arrival of the Likhud brothers in Moscow in 1685. In spite of the fact that they were carriers of the European education, the philosophical and religious direction of their activity was based on Orthodox-Greek tradition.

Translation literature in XVI–XVII centuries were represented by translations, theological treatises, patristic literature, liturgical books. In XVI–XVII centuries increased cultural ties with Western Europe led to the appearance of translated books of Western origin. The works of Roman classics, medieval and modern Germans, French, English and others were published in Dutch editions and came to Russia in Polish translations. The best Western European works that appeared at the end of XVI–XVII centuries were published: on history, geography, astronomy, military and political history, Economics, literary works – ancient and Western European. So, the period of the second half of the XVI–XVII centuries, associated with the expansion and improvement of translation activities based on the knowledge of ancient and Western European languages.

Keywords: Fraternal schools, Kyiv-Mohyla College, Slavic-Greek-Latin Academy, Likhud brothers, ancient sources, translations, F. M. Rtischev, Rtischev brotherhood.